OZARK

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Le serie tv – sia straniere che nostrane - amano le location un po’ particolari, un’isola, una comunità di provincia, una terra isolata, i margini di una scogliera, i ponti e così via. Non è tanto – o non solo – per comodità ma anche per disporre di una situazione logistica d’effetto, meno generica di vie di città ormai tutte analoghe perchè omologate.
Da Chicago, Marty e famiglia si spostano sulle rive di un lago che dà il titolo alla serie, Ozark, in un villaggio vacanze in Missouri. Là Marty ha un compito particolare: riuscire a “ripulire” una grossa somma di denari di cui è debitore a un grosso boss – tanto per cambiare – del cartelli della droga messicani. E Marty ci riuscirà – o forse no - al termine di dieci puntate della prima serie, mettendo in campo tutti gli espedienti di un provetto finanziere e collocatore di denari. Il paese – che tanto pacifico non è – ne riuscirà sconvolto. 
La serie – stando a questa prima stagione – non è affatto male, forse qualche volta un po’ difficile da capire nei suoi risvolti finanziari, ma sufficientemente ricca di personaggi e situazioni. Da notare la presenza di una Laura Linney un po’ ammaccata. E’ in arrivo la seconda Stagione in 10 episodi.

REGINA DEL SUD

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Intorno agli anni Quaranta-Cinquanta gli americani stabilirono le regole di un nuovo genere cinematografico, il film di gangster o poliziesco, che cantava le gesta di gang spuntate come funghi attorno all’equivoco traffico di alcool negli anni ruggenti del proibizionismo: personaggi un po’ double-face, disegnati nelle loro dimensioni eroiche, anche se si trattava di esseri spregevoli destinati a una brutta fine in obbedienza al Codice Hays, e poi le facce patibolari dei gregari, la “pupa” del gangster, e quel clima torbido di una nemesi incombente che tingeva di tristezza ogni avventura. Somigliava parzialmente al noir francese ma ne differiva sotto diversi aspetti.
Da una decina di anni o forse meno il genere si è aggiornato anzi possiamo dire che ne sia sorto uno nuovo. Loschi trafficanti sudamericani, cartelli in luogo di gang, e il traffico della droga in luogo di quello dell’alcool, droghe più o meno diluite e adulterate, come negli anni passati si usava fare col whisky, e poi accoliti dalle facce patibolari scelti prevalentemente fra ispanici, e pupe assortite per il capo. Ma pupe generiche con meno personalità, spesso prostitute schiavizzate, senza i vecchi rituali del dono di gioielli e pelliccette. Il genere – pronube Netflix – batte in violenza il precedente, dove la crudeltà era, tutto sommato, descritta in toni un po’ asettici, solo sventagliate di mitra e colpi di pistola. Qui la violenza deborda, si trasforma in sadismo e i morti si sprecano. 

Su questo schema, mescolato in un pastiche fra finzione e verità, sono state costruite le serie “Narcos” sulla vita e le avventure di Pablo Escobar, ed ora è la volta – con una maggior commistione fra realismo e finzione - de “La regina del Sud”, di cui abbiamo visto i tredici affascinanti episodi della prima stagione, tratto dal quattordicesimo romanzo dello spagnolo Arturo Pérez-Reverte. Teresa Mendoza, destinata a divenire la Regina del titolo, la conosciamo ancora alle prime armi della sua carriera di donna rotta a tutto, d’astuzia volpina, di eccezionale forza d’animo, dolce e spietata, decisa a salire la vetta in un traffico internazionale di droga seminato di morti e assassini. Il racconto è severo, crudo ma non compiaciuto. 

Gli interpreti tutti attendibili, i toni quelli di un racconto realistico che rivela aspetti sconosciuti di un terribile commercio. E al centro lei, Alice Braga, che gestisce il suo personaggio con bravura e intensa verità. Accanto al lei un altro personaggio femminile potente, Camila (Veronica Falcon) in lotta contro il marito per il controllo del cartello. E i comprimari, i secondi personaggi e le seconde storie: un racconto disteso e implacabile per chi ami i sapori forti, ma ben amministrati, senza i sapori fasulli e sofisticati della nostrana nouvelle cousine.

BOJACK HORSEMAN

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Un cavallo chiamato uomo
Parafrasando e rovesciando il titolo di un famoso film, “Un uomo chiamato cavallo”, la serie cartoon, prodotta e distribuita da Netflix, giunta alla terza stagione con una quarta in lavorazione, chiosa le avventure hollywoodiane di un divo di sit-com in procinto di diventare un ex-divo e insieme lo strano mondo che gli gira intorno: manager tuttofare, produttori esecutivi che rubano idee, ex-divi che assumono ghost writer per eternare o reinventare le proprie squallide memorie, divi bambini che a distanza di anni diventano spenti ma intraprendenti adulti. E così via. I

l tutto raccontato da Will Arnett, collaudato attore canadese, coadiuvato da Aaron Paul, protagonista giovane della celeberrima “Breaking Bad”, e interpretato da “animaloidi” e “umanoidi” mischiati insieme con molta fantasia e una grafica furbescamente elementare.

Sulla scia delle più celebri e popolari serie d’animazione dedicate a una certa satira (da “I Simpson” a “I Griffin”) la serie Netflix situa stavolta le sue invenzioni in un universo hollywoodiano (ma una Hollywood tarpata dalla D) con allusioni talvolta un po’ da addetti ai lavori. Ha successo e si può capire il perché. 

A me, dopo l’iniziale sconcerto per questi protagonisti umano-animali, a cominciare dal protagonista Bojack Uomo-Cavallo, ha divertito e sto consumando voracemente la seconda stagione.

