SHIMMER LAKE

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C’è un giochetto adottato da qualche sequenza comica o da qualche comunicato commerciale: come se la proiezione girasse alla rovescia le azioni vanno a ritroso, dalla conclusione alla partenza. Oren Uziel, regista-autore di questo singolare “Shimmer Lake” (2017) eleva il giochetto divertente alla dignità di formula narrativa.
Il film è diviso a blocchi temporali: si va dal più recente al più remoto. Sbigottiti da una porzione di storia di cui non capiamo il senso né individuiamo i personaggi, recuperiamo poi il momento procedente e così, per blocchi successivi, risaliamo sino al primo. E nel gioco assistiamo a una continua rivoluzione dei personaggi e dei “valori” che ci appaiono in continua trasformazione. 
Tutto bello, se il gioco non scoprisse un po’ la corda e creasse qualche motivo, forse involontario, di confusione. Navighiamo senza bussola, in un continuo rovesciamento delle responsabilità, sino a scoprire che il più “positivo” dei personaggi tanto positivo non è. Un espediente? O semplicemente un modo furbo per accreditare come singolare un film che, quanto a regia, costruzione della storia, attori e personaggi, non fa certo gridare al miracolo!

RED RIDING TRILOGY

  

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Una serie antologica del 2009, tratta dai romanzi dello scrittore inglese David Peace. Mi correggo: non una serie ma una “trilogia”, definizione alquanto bislacca per tre film che hanno in comune i personaggi e la sigla Yorkshire che individua una regione a nord dell’Inghilterra particolarmente grigia e triste con atmosfere cupe e talora inquietanti e, a quanto pare, caratterizzata dall’estrema corruzione in seno alle forze di polizia. Tre film, personaggi che si rimandano dal 1974 al 1983, tre registi diversi e stili quasi opposti. 

Si comincia con la sofisticatissima storia del giovane giornalista che ingenuamente cerca di “far luce” quando tutti i poteri, polizieschi ed economici, vogliono che sia fatto buio. Naturalmente non può che finir male per il giornalista. 

A far luce ci riprova, nel secondo film, un Commissario spedito in piena giungla: stavolta lo stile è meno pretenzioso e la vicenda non è dissimile da quella di un qualunque thriller. Stessa fine del giornalista per il Commissario onesto e sprovveduto. 

Il terzo film ci spiazza veramente: è una sorta di versione riveduta e corretta dei primi due, con rimandi alle storie e ai personaggi. Stessa negativa conclusione. 

A parte le raffinatezze formali, qua e là più o meno accentuate, si tratta in fondo, riguardo alle atmosfere deprimenti e ai “finali” decisamente negativi, di tre “noir made in UK”. Un’esperienza singolare: tre romanzi trascritti con gli stessi interpreti ma con stili e declinazioni molto differenti fra loro. Al primo la palma di una ricerca di cinema più raffinata o se si vuole sofisticata.

PREGA FINCHE' PIOVA

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In regime di siccità consoliamoci con questo film che parla di siccità ma non solo, perché la siccità che rende interi lembi della California piatte distese di grigio è dovuta a qualcuno che impedisce, con false motivazioni ecologiste, l’arrivo di canalizzazioni che in parte almeno risolverebbero il problema. Chi scopre tutto è una giovane giornalista che, dopo una lunga assenza, si riconcilia con la sua terra a cui ha fatto momentaneo ritorno per la morte violenta del proprio genitore. 

Tutto abbastanza prevedibile, compreso il parziale lieto fine e la riappropriazione delle terre riarse restituite alla naturale missione agricola. La visione di queste brulle sconfinate pianure, aride quasi spente, è il lato più suggestivo del film del quale è difficile dir male come pure farne gli elogi. Annabelle Stephenson, la protagonista, sgrana i suoi occhioni un po’ ipertiroidei alla ricerca di una carica drammatica raggiunta a suon di lacrime.

OZARK

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Le serie tv – sia straniere che nostrane - amano le location un po’ particolari, un’isola, una comunità di provincia, una terra isolata, i margini di una scogliera, i ponti e così via. Non è tanto – o non solo – per comodità ma anche per disporre di una situazione logistica d’effetto, meno generica di vie di città ormai tutte analoghe perchè omologate.
Da Chicago, Marty e famiglia si spostano sulle rive di un lago che dà il titolo alla serie, Ozark, in un villaggio vacanze in Missouri. Là Marty ha un compito particolare: riuscire a “ripulire” una grossa somma di denari di cui è debitore a un grosso boss – tanto per cambiare – del cartelli della droga messicani. E Marty ci riuscirà – o forse no - al termine di dieci puntate della prima serie, mettendo in campo tutti gli espedienti di un provetto finanziere e collocatore di denari. Il paese – che tanto pacifico non è – ne riuscirà sconvolto. 
La serie – stando a questa prima stagione – non è affatto male, forse qualche volta un po’ difficile da capire nei suoi risvolti finanziari, ma sufficientemente ricca di personaggi e situazioni. Da notare la presenza di una Laura Linney un po’ ammaccata. E’ in arrivo la seconda Stagione in 10 episodi.

VITE SOSPESE

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Ai miei tempi i film erano delle meteore, occorreva coglierli al loro passaggio, nel giro di pochi mesi, e poi sparivano nei meandri della memoria per chi aveva avuto la fortuna di acchiapparli in un locale di prima seconda o terza visione, quelli che a Roma si chiamano i “pidocchietti”. Oggi no, le televisioni e i DVD ci permettono di compiere ricognizioni dirette e a distanza di anni. 

Venticinque dalla comparsa di un film come “Vite sospese”, un singolare film che potremmo definire di spionaggio, attorno a una pagina di storia. Il nazismo e gli ebrei. Curioso film? Direi un filmone, con ricostruzioni attente quanto grandiose, in anni in cui le scenografie e il numero delle comparse non potevano essere adulterati dal computer. Con un gruppo di attori di prim’ordine, da Melanie Griffith, un’attrice troppo presto scomparsa dalla vita artistica attiva, a Michael Douglas, e c’è persino John Gielgud, il mito shakespeariono, in una parte minore. E pensare che nel 1992 “Vite sospese” si accaparrò tutti i “Razzie Awards” come peggior film dell’anno. 

Si fanno più film di questo tipo? Sceneggiature ben calibrate, storie avvincenti, contesto storico attentamente ricostruito, attenta regia e anche un pizzico di umorismo con cui il personaggio principale modula il suo personaggio. Forse sì. Ma guarda un po’, in questo momento non me ne viene in mente nemmeno uno!

MARY ANTONIETTE

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Ho abbordato questo film con un po’ di timore: come avrebbe condito la giovane italo-americana, infanta del patriarca dei cinepadrini, la vicenda risaputissima della grande vittima del Terrore nonché uno dei personaggi più intriganti nell’epopea della Rivoluzione francese? Sua la sceneggiatura – dell’infanta voglio dire - ma appoggiata sul libro dell’ottima storica inglese Antonia Fraser. 

E invece niente paura: l’approdo della giovanissima austriaca fra le tassative regole e il rigorosissimo cerimoniale della corte più collaudata d’Europa viene narrata con dovizia di mezzi ma anche con inappuntabile suggestiva precisione. Belle le ambientazioni nelle quali Versailles la fa da padrone, altrettanto belli i costumi firmati da Milena Canonero, una delle poche, se non l’unica costumista, a saper abbinare correttezza storica, ingegno e un pizzico di fantasia. Sequenze di cerimoniale che talora ricordano - ma in una versione “alla grande” - la meticolosità dei cerimoniali eternati da Rossellini nel suo primo telefilm francese. Un mondo rutilante quanto oppressivo si muove attorno alla gentile fanciulla ben interpretata da Kirsten Dunst, reduce dalle avventure dell’Uomo Ragno. 

Ma proprio mentre ci dichiariamo disponibili e ricrederci sulle virtù registiche di Sofia, il film perde quota. Attorno alla gentile protagonista non prende vita nessun personaggio rimarcabile, forse eccezion fatta - ma in senso negativo - per la prestazione di Asia Argento nei panni della Du Barry, qui ridotta a una passeggiatrice da raccordo anulare. Le altre figurine, dal marito impotente alle dame di compagnia, al bello e insipido amante, svaniscono nel generico e anche la vita della stessa protagonista sfuma nel nulla. Quanto magniloquenti e sontuose sono le grandi scene della vita di palazzo, tanto spenti e semplicemente accennati sono gli spazi lasciati per la vicenda rivoluzionaria, volutamente tagliata fuori come un “dopo” troppo risaputo. Una scelta coraggiosa se anche la parte narrata non fosse, già per suo conto, scivolata nel generico.