IL CASO O.J. SIMPSON: AMERICAN CRIME STORY

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A me, amante delle grandi storie che sfidano il passato, sia remoto che prossimo, fa un po’ rabbia constatare come la fiction televisiva, da qualche anno a questa parte, da noi come nel resto del mondo, prediliga il presente, le storie della cronaca, sia pure rabberciate ed edulcorate per farle diventare favola. Ma tant’è, ormai i telespettatori sembrano gradirle. Da noi in Italia questa come altre tendenze diventano stucchevoli e la cronaca viene filtrata attraverso gli occhiali rosa della stampa gossip o attraverso quelli verdi o abbrunati di un sociologismo a buon mercato. Non faccio citazioni, sarebbe troppo facile. 

Ecco perché sono rimasto colpito favorevolmente, nonostante sia prevenuto, da questa serie dedicata al “caso O.J,Simpson”, prevista in dieci puntate, prima di un ciclo dedicato all’ “American Crime Story”. Intanto sceneggiatura magistrale, la cronaca – che peraltro conoscevo solo a grandi linee, molto genericamente – viene non scimmiottata in un tentativo di sommaria trascrizione ma trasferita in un articolato “romanzo”. In particolare nella storia di un complesso gioco giudiziario, una rappresentazione piuttosto brutale di come si amministra la giustizia negli USA. Cui fa seguito un’accurata realizzazione, veloce e moderna ma senza eccedere in effetti e “bellurie” non giustificate. 

E che dire degli attori? Da Cuba Cooding jr., protagonista non onnipresente ma efficace e indispensabile, a John Travolta che cesella il personaggio dell’avvocato, abile quanto cialtrone, a tutti gli altri. Insomma una impagabile lezione di tv.

SHOOTER

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Una specialità della CIA deviata, almeno di quella immortalata dal cinema: prendere un soldato superesperto, incaricarlo di una missione di salvataggio spericolata, addossargli un delitto non suo ed eliminarlo per codificare l’attribuzione. Un procedimento che, almeno secondo alcuni, fu seguito anche per l’assassinio di Jack Kennedy cui fece seguito la velocissima eliminazione del - presunto ? – assassino Osvald.

La serie “Shooter” parte così. E il povero Bob Lee Swagger, ex-cecchino della marina statunitense, si trova addosso una terribile imputazione avendo avuto il torto di essere rimasto in vita nonostante un piano preciso per eliminarlo e attribuirgli una colpa non sua. Riuscirà a sventare la terribile accusa e a smascherare coloro che hanno ordito il piano diabolico? E’ quello che ci accingiamo di vedere nelle successive puntate della serie, che è partita bene, con un “buono” con famiglia, solido e onesto, e un bieco drappello di “cattivi” che si celano dietro le più alte cariche dello Stato.

 Alle spalle della serie c’è il romanzo di Stephen Hunter, “Una pallottola per il presidente”, ma anche un film omonimo del 2007 con Mark Wahlberg, che ora figura fra i produttori della serie. 

Terza e quarta puntata: ho l’impressione che la vicenda venga un po’ stiracchiata per farla durare, ricorrendo all’evocazione di un precedente complotto che si svolge in Afghanistan coinvolgente gli stessi personaggi con un gioco per qualche verso analogo: qui che lunghi flashback una storia in parallelo, anche se in tempi diversi. Quinta puntata: la vicenda riparte più speditamente e con più sicurezza.

SANTA CLARITA DIET

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Ho visto solo le prime tre puntate della nuova serie Netflix “Santa Clarita Diet”, cioè la dieta di Santa Clarita, che gioca con l’horror ma abbandonando il grottesco per schierarsi decisamente sul fronte della commedia. 

Una coppia di sposi con figlia adolescente che fanno gli agenti immobiliari, volutamente analoga alle coppie piccoloborghesi tanto amate dalla tv statunitense. Solita caccia al cliente, solita competizione con gli agguerriti colleghi. Il nuovo è dato dalla predilezione della donna, Sheila, per la carne umana, di cui è inguaribile buongustaia, fabbisogno alimentare che cerca di procurarsi in modo disinvolto, senza creare grossi disagi alla famiglia. In poche parole la donna è una zombie che addenta la preda di turno senza troppi scrupoli e la consuma sul posto, “nature”, creando qualche inconveniente per l’igiene di casa e qualche disagio ai propri familiari: lo splatter non perdona! 

Lo spunto è sorretto dalla verve di Drew Barrymore, che abbiamo lasciato giovinetta da fiaba e troviamo attempatella e malridotta – gli anni passano per tutti - ma sempre con quegli occhietti birichini, ormai affrancatosi da quel cognome che ha costituito per lei un ingombrante passaporto per la notorietà: come si fa a buttarsi via se ti chiami Barrymore, figlia di attrice e soprattutto pronipote dei tre “mostri sacri” dello spettacolo americano? E invece sì, spero che la serie vada avanti bene, so che ha già ricevuto critiche positive, non ultimo elemento di curiosità la presenza della giovane attrice australiana Liv Hewson, che abbiamo già visto pimpante e irresistibile nella miniserie grottesca “Dramaworld”.

FAUDA

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Il panorama delle produzioni seriali sta ampliando l’orizzonte produttivo più di quanto abbia fatto il cinema. E in questo la filosofia di Netflix sta ottenendo notevoli risultati. Valgano per tutti le serie di fabbricazione brasiliana di “Narcos” che, oltre a rivelare attori autoctoni, hanno introdotto e promosso un nuovo modo di narrare, ispirato alla realtà ma non ridotto tout court a “storiella” secondo le regole dell’affabulazione tv. Ma è anche il caso di realizzazioni made in Israele che non a caso, come “Homeland”, “Hostages” e altri, sono state puntualmente “rifatte” dalla tv statunitense. 