E allora Dieci con lode ai doviziosi produttori - sponsorizzati da papà Coppola -, dieci con lode ai costumi di Milena Canonero premiati giustamente con un Oscar. Per il resto, Sofia rimandata a ottobre.

GLEASON

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Entertainer di cabaret e inventore o quasi del genere televisivo della sit-com, Jackie Gleason da noi in Italia è scarsamente famoso e ancor più scarsamente conosciuto. L’unico ricordo è legato alla sua prestazione nel film “Lo spaccone” (1961) con Paul Newman, a cui fecero seguito una dozzina di altri film. In America no, Gleason è un mito, uno dei miti di media o cospicua grandezza creati dalla tv. I

nevitabile quindi che la tv gli tributasse il doveroso omaggio attraverso l’immancabile telebiografia o biopic che dir si voglia. “Gleason” (2002) ha un inizio non particolarmente originale che poi si ricongiunge al finale: una sorta di confessione dell’anziano entertainer dà il via alla ricognizione biografica. Come spesso avviene in questi casi, la parte più seducente è quella legata all’infanzia del personaggio, con quel bambino grassottello sballottato fra una madre responsabile quanto apprensiva e un padre irresponsabile quanto vittima dell’alcool, l’incontro con la seduzione del music-hall, la scoperta del teatro. Più pasticciato il film-tv nel raccontarne la successiva scalata anche perché le sue esternazioni da uomo di cabaret, nel doppiaggio nostrano, non danno conto dell’attrattiva esercitata sul suo pubblico all’epoca. Amore, vita di famiglia, cammino un po’ scriteriato fra conquiste e occasioni perdute.

Che dire di più? Che il protagonista mostra una straordinaria somiglianza con l’originale e se la cava egregiamente e che la biografia scorre senza difetti e senza entusiasmarci. Ma le rievocazioni nostrane di eventi e personaggi televisivi del recente passato o addirittura del presente riescono a fare assai di peggio.

SEQUESTRO

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Un bambino ferito e smarrito che cammina solitario lungo una via di campagna viene raccolto da una macchina di passaggio e condotto in ospedale. Non parla, è completamente atono. Individuata la madre, un’avvocatessa di successo, questa rivela agli inquirenti che suo figlio è sordomuto dalla nascita. Ma chi ha tentato di rapirlo all’ingresso della sua scuola? Il bimbo aiuta a ricostruirne l’identikit e nell’archivio delle foto individua il suo rapitore, un pregiudicato che vive d’espedienti. Dunque tutto risolto? E invece no, perché l’avventura incomincia solo ora. 

Ma perchè raccontare oltre di questo film spagnolo che Netflix propone con i soli sottotitoli italiani? Il seguito è imprevedibile. Sulla mendace indicazione del bambino, inventata per nascondere uno squallido caso di bullismo, il “cattivo” della situazione monta una truffa estremamente elaborata di cui sino al finale non conosceremo la soluzione. Ma non vi aspettate un film dalle tensioni esasperate e dalle suggestioni spettacolari, un misto fra il thriller e il film d’azione all’americana!

Il film ha la sua forza proprio puntando su una narrazione distesa, con un interesse e una tensione che nascono dalle cose e non da artifici di sceneggiatura. Rigoroso e fluido nelle riprese, puntuale e attento nella scelta e nella resa degli interpreti, “Boy Missing” è la riprova di come si possa far cinema, e buon cinema, senza bisogno di ricorrere a soluzioni già preconfezionate in partenza. E senza ricorrere agli espedienti del thriller o alle stampelle del divismo, sia pure casereccio, come da noi in Italia. Film di genere? Buon cinema innanzi tutto!

THE WHISTLEBLOWER

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Quando vedo la scritta “tratto da una storia vera” precedere un film rimango sempre un po’ perplesso: cosa significa? Che il film intende essere “verosimile” rinunciando a trasferire nelle tassative regole del racconto un momento della realtà? Oppure che la vicenda trae spunto da un fatto realmente accaduto? O che il film vuol rispecchiare nei modi, nei luoghi e nei personaggi una vicenda reale, diventando quasi il suo “doppio cinematografico”? Discorsi complessi che ci porterebbero molto lontano. 

“Whistleblower” – cioè il “soffiatore di fischietto”, colui che denuncia pubblicamente trame che debbono rimanere coperte - segue l’ultima delle tre ipotesi di lavoro: è per metà la storia di una serie di violenze perpetrate ai danni di giovanissime ragazze bosniache, una vera e proprio tratta delle schiave, descritta a iosa con un’insistita serie di brutalità e sevizie iterate più del necessario, e per metà l’avventura della poliziotta americana giunta in Serbia ed Erzegovina con un incarico che dovrebbe servirle a risolvere alcune esigenze finanziarie ma che, impegnata a ricostruire certi fatti, scopre come nel traffico di esseri umani e nello sfruttamento della prostituzione, anche minorile, siano pesantemente coinvolti come aguzzini gli stessi membri delle forze di pace dell'ONU, portando in luce pericolose connivenze che avrebbero dovuto restare accuratamente coperte. 

Diretto da Larysa Kondracki, questo film del 2010 tenta di farsi “specchio” di una “storia vera” – la vicenda di Kathryn Bolkovac - utilizzando i luoghi dove si è svolto il fatto e più ancora attraverso l’uso di una fotografia contrastata, brutale, che vorrebbe simulare una “presa diretta” ma che fa l’occhiolino allo spettatore avvertito. Intento nobile nonché un po’ indigesto – in Italia il film non è stato distribuito sul grande schermo -, ma l’eccesso programmatico di insistita violenza nuoce in realtà proprio al realismo del film e alla sua compattezza. 

Interpretazione incisiva da parte della brava Rachel Weisz, pleonastiche le presenze di Vanessa Redgrave e di Monica Bellucci

TESS

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Ultimo dei grandi romanzi inglesi dell’ottocento “Tess dei D’Ubervilles“ di Thomas Hardy racconta una storia non troppo dissimile da quella dei grandi romanzi coevi. La povera Tess raggiunge la casa signorile di quelli che si illude possano essere suoi lontani parenti, sedotta, vittima di violenza mette al mondo un bimbo che muore prematuramente, poi una vita sofferta nella povertà con quella dignità di fanciulla solitaria che le vicissitudini della vita non riescono a incrinare. L’amore, gli sponsali, la rivelazione del suo passato all’uomo che ama. L’abbandono da parte del consorte, la ricaduta nella più dolorosa povertà, poi la resa al seduttore che tardivamente la riaccoglie, e ancora: il ritorno dell’amato, il delitto, l’espiazione. Il caso e la società sembra cospirare contro la ragazza, che si trova a dover lottare per vivere. Quante vicende, tante da riempirne un lungo libro o un ancor più lungo sceneggiato. 

Roman Polanski non rappresenta i fatti, non li ricostruisce ma si limita a narrarli, uno dopo l’altro come in un severo resoconto contabile, ritagliando le vicende della sua eroina sullo sfondo costante del paesaggio inglese, accostando situazione dopo situazione, pagina dopo pagina, ma saltando o meglio ignorandone i raccordi e i passaggi, e inoltre saltando la rappresentazione diretta di delitti e conflitti drammatici, cioè di tutti quei momenti che uno sceneggiatore solerte e di routine sarebbe andato a ricercare ed evidenziare. Insomma il cammino contrario a quello che avrebbe seguito – o che spesso ha seguito – il trascrittore cinematografico di un corposo romanzo. Vicende e sentimenti vengono trascritte in modo quasi asettico e le pagine si sommano alle pagine senza soluzione di continuità. Un modo peculiare di respingere le tentazioni del dramma e della psicologia, a favore della pittura delle situazioni. 
Il film è assolutamente singolare, da vedere e rivedere, e nella ricca e composita filmografia dell’autore rappresenta un fatto a sé: un racconto volutamente privo di passionalità che, forse proprio per questo, scatena una sua intensa suggestione. Un ricco paesaggio umano e geografico, descritto con cura maniacale, quasi definito dalle figure e figurine che lo costellano, ma senza che queste si trasformino in personaggi autonomi. Una giovanissima Natashia Kinsky incarna il personaggio drammatico della protagonista, ma il regista si limita a registrare il muto alterno trascorrere delle nubi sul suo casto volto. 
Il film, scandito dal trascorrere delle stagioni e dalla descrizione attenta del duro lavoro dei campi – questo sì meticolosamente descritto - inizia con un lieto tramonto – quella danza di fanciulle biancovestite – e culmina con un’alba: l’assassina per amore che si allontana fra due militari a cavallo, con il marito a fianco verso il suo destino di morte.