Ed ora questo “Fauda” – il termine arabo significa caos - che dei purtroppo incombenti e onnipresenti conflitti israelo-palestinesi fa materia di severo, allucinante racconto televisivo. Ed è un racconto concitato, aspro, violento, con personaggi inediti e attori antidivi per eccellenza. Gli uomini delle squadre speciali del Mossad e i terroristi arabi di Hamas si confondono in modo quasi indistinguibile per l’odio reciproco e la mancanza di scrupoli che entrambi condividono e per le azioni violente quanto immotivate che in fondo si assomigliano: valgano a macabra esempio l’eccidio perpetrato durante il matrimonio arabo e le successiva rappresaglia terroristica messa in atto dalla moglie della vittima. 

La serie mette sotto accusa con severità entrambi i fronti. Altro suo merito innegabile è il realismo delle location e degli ambienti, promosso anche dall’uso frequente della lingua araba. Insomma le serie tv ci aiutano ogni giorno di più a prendere le distanze da un vecchio standard romanzesco quanto retorico di narrare in generale l’azione e in particolare i conflitti etnici, un tempo con attori “ariani” truccati da asiatici, indiani o altro, ed oggi mettendo a frutto - ahimè! - il terribile insegnamento della cronaca. Che è sempre meno “cinematografica” ed entusiasmante. Non uso il termine “realismo” perché una rappresentazione cinematografica o televisiva è sempre “racconto”, quindi “mediazione”.

REVENGE

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Vendetta, tremenda vendetta!, invocava il povero Rigoletto brutalmente offeso e ferito negli affetti da quel farfallone del Duca di Mantova. 

Vendetta, ripete a se stessa la bionda fanciulla che, sulla tracce di Rigoletto o più ancora del vendicativo Conte di Montecristo, si appresta a far piazza pulita dei nemici che le hanno rovinato l’esistenza, separandola bambina da suo padre e trasformando il genitore, a forza di menzogne e di truffe, da fortunato finanziere in condannato per crimini diversi quanto efferati. E la bionda fanciulla, una volta cresciuta e trasformatasi in un’avvenente e navigata capitalista – speriamo ci venga spiegato prima o poi come ha fatto - si accinge a rovinare tutti quelli - e sono proprio tanti – che hanno fatto del male a lei e all’amato e perduto genitore. 

Se non fosse un fanciulla moderatamente bellina, la protagonista di “Revenge” ci apparirebbe un’erinni decisamente sadica, non certo degna della nostra approvazione, che invece siamo ben disposti a concederle, visto che è l’eroina della serie di cui stiamo vedendo le prime puntate, serie che vanta come primo nome in cartellone quello della navigata Madeleine Stowe, un po’ stagionata e quindi retrocessa al ruolo di avvenente genitrice. 

La serie si fa vedere con interesse, è piacevole, pullula di personaggi giovani dalla storia sufficientemente prevedibile e, con l’aiuto degli ormai consueti immancabili flashback, ci fa recuperare via via i tristi trascorsi di papà, della bimba nonché degli amici-nemici che la fanciulla si appresta ad abbattere uno dopo l’altro, come altrettanti birilli. Ci chiediamo come lo schema abbia potuto resistere per ben quattro stagioni ma andiamo avanti con piena fiducia.


SPOILER  (QUARTA STAGIONE)


Con la 23° puntata della quarta stagione ho concluso personalmente la visione di questa serie, trasmessa in Usa con successo dal 2011 al ‘15 e vagamente ispirata alla seconda parte del dumasiano “Conte di Montecristo”, quella appunto destinata alla vendetta del Conte su tutti i suoi nemici. E’ il fine perseguito dalla nostra Amanda sotto falso nome: inseguire e distruggere tutti quelli che hanno causato la rovina e la morte del proprio padre. Almeno sino a quando la serie – nella sua quarta stagione - prende il largo dalla sua ispirazione, con il ritorno del padre che non è morto e la lotta fa le due “signore”, la terribile e seducente Victoria, a cui Madeleine Stowe presta il suo volto e la sua silouette, e Amanda, che per meglio vendicarsi ha assunto il nome di Emily, di cui la giovane Emily VanCamp offre una valida interpretazione. 
Interpretazioni tutte, quella delle due dame come degli altri numerosi personaggi portanti, sempre un po’ sopra le righe, quasi una versione di lusso di quel rituale “sopra le righe” mediata dalle fiction popolari, a base di sguardi infidi o sornioni che annunciano in anticipo il comportamento dei personaggi. 
La serie, nel suo insieme, è appassionante, anche se talora si sviluppa un po’ troppo “in progress”, aggiungendo risvolti, vicende e personaggi strada facendo, per prolungarne la vita forse oltre il necessario.
Ecco, le fiction popolari dovrebbero prenderne esempio: eventi che si accavallano, sviluppi drammatici che si succedono “stile Matrioska”, distinzione sempre facilmente individuabile fra i “buoni” e “cattivi, ma con rovesciamenti di campo e inevitabili cambiamenti di rotta, interpreti efficaci, personaggi ben caratterizzati, buona scelta degli ambienti e dei costumi, a cominciare dal principale “luogo deputato”, cioè le due ville non lontane dalla costa sabbiosa e dal mare.

AMERICAN ODYSSEY

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Il mondo arabo dell'Islam fa irruzione – e non da oggi – anche in molte serie televisive sino a diventarne di fatto protagonista. Segno dei tempi - direbbe un filosofo -, della centralità di quel mondo affermatasi in modo drammatico e divenuto l’incubo del nostro presente. Ricordiamo le stagioni di “Homeland”, ottima serie USA ricavata da una serie israeliana.  