I DON'T FEEL AT HOME IN THIS WORLD ANYMORE

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Anche senza leggere le sigle – a proposito vi siete accorti che ora ogni film è preceduto da almeno tre sigle ? – ci si accorge subito che certi film hanno un’aura di freschezza e di improvvisazione, magari un po’ approssimata, che le grosse produzioni di serie A non hanno. Ai film cosiddetti indipendenti è consentito non dico sperimentare ma almeno saggiare volti nuovi, trovare ambiti diversi, raccontare in maniera più distesa, ricca di svolte non necessarie, prendersi pause e respiri. 

E il caso di questo film fresco di giornata (2017), dal titolo chilometrico che narra di Ruth, assistente infermiera un po’ depressa, ragazza solitaria, trasandata solitaria e zitella in ispirito che vive sola nutrendosi di romanzi fantasy e birra, che reagisce a un furto casalingo trovando un’impensabile solidarietà nel giovane vicino di casa, proprio l’individuo che le infesta i pochi metri di giardino con le cacche del suo cane. 

Opera prima dell’attore Macon Blair - che lo ha anche scritto - il film alterna toni da black comedy ad altri un po’ paradossali , un po’ thriller e un po’ commedia. Attori giovani e competenti e comprimari bravi e anche simpatici,. Il budget basso evidentemente aiuta a far camminare la fantasia, e non solo negli USA. 

Ma ci vogliono anche idee e “saperci fare”. Come in questo caso.

IL CASO O.J. SIMPSON: AMERICAN CRIME STORY

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A me, amante delle grandi storie che sfidano il passato, sia remoto che prossimo, fa un po’ rabbia constatare come la fiction televisiva, da qualche anno a questa parte, da noi come nel resto del mondo, prediliga il presente, le storie della cronaca, sia pure rabberciate ed edulcorate per farle diventare favola. Ma tant’è, ormai i telespettatori sembrano gradirle. Da noi in Italia questa come altre tendenze diventano stucchevoli e la cronaca viene filtrata attraverso gli occhiali rosa della stampa gossip o attraverso quelli verdi o abbrunati di un sociologismo a buon mercato. Non faccio citazioni, sarebbe troppo facile. 

Ecco perché sono rimasto colpito favorevolmente, nonostante sia prevenuto, da questa serie dedicata al “caso O.J,Simpson”, prevista in dieci puntate, prima di un ciclo dedicato all’ “American Crime Story”. Intanto sceneggiatura magistrale, la cronaca – che peraltro conoscevo solo a grandi linee, molto genericamente – viene non scimmiottata in un tentativo di sommaria trascrizione ma trasferita in un articolato “romanzo”. In particolare nella storia di un complesso gioco giudiziario, una rappresentazione piuttosto brutale di come si amministra la giustizia negli USA. Cui fa seguito un’accurata realizzazione, veloce e moderna ma senza eccedere in effetti e “bellurie” non giustificate. 

E che dire degli attori? Da Cuba Cooding jr., protagonista non onnipresente ma efficace e indispensabile, a John Travolta che cesella il personaggio dell’avvocato, abile quanto cialtrone, a tutti gli altri. Insomma una impagabile lezione di tv.

BITTERSWEET LIFE

 

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Evocare Shakespeare o la tragedia greca per questo dramma cinematografico made in Corea del Sud, certo quanto di più lontano ci sia da un semplice film d’azione anche se il potenziale bellico che vi viene impiegato è rilevante. Sarebbe piaciuta a Sergio Leone l’avventura solitaria di questo vendicatore, ma qui narrata senza il menomo ricorso all’humour che caratterizzava l’inventore del “western italiano”.

Ma andiamo per ordine, Sun-woo, manager di un lussuoso albergo, è il braccio destro del boss malavitoso Kang, un giovane scherano fedelissimo agli ordini di un bieco e brutale magnate che si fida così tanto di lui da imporgli un incarico di fiducia: sorvegliare la sua giovanissima amante, sospettata di tradirlo, durante i tre giorni della sua assenza. Tizio prende contatto con la fanciulla, che è una suonatrice di violoncello, esegue il suo compito di sorveglianza, ne scopre un amoretto, informa il principale e viene dal lui incaricato di fare giustizia. Ma non la fa, trasgredendo così all'ordine del suo boss e per questa disobbedienza dovrà pagare con la vita. Per la sua imperdonabile disobbedienza i “bravi” del capo lo riducono in fin di vita e lo seppelliscono vivo. Dalla bara di fango Tizio risusciterà trasformandosi in un angelo vendicatore. 