E’ la volta di un’altra ottima serie, “American odissey”, che getta uno sguardo acuto quanto impietoso sulle connivenze fra il mondo degli affari e quello del terrorismo, con un abbrivio che potrebbe piacere a Oliver Stone: una squadra speciale adibita alla cattura di un importante terrorista scopre alcuni file in un computer i quali suggeriscono che una grande società statunitense stia finanziando i jihadisti e li rifornisca di armi. Ma i poteri militari, messi sull’avviso della incresciosa scoperta, decidono di eliminare la squadra speciale per evitare la divulgazione di una cospirazione internazionale che ne coinvolge i più alti vertici. Alla brutale rappresaglia sfugge una soldatessa, unica sopravvissuta della sua squadra. Diverrà la protagonista di una fuga spericolata attraverso l’Africa per sfuggire alla morte e avvertire “i buoni”. Si uniscono alla spasmodica odissea alla scoperta della verità un ragazzo arabo, un giovane rivoluzionario, un avvocato integerrimo, una bambina che non crede alla morte di sua madre e così via. 

I filoni si intersecano con molta sapienza e, pur nella complessità dei collegamenti, non diventano mai speciosi e incomprensibili, rivelandoci ancora una volta come gli sceneggiatori americani siano la vera forza portante della serialità. I personaggi sono tanti e tutti molto validi, disegnati con vigore. Insomma una serie emozionante, avvincente, tutta da seguire. Purtroppo la prima stagione non ha avuto seguito, “pare” per lo scarso successo: "Come tutti temevate, siamo stati cancellati", ha scritto a suo tempo Peter Horton, creatore della serie. Ispirarsi alla realtà va bene ma quando è troppo è troppo.

CUCKOO

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Figlia probabilmente degli sketch radiofonici la situation comedy (sit-com) è stato ed è uno dei generi portanti della televisione popolare americana: situazioni giornaliere e genericamente verosimili ricreate in un ambiente unico, di solito il soggiorno di una casa borghese, con pochissimi accessori, una scala che porta a un misterioso e invisibile secondo piano, una seconda stanza, uno striminzito giardinetto. E al centro le vicissitudini di una famigliola, genitori, figliolanza assortita: piccola peste, giovinetto/a birichino/a, mamma chioccia e papà sfaticato o sognatore e qualche vicino di casa, solitamente impiccione, come elementi fissi. Nel corso degli anni sono fiorite numerosissime sit-com più o meno inamidate o ossidate, con un po’ di esterni e qualche trasferta. Riprese in “quasi diretta”, spesso arricchite da risate fuori campo prodotte da un pubblico pilota e appositamente rinforzate. Attori scelti fra quelli più inclini a districarsi fra suggerimenti auricolari, tic, grimaces e cachinni. Fra gli esempi più attuali della rivisitazione della sit-com classica possiamo citare le varie stagioni di “Modern family”, con quella famiglia assortita e variegata di cui si celebrano le quotidiane avventure o, passando a un prototipo a cartoons, le avventure di quella impagabile famiglia che sono i “Simpson”. 

E veniamo a “Cuckoo”, serie inglese targata BBC, che è tutto questo e il contrario di tutto questo, di cui ho terminato ieri sera la seconda stagione, molto difforme dalla prima serie che puntava tutto su un personaggio principale poi sparito e dimenticato. Ancora una famiglia circondata da amici – pochi e un po’ infidi -, ancora una madre possessiva e un padre sognatore e sfaticato, con in più un deciso spirito trasgressivo e un pizzico di surreale che non guasta: un giovane ospite un po’ strampalato, “traviato” o “educato” da un guru, e poi un figlio sporcaccione e una figlia con problemi di adattamento sentimentale. 

Serie molto divertente, apprezzabile per la scrittura originale che mescola le solite piccole prevedibili avventure casalinghe, debitamente aggiornate, a un po’ di imprevedibile bizzarria, e per gli attori, esagerati come da copione, ma che colpiscono nel segno. Insomma a me ha francamente divertito. E vai con la terza stagione

STAR TREK - THE ANIMATED SERIES

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Prima dell’allunaggio e delle esplorazioni spaziali, Gene Roddenberry, creatore di Star Trek, è stato l’autentico precursore della fantasia interplanetaria e intergalattica, riuscendo a spingere la sua Enterprise con relativa squadra oltre i confini dello spazio “per arrivare là dove nessun uomo è mai giunto prima”. Le sue storie, declinate in una serie interminabili di episodi e di stagioni, ci hanno introdotto alla geografia spaziale più sfrenata, facendoci accettare come amici, ma anche come nemici, esseri diversi, a volte repellenti. 
Resta insuperabile il primo ciclo (1966-69), consegnato alla mitologia televisiva, con l’eterogenea cosmopolitica squadra ai comandi del capitano Kirk, che contemplava una donna di colore, un russo, un asiatico e infine un vulcaniano un po’ meticcio (madre terrestre) dalle orecchie a punta e dall’imperturbabilità a tutta prova, il signor Spock. Fu tale il successo che si decise – operazione non del tutto nuova – di far seguire alla serie “live” una serie a disegni animati, doppiata dagli stessi attori. 

Ed ecco “Star Trek, animated series”: piccole storie della durata di 24 minuti, dove l’astronave Enterprise e il suo equipaggio vivono avventure in parte tratte dalla serie ma nella maggior parte nuove di zecca, stagliate su background fantastici, con assoluta economia di disegni e di tavole, e giocate con effetti d’animazione abbastanza semplici ed elementari, colori puri, senza ombre o sfumature, somiglianze puramente indicative e stilizzate. Ed è questo il fascino di queste storie – che abbiamo la possibilità di rivedere grazie a Netflix –: la loro semplicità da striscia fumettistica non sofisticata, narrata con il minimo di effetti, storie curiose, a lieto fine, dove i nostri personaggi conservano il loro carattere e lo declinano in forma semplificata ma ottimale. 