Di qui la carneficina, impartita con tecniche aggiornatissime, a base di pistole e mitragliatori, ma con spirito antico, come un assurdo rito purificatorio. La violenta carneficina a base di mitra, distruzioni e morti a catena assume i contorni del rito alla samurai e mi ricorda la sacralità della terribile vendetta impartita dal patriarca nella “Fontana della vergine” di Ingmar Bergman. Questa aura antica, questo eccidio è appunto da tragedia greca. 

Un film singolare, diretto dal sudcoreano Kim Jee-woon e arricchito dalla prestazione del giovane Lee Bieyong-Heon, girato con un cura quasi eccessiva, scandito fra moderne architetture ortogonali, ma legato e un costume barbaro che è di difficile comprensione, un po’ cedevole di fronte a qualche belluria non strettamente necessaria o forse un po’ estranea al modo di sentire del pubblico nostrano, come il finale un po’ a matrioska, “A Bittersweet Life” è un inno alla magnificenza estetica del cinema di Kim Jee-woon.

AMORE, CUCINA E CURRY

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Sfornato dalla sapiente cucina di Steven Spielberg, questo “Amore, cucina e curry” (2014) parla d’integrazione, di profughi indiani, di cucina molecolare, di stelle Michelin e d’amore. 

Un piccolo film firmato dalla sapiente regia di Lasse Hallstrom, che racconta con garbo una piccola storia: una famiglia di ristoratori indiani emigra in Francia e approda, pronubi i freni della loro macchina che inaspettatamente vanno in tilt, in un certo paese, dove il patriarca ha la buona-cattiva idea d’impiantare il proprio ristorante etnico proprio di fronte al locale raffinato gestito da una zitella gelosa della propria stella Michelin. Ma il giovane rampollo indiano è un prodigio ai fornelli e la stessa cocciuta antagonista - che poi sarebbe Helen Mirren – dopo aver tentato d’umiliarlo, dovrà riconoscere la sua bravura e lo arruolerà per lanciarlo nel mondo dell’alta gastronomia. Il giovane va a Parigi, sfonda nel mondo della cucina molecolare, fatta di inganni e non solo gastronomici, poi ci ripensa, torna al paesello per ritrovare l’amore, le soddisfazioni, una famiglia affettuosa e una cucina senza trucchi. Grande “embrassons nous” e finale in gloria. 

A volte scontato e prevedibile, a volte ingenuo, il filmetto va avanti spedito e si va vedere con amabilità. Un po’ buonista e alquanto improbabile è una fiaba culinaria ben costruita e diretta, adatta alle famiglie. La Mirren fa quanto le suggerisce il copione ed è più che in grado di cavarsela con classe. Tutti simpatici gli altri interpreti, e ogni ingrediente è usato correttamente, come si addice a una cucina ben avviata.

IMPERIUM

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Harry Potter contro i neonazisti.

Daniel Radcliffe, alla seconda o terza sortita da adulto fuori dal personaggio Harry Potter che lo ha tenuto impegnato sin dalla più tenera infanzia, è un giovane agente dell’antiterrorismo della FBI, un po’ ridicolizzato da quel fisico gracile e dai grandi occhialoni da vista. Sino a quando un’agente scaltra e dall’occhio lungo (Toni Collette) lo introduce come infiltrato nel mondo dell’estrema destra fascista, razzista e neonazista. 

Un mondo che, stando alla rappresentazione che ne fa in questo “Imperium” il regista Daniel Ragussis, qui alla sua opera prima, è vasto e differenziato, dagli estremisti ai movimenti razzisti tipo Ku Klux Klan, agli illusi in relativa buona fede, ai facinorosi di ogni risma. E Daniel, trasformandosi quanto basta, riesce a penetrare in quel mondo esplorandone la fauna, le diverse cellule terroristiche, ed entrando addirittura in contatto con il capo carismatico, paladino nei medium di una nuova America che, alla fine, si rivelerà solo un cialtrone mettendo in crisi la credibilità dell’agente. Ma Harry Potter non si arrende e alla fine si riscatterà sventando un micidiale attentato e impedendo l’esplosione di un micidiale ordigno, salva così un’innocua famigliola e provoca l’arresto dei principali responsabili. Tutto bene quindi e il piccolo eroe può tornare alla sua scrivania fra gli applausi dei commilitoni.
Il film, ispirato alle memorie dell’agente FBI Michael German, che trascorse venti mesi tra il 1992 e il 1993 sotto copertura in un gruppo di neonazisti, ci immerge in un mondo inesplorato,di cui ci fa conoscere le varie facce, gli illusi in buona fede, i facinorosi, i nostalgici, i delinquenti, i cialtroni. Una disamina accurata che s’intreccia a un racconto saldo, “teso, coinvolgente ed inquietante”, come lo ha definito il “Los Angeles Times”. 