Un divertimento per grandi e piccini, lontano dagli stereotipi sofisticati, disneyani e non.

HOSTAGES

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Lo spunto parte da una molla che il cinema ha più volte e utilmente usato: sequestro di innocenti e successivo ricatto perchè uno di essi compia un atto grave per salvare i congiunti. Era la base di partenza di un ottimo film del 1955 come “Ore disperate”, che ebbe anche un remake meno riuscito nel 1990, e riecheggia, opportunamente modificato o variato, in molte opere cinematografiche e televisive. “Hostages” ne è un po’ la sagra. 

Un’ottima serie prodotta e realizzata in Israele nel 2013 - e che ovviamente gli americani si sono affrettati a rifare a casa loro - congegnata in dieci abilissime puntate: una illustre chirurga, scelta per operare il Premier del paese, viene ricattata da una banda di personaggi di varia estrazione che tiene in ostaggio la sua famiglia: uccidere l’uomo politico nel corso della banale operazione o assistere alla morte dei propri congiunti, due figli e marito. Tutto qui ma la vicenda si complica: la rete dei sequestratori e dei loro mandanti è vasta e insondabile, i quattro figuri divergono per estrazione motivazioni e comportamenti, la chirurga mette in atto varie espedienti per procrastinare la decisione e così via... 

Ci asteniamo dal riassumere una vicenda che, puntata dopo puntata, si struttura e si complica: buona sceneggiatura, sobria e robusta realizzazione, valida prestazione attorale con una protagonista molti brava e credibile, colpi di scena ben dosati. Insomma una signora “serie”. Ma è destino ormai che le serie migliori europee o altro – vedasi “House of cards” della BBC – vengono ridotte a tambur battente in versioni americane più prevedibili e “abboccate”, redatte secondo i furbi standard che vanno per la maggiore. E’ la stessa iniqua sorte che noi italiani riserviamo alle commedie francesi, da noi “rivedute e corrotte”, per usare una vecchia battutaccia. Triste, molto triste. 

E’ doveroso un aggiornamento dopo aver conclusa la visione delle dieci puntate. La soluzione della vicenda, impostata nella nona puntata e risolta nella decima, si impantana per un eccesso di intrigo che dal piano politico scivola in quello privato, con un colpo di scena finale inatteso quanto calato dall’alto. Come diceva il personaggio di Billy Wilder, “Nessuno è perfetto”.

DESIGNATED SURVIVOR

 

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Sopravvissuto alla strage che ha distrutto il massimo consesso politico degli Stati Uniti d’America - Presidente compreso - un funzionario messo in salamoia nel caso di devastante sinistro, considerato quanto mai improbabile ma secondo una consuetudine nata durante la guerra fredda, Tom Kirkman diventa ipso facto il capo politico della potenza mondiale numero uno. Ma lui è un semplice funzionario e neanche tanto accetto alle alte sfere che erano in procinto di esonerarlo dal suo compito all’interno del gabinetto presidenziale per trasferirlo altrove. Diventato Presidente il sopravvissuto deve affrontare compiti immani. Li affronterà con molto rispetto per i musulmani, sbrigativamente imputati di genocidio dai soliti militari guerrafondai, ma con molto autorità nei confronti di governatori secessionisti. 

Sono arrivato alla quarta puntata e vado avanti perché la serie è ben fatta e costruita, intrigante quanto basta, con Kiefer Sutherland protagonista, veterano dei tanti ottimi cicli di “24”, che qui ha abbandonato i panni dell’indomito Jack Bauer, quindi non è più in versione D’Artagnan. La serie, “fresca di giornata”, cioè targata 2016, attraversa i temi del momento e li svolge nel modo più “politically correct”, seguendo i dettami della pubblica opinione più corriva: lotta all’integralismo, alla corruzione, alle fobie dei militari, agli intrighi dei politici bugiardi, ai tranelli dei funzionari troppo intraprendenti, sapiente cocktail multietnico declinato più a favore degli arabi che della negritudine. Un Presidente compassionevole ma rigoroso, tollerante ma decisionista, cioè “al bacio”. 

Un cast - come al solito in produzioni del genere - ben scelto e calibrato: Kiefer rinuncia alle prodezze da Jack Bauer per mostrarci il volto basito e preoccupato di un Presidente suo malgrado, conscio delle sue responsabilità. Riuscirà a sconfiggere i nemici interni ed esterni? E’ quanto vedremo.

PARANOID

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Cosa disfarci di noi stessi nel lavoro che svolgiamo giorno dopo giorno, cioè come disfarci del peso delle nostre paranoie private che finiscono fatalmente per condizionare il nostro operato e quindi il nostro rapporto con gli altri? E’ il tema sottinteso a questa nuova serie anglo-tedesca proposta da Netflix, almeno stando ai primi episodi. Siamo tutti un po’ paranoici, cioè ci trasciniamo dietro i nostri dilemmi, i nostri dubbi, la nostra insofferenza. anche quando dovremmo farci osservatori e giudici impassibili. 

Tre personaggi-guida, tre poliziotti - tanto per cambiare -. Lei è una quarantenne, mollata dal compagno dopo molti anni di convivenza, e quindi brutalmente esposta a bruciar gli ultimi anni di una giovinezza che le sta sfuggendo, lui è il giovane un po’ plagiato da una madre possessiva, che forse confida troppo in quest’avventura con una donna più anziana di lui. Il terzo è un anziano integerrimo poliziotto assalito da vere e proprie crisi di panico che cerca invano di nascondere. Tre personaggi che credono nel loro lavoro ma che ai quali il lavori non basta, sospesi fra impegno e angoscia. Un po’ paranoici. 

La storia è quella del solito assassino misterioso che i tre tentano invano di scoprire, una storia ben costruita, ambientata nella cittadina inglese di Woodmere. Narra del misterioso omicidio della Dottoressa Angela Benton avvenuto in un parco giochi per bambini dove la donna aveva portato a giocare il figlio Luke di 3 anni. L’elemento di novità è poi costituito da un “ghost detective”, cioè da un detective fantasma, che si diverte a interferire nelle ricerche dei nostri tre investigatori fornendo loro strani indizi. 

Seguiremo la vicenda, ma quello che per il momento ci ha colpiti è lo spazio riservato a queste tre paranoie portanti.

BLACK MIRROR - TERZA STAGIONE

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Il mondo di domani in una serie inglese di episodi nei quali il domani assume il volto di un universo informatico denso di insidie, nell'incedere e progredire delle nuove tecnologie, l'assuefazione ad esse ed i loro effetti collaterali. 

Terza stagione, numero uno, “Caduta libera”: armata di insostituibili smartphone la gente si giudica e si autogiudica in base al punteggio del proprio aggeggio. Per cui il comportamento e l’accettazione sociale dipendono dalle stelline che riusciamo a totalizzare e incamerare dai nostri simili, quelli che incontriamo per la strada o nel nostro edulcorato ambiente. Ne deriva un mondo fasullo, pieno di valutazioni false e di valori deformati e deformanti, come quello che con molto acume ci dipinge questo episodio. Fino a quando la malaugurata o beneaugurata funzione cede di fronte all’inaspettato e l’olimpo di sorrisi precipita. 

Ancor più “terribile” il terzo episodio, “Zitto e balla”, dove ognuno dei protagonisti è ricattato da una voce anonima, recapitata tramite l’immancabile smartphone, che minaccia di mettere in rete dei video privatissimi da cui dipende l’onorabilità e la vita dei malcapitati. Per evitare il sinistro gli sventurati dovranno compiere, su ordinazione e istruzioni fornite via via, azioni delinquenziali che, oltre tutto, li coinvolgeranno assieme. Una condanna terribile da cui è impossibile sottrarsi. Il breve film, come il precedente, ha il sapore di un divertimento amaro ed è sorretto da una realizzazione ineccepibile. 

Questi “black mirror”, giunti alla terza stagione, promettono di essere un prodotto per palati fini, molto meno evasivi di quanto potrebbero sembrare. Dopo la serie d’esordio dedicata soprattutto ad esperimenti formali, questa terza si rivela come un’avvincente lettura metaforica ma non elusiva del mondo in ci viviamo.

NARCOS

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La seconda stagione di “Narcos”, serie capitana della programmazione Netflix, cerca di guadagnarsi una relativa autonomia rispetto alla precedente. La prima serie “Narcos” si presentava infatti come una severa ricostruzione, fra fiction e documentario, della storia pubblica e privata di Pablo Escobar, monarca dell’impero colombiano della droga e nel contempo raccontava la nascita e l’affermazione del traffico internazionale della droga, la dilagante diffusione della cocaina tra Stati Uniti ed Europa negli anni ottanta, il tutto mediante l’uso di un ricco materiale documentario saggiamente alternato con accurate ricostruzioni, tanto verosimili da sembrare più vere del vero. Conclusa, entro certi limiti, questa vicenda, la seconda stagione ripudia la forte presenza documentaristica per trasformarsi in una fiction, sia pure sui generis. 

Non temiamo di affermare che la prima puntata di questa seconda stagione è forse quanto di più efficace ci abbia fornito la televisione, almeno da vent’anni a questa parte, in fatto di fiction. Una storia scritta e fotografata con piglio sicuro, senza lenocini formali che sopravanzino la forza delle cose e dei fatti raccontati, con un gruppo di interpreti d’eccezione, cominciare da Wagner Moura nel ruolo di Pablo Escobar, un padrino protervo e insieme legato a biechi costumi ancestrali. Escobar miscela costumi e atteggiamenti frutto di una tradizione secolare – il culto della famiglia, il maschilismo assoluto, la prostrazione della condizione femminile, la cieca dedizione richiesta ai “picciotti” - a un uso indiscriminato della violenza, che non concede alternative, in cui la morte e l’unica punizione consentita ai traditori e alle spie. 

Come non pensare alle organizzazioni mafiose di casa nostra, ma insieme al modo edulcorato, di maniera, falsamente melodrammatico, in cui molte delle nostre fiction – non tutte per fortuna - le ritraggono? Il racconto di “Narcos” non concede soste, mescolando con saggezza momenti privati della vita del padrino agli avvenimenti “pubblici” dello stato colombiano, con politici e poliziotti proni, imbelli o destinati ad arrendersi. 

Ma ciò che ci interessa mettere in rilievo è soprattutto l’originalità assoluta del modo di raccontare, con una o più camere mobili ma senza equilibrismi sofisticati, con un montaggio che segue l’azione e non teme di alternare momenti statici con ritmi concitati. E come dimenticare i volti? E la recitazione, non veristica né verosimile ma vera, autentica? 

Con questa serie Netflix si aggiudica un primato difficilmente superabile, che non ci fa certo rimpiangere il cinema.