Ci resta il dubbio – per nostra personale ignoranza - su quali siano o siano state le concrete dimensioni del fenomeno, che qui ci appare sovrastimato, tanto da rivaleggiare con il terrorismo islamista. Quanto a Daniel Ratcliffe, in un ruolo difficile quanto impervio, se la cava in modo egregio.

IL DIVO

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Sono incappato nel più brutto film visto da molti anni a questa parte, “Il divo”.
Una lunga passerella pseudopolitica per quegli attenti lettori di quotidiani che da un titolo sanno risalire a dei fatti che qui non vengono raccontati ma solo brevemente illustrati da lambiccate inquadrature pletoriche e pretenziosamente “artistiche”. 

Fra tanti volti di politici siglati da apposite didascalie, degni di figurare in un “album Panini”, si aggira, mummia vivente, una squallida imitazione del compianto Oreste Lionello, già arguto imitatore di Andreotti. La nuova performance di Toni Servillo non raggiunge gli scarsi e deprecabili livelli dell’attuale Bagaglino. 

La chiave polemica di tutto il film è validamente riassunta nei tre minuti nei quali uno uno Scalari, interpretato – stavolta validamente - dal bravo Giulio Borsetti, intervista Andreotti sulle eccessive casuali coincidenze della sua storia politica. Quei pochi minuti sono un valido “cortometraggio” che rendono superfluo ed ermetico il lungo logorroico trascinarsi di inquadrature cupe, notturne, funeree, che forse aspirerebbero al grottesco, nelle quali si aggira la macchietta-mummia-mostro del sedicente Andreotti.
C’è poi uno sbaglio di fondo: il “cattivo” non deve essere necessariamente “brutto”. Il cosiddetto potere “diabolico” di Andreotti non risiede certo – o meglio risiedeva - in una diabolico orripilanza fisico-psicologica ma, al contrario, in un mellifluo potere di seduzione. Chi l’ha detto che il pifferaio di Hamelin deve essere un mostro? Chi ha accostato almeno uno volta il senatore sa quanto l’uomo potesse essere “ammaliatore”: forse in questo risiedeva la sua pericolosità. 

Dunque un film, brutto, sbagliato, insopportabile, noioso, inutile, politicamente sbagliato quanto “politically correct”. Consigliamo a Sorrentino una cura intensiva di Oliver Stone, o qualche endovena di Francesco Rosi. Cura da estendersi all’inclita critica. 

P.S. Rileggo questa mia minirecensione scritta di getto nel lontano 2008, dopo aver visto "Il divo" e prima che Sorrentino divenisse uno dei padri della patria. Non volli e non voglio infierire occupandomi dei successivi "capolavori", ma come diceva quel tale film attendo che un bambino innocente, passando dalle sue parte, possa ammettere “Il re è nudo!!!”

PREMONITION

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Il vasto carniere di Netflix mi consente il recupero di un film del 2007, che in realtà sembra più un episodio del vecchio “Ai confini della realtà” o del nuovo “Black Mirror”. Ma come si diceva una volta, “i maiali sono stati messi all’ingrasso”, in altre parole uno spunto in grado di sostenere i soliti quaranta minuti è stato dilatato per raggiungere impunemente l’entità e la solidità di un normale lungometraggio.

Lo spunto è costituito da una serie di premonizioni che cadono sulla testa di un gentile madre di famiglia, con marito e due figliolette a carico affettivo. Un lugubre sceriffo viene ad annunciare alla donna la morte del marito a seguito di un pauroso incidente stradale. Disperazione. Ma al successivo risveglio mattutino la donna trova che suo marito è vivo e vegeto. Successivo risveglio mattutino e ci troviamo in piena veglia funebre. E così via, avanti e indietro fra previsione della realtà e realtà effettuale (ma quali delle due realtà è veramente ... reale?) finché i fili s’intrecciano e la donna si trova ad essere partecipe o forse causa della sciagura. 

Il film si regge tutto sulla carica “presenzialista” di Sandra Bullock che si è fatta scrivere un film su misura dove giocare la sua carica drammatica. Brava e carismatica senza dubbio, anche se rischia di voler fare ad ogni costo l’asso piglia tutto riducendo a zero o quasi i comprimari. Ridotto a 45 minuti il film sarebbe perfetto, ma allora avremmo avuto solo un episodio per una delle serie di cui si è detto.