A VERY SECRET SERVICE - AU SERVICE DE LA FRANCE

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Da oltre cinquant’anni l’avvento cinematografico dell’agente 007 ha scatenato la fantasia e il desiderio di emulazione di decine di cineasti: imitazioni, doppioni, parodie. E prestazioni per i comici di turno, in Italia da Lando Buzzanca a Ciccio e Franco.
Netflix ci propone questa serie francese (Au service de la France), nata nel 2015, dove un novellino viene cooptato da Servizi segreti, gestiti da figuri talmente cinici da apparire ridicoli, vagliato dal direttore delle operazioni e, con molta riluttanza dai colleghi più anziani - Moulinier (responsabile degli affari africani), Jacquard (Algeria) e Calot (per il blocco sovietico), e finalmente introdotto in operazioni di cui è completamente ignaro. Particolarmente divertente quella per promuovere l’indipendenza di alcune ex-colonie. 

Dopo la visione delle prime puntate ci sembra che non sempre i riferimenti geo-politici, molto francesi, risulteranno commestibili per il pubblico nostrano. Ma intanto alcune caratteristiche della serie appaiono evidenti: una certa urbana spregiudicatezza nell’ironizzare su fatti personaggi e avvenimenti del loro recente passato, ma senza cadere nei soliti luoghi comuni, fatali per i nostri cineasti, una buona dose di ironia non plateale, una scrittura civile e in punta di penna, una scelta singolare sia dei personaggi che degli attori che li interpretano, un rifiuto del politically correct a tutti i costi, scegliendo un umorismo non sbracato popolare e riuscendo a imporre un suo stile e un’identità indipendenti dalle comedy di marca americana. 

Fra gli autori ritroviamo lo spirito di Jean-Francois Halin, il creatore dei film dell’agente OSS 117, divertentissime parodie dove eccelse l’estro di Jean Dujardin,

THE HOUSE OF CARDS TRILOGY (BBC)

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PRIMA STAGIONE

I grossi ratti prolificano per le strade e negli angoli nascosti della bella Londra, una metafora che punteggia tutti i capitoli (4 per la prima stagione 1990) di questa miniserie inglese la cui sceneggiatura è stata adattata da Andrew Davies ispirandosi al romanzo scritto da Michael Dobbs, ex Capo dello staff presso il partito conservatore.

La serie ha trovato una fortunata riedizione anche negli Usa con Kevin Spacey protagonista, ma qui, in piena Inghilterra, attorno al personaggio dell’uomo politico Francis Urquhart, splendidamente interpretato da Ian Richardson, affascinante quanto repellente, è in stato d’accusa tutta una classe politica che gioca sul sotterfugio e sulla selvaggia reciproca eliminazione, anche fisica, schermata dietro la solida cortina del perbenismo. Rivolgendo puntualmente lo sguardo all’obbiettivo e “parlando alla telecamera”, come si suol dire, il protagonista rende complici i suoi spettatori a cui svela i sotterfugi e gli equivoci della politica “politicante”. Il tutto all’interno di una ricostruzione scenografica e di un linguaggio politico ineccepibili. 

Un splendida lezione di cinismo a cui la serie dà un esito piuttosto “giallo”, quasi ad esorcizzarne la spietata verosimiglianza con la realtà di tutti i giorni e di tutti i paesi. 

SECONDA STAGIONE - SCACCO AL RE

Avendo esaurito la visione della seconda stagione della serie BBC “House of cards” sono in grado di capire la profonda differenza che separa un’acuta e arguta satira sul mondo politico dai goffi e puerili tentativi portati avanti dal cinema italiano. In poche parole quanto sia vasto il divario fra il disegno, terribile nella amabile descrizione di un mondo politico immaginario, calcato su una nazione che è l’Inghilterra ma passibile di letture più vaste, dalle sgraziate parodie tentate da alcuni nostri registi: penso all’osannato “Divo” con la goffa teoria delle sue “macchiette” e dei suoi pupazzi foggiati sui politici nostrani, buoni a far sghignazzare solo spettatori radical chic, o anche al guazzabuglio del “Caimano” morettiano raccontato con stentato livore. 
Ma torniamo in Inghilterra che è meglio: narrando i destini e le fortune politiche di Mister Urquahart, che non somiglia ad alcun uomo politico in particolare, nonchè del re d’Inghilterra, che non somiglia ad alcun monarca inglese in particolare, gli autori riescono a raccontare un mondo di sottili perversioni, di battaglie segrete, di amori e di rancori, imprimendo alla storia anche un piglio autenticamente “romanzesco”. Avevamo avuto il timore, vista la prima puntata del nuovo ciclo, che la serie prendesse troppo le distanze dalla feroce cattiveria del primo ciclo, ma la visione delle successive ci ha fatto fortunatamente ricredere: stessa cattiveria, stessa feroce satira con un più d’invenzione. 
Da ultimo non posso non soffermarmi sugli attori. Così sottili, attenti, espressivi, in una parola perfetti. Mi riferisco in modo articolare a Ian Richardson, che è il sottile ambiguo perverso e incantevole primo ministro e alla bionda sua partner che, in quanto a finezza recitativa, non gli è da meno. Senza far torto a tutti gli altri. Una serie che ci riconcilia con il cinema e con la tv e che, dall’alto dei suoi vent’anni di età, resta una lezione esemplare e irrepetibile. 


TERZA STAGIONE - ATTO FINALE 

(SPOILER!)

Tanto entusiasta delle prime due stagioni della serie BBC quanto deluso da questa terza ed ultima. Intendiamoci bene. L’intrigo è sempre avvincente, anzi stavolta si fa più eminentemente politico e, trascurate gli indugi sulla vita sentimental-erotica dell’impagabile Urquhart, prende in considerazione la dura lotta di successione fra leaders per altro coinvolti in un complesso affare di stato: un accordo truffaldino per la composizione di un trattato fra le due frazioni cipriote, con il losco retroscena di un affare di sfruttamento petrolifero e il finale con un cecchino appostato che risolve il tutto. Segue un serie di tradimenti a catena, di giochi sporchi a base di ricatti, di voltafaccia politici e il “final cut” con un attentato preparato e l’uccisione del nostro protagonista. 
Vicenda a parte si ha la netta comprovata sensazione che vi sia stata una feroce riduzione di budget e una sorta di disinvolto sfruttamento finale di una serie che aveva raggiunto i più alti livelli per due stagioni consecutive. Le location sono estremamente ridotte, le cosiddette “scene di massa” sono gestite con il minimo di mezzi, il fine gioco delle riprese e delle curatissime immagini ridotto a una serie fitta d’incontri verbali dove il classico impiego televisivo dei piani ravvicinati, campo-controcampo, ha la meglio. Gli stessi “a solo” del protagonista rivolto alla macchina da presa, che erano stati una delle trovate principe, diventano pleonastici dichiarazioni usate più come raccordi narrativi che come commenti di sapore satirico, oltre tutto colte mentre il protagonista si trova in gruppo e quindi depauperate nel loro significato di furbeschi ammiccamenti riservati allo spettatore. Molto meno umorismo, molto meno fantasia, pleonastiche scene di sesso, francamente goffe, fra due attempatelli ben portanti. 
Giocano inoltre a sfavore della storia la mancanza di un valido e aggressivo personaggio femminile, presente nelle prime due serie, non suffragato stavolta dai personaggi della moglie di Urquhart e della segretaria-amante del rivale, entrambe decisamente meno intriganti delle precedenti. Fotografia, interpreti, location tutto al risparmio. Ian Richardon si agita in un semideserto di validi comprimari che siano in grado di fargli fronte.
Peccato, la bella storia è decisamente buttata via o portata avanti al solo intento speculativo di occupare un’altra stagione. Non ce l’aspettavamo dalla BBC.  

BREAKOUT KINGS

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Sono a metà della prima stagione (2011-12). Dopo il pilot, che dovrebbe fornire la chiave ma che costituisce un avvio un po’ pasticciato, la serie prende quota. “Breakout kings”: la trovata è originale. Una pattuglia formata da esperti in evasione, perché evasi o ex-evasi a loro volta, forma una squadra a servizio della polizia per catturare, grazie alla loro esperienza diretta, gli evasi pericolosi, il tutto in cambio del trasferimento in un carcere di minima sicurezza e della sottrazione di un mese di detenzione per ogni fuggitivo riacciuffato; naturalmente in caso di fuga l’accordo salta. Ogni membro del gruppo ha poi la sua specializzazione ed un ruolo ben predefinito. Ma a scanso di equivoci un cartello in sovrimpressione, ad ogni fine puntata, avverte prudenzialmente lo spettatore: guardate che è una “balla”, un artificio narrativo, squadre così non esistono né possono esistere.

Pretesto a parte, dopo il rituale pilot, ogni episodio sviluppa sostanzialmente il “caso” della cattura di un evaso, tracciandone la fuga e la storia e mettendo in secondo piano lo sviluppo – non invadente, per fortuna - delle storie personali dei singolari cacciatori. E la serie finisce per diventare né più né meno che un poliziesco ben costruito, di produzione americana e girato in Canada, un “crime drama”. 

Sappiamo che la serie si è interrotta dopo la seconda stagione e complessivi 23 episodi. Basandoci su quelli visti sin ora il giudizio è moderatamente positivo, sempre all’interno del “genere” e senza pretese di eccessiva novità.

STRANGER THINGS

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Dopo sgradevoli vicissitudini personali che ne hanno spezzato la carriera e alcune successive deludenti prove, torna al lavoro Winona Rider, singolare attrice più volte candidata agli Oscar e di cui ricordiamo memorabili interpretazioni, dagli esordi da adolescente alle indimenticabili presenze in “Edward mani di forbice” (1990, “La seduzione del male” (1996), ecc. Logorata dagli anni ma più dagli infortuni è il fiore all’occhiello di questa breve serie in otto episodi che affronta le avventure, fra metapsichiche e fantascientifiche, di una bambina scampata alle torture della solita CIA o cricca similare, cioè ad una congrega consacrata a compiere spericolati esperimenti per allargare gli orizzonti mentali dei fanciulli che producono la proliferazione di fenomeni abnormi, collocati in un’altra dimensione del mondo reale, cioè in un "sottosopra" popolato da mostruose creature. 

Autentici protagonisti della serie un gruppo di bambini – sul tipo di quelli che salvano E.T. - intenti a strappare la piccola sopravissuta alle grinfie dei cattivi. Cattivi violenti e spregiudicati, veri e propri mostri tipo “Alien” e una bambina che ha sviluppato strani poteri di cui è padrona e schiava, il tutto nel clima di paranoia degli anni della guerra fredda, con i suoi laboratori segreti e le sue recinzioni.

Creata da due giovani fratelli, Matt e Ross Duffer, la serie attinge a piene mani a quanto il cinema ha prodotto nel genere ed è debitrice delle atmosfere e degli incubi di Stephen King ma anche ai film di John Carpenter, Steven Spielberg, Gorge Lucas, Rob Reiner. Non per nulla è stata definita dagli stessi autori come “una lettera d’amore ai classici degli anni ottanta che hanno affascinato una generazione». A questi classici la serie è debitrice ma è anche cucinata secondo le odierne formule dei serial tv che ad una logica narrativa di tipo consequenziale hanno sostituito una costruzione parcellizzata, per frammenti narrativi, in grado di distribuire i plot lungo l’arco di un episodio e poi dell’intera storia, senza la necessità cogente che i conti tornino sempre, ammettendo nel racconto ambiguità e anomalie. 

Brillante la scelta dei tre ragazzini che formano il gruppetto e degli altri interpreti fra cui spicca la stupefacente Millie Bobby Brown, due occhi non facili da dimenticare.