FAUDA

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Il panorama delle produzioni seriali sta ampliando l’orizzonte produttivo più di quanto abbia fatto il cinema. E in questo la filosofia di Netflix sta ottenendo notevoli risultati. Valgano per tutti le serie di fabbricazione brasiliana di “Narcos” che, oltre a rivelare attori autoctoni, hanno introdotto e promosso un nuovo modo di narrare, ispirato alla realtà ma non ridotto tout court a “storiella” secondo le regole dell’affabulazione tv. Ma è anche il caso di realizzazioni made in Israele che non a caso, come “Homeland”, “Hostages” e altri, sono state puntualmente “rifatte” dalla tv statunitense. 

Ed ora questo “Fauda” – il termine arabo significa caos - che dei purtroppo incombenti e onnipresenti conflitti israelo-palestinesi fa materia di severo, allucinante racconto televisivo. Ed è un racconto concitato, aspro, violento, con personaggi inediti e attori antidivi per eccellenza. Gli uomini delle squadre speciali del Mossad e i terroristi arabi di Hamas si confondono in modo quasi indistinguibile per l’odio reciproco e la mancanza di scrupoli che entrambi condividono e per le azioni violente quanto immotivate che in fondo si assomigliano: valgano a macabra esempio l’eccidio perpetrato durante il matrimonio arabo e le successiva rappresaglia terroristica messa in atto dalla moglie della vittima. 

La serie mette sotto accusa con severità entrambi i fronti. Altro suo merito innegabile è il realismo delle location e degli ambienti, promosso anche dall’uso frequente della lingua araba. Insomma le serie tv ci aiutano ogni giorno di più a prendere le distanze da un vecchio standard romanzesco quanto retorico di narrare in generale l’azione e in particolare i conflitti etnici, un tempo con attori “ariani” truccati da asiatici, indiani o altro, ed oggi mettendo a frutto - ahimè! - il terribile insegnamento della cronaca. Che è sempre meno “cinematografica” ed entusiasmante. Non uso il termine “realismo” perché una rappresentazione cinematografica o televisiva è sempre “racconto”, quindi “mediazione”.

L'UOMO NELL'OMBRA

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Scrittore Fantasma, in inglese “Ghost writer”, che il distributore italiano traduce nel più equivoco “L’uomo nell’ombra” (2010). Traendo materia da un romanzo di Robert Harris, Polanski si riaccosta in certo senso a quell’atmosfera di conturbante e indefinibile mistero che era al centro del suo film più fortunato, “Rosemary’s baby”. Un giovane ma già esperto “scrittore fantasma” viene incaricato di redigere la biografia di Adam Lang, navigato uomo politico. Si accosta al suo lavoro con la curiosità dello zelante ricercatore ma scopre via via strani indizi che sembrano condurlo verso la scoperta di un verità scomoda. Verità che, in definitiva, gli verrà impedito di rivelare, come avviene per il novanta per cento delle verità scomode. 

La pellicola cammina sulle spalle di questo personaggio coraggioso, animato da un’inquietudine profonda - o chiamiamola ansia di scoprire - spinto sulle tracce di una vita celebrata dalla pubblica fama ma tutt’altro che esemplare e degna di rispetto, dato che sulla testa del personaggio sembrano pendere addirittura un’accusa per crimini di guerra e torture. E insieme è la scoperta dell’imprevedibile “nido di vipere” e di corresponsabili che circonda il suo celebrato ma equivoco politico. Cosa spinge questo personaggio timido e inquieto, che Ewan Mac Gregor interpreta con eccezionale bravura, a non accontentarsi delle facili verità, violando l’immagine ufficiale officiata dalla stampa benevola? 

Il film, costruito con quella padronanza del mezzo che a Polanski è doveroso riconoscere, avvolge lo spettatore in spire lente, che crescono piano piano, tuffando il nostro “eroe” in un’atmosfera malsana che il mare livido e le spiagge aride dell’isola di Martha’s Vineyard nel Massachussetts, in cui la storia è ambientata, non riescono a dissipare. Un buon film premiato da numerosi Premi internazionali.

LO SCANDALO ENRON

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Un filmetto televisivo, uno di quelli di marca leggera, diretto da Penelope Spheeris specialista in commedie comiche (Fusi di testa, Piccole canaglie), può essere più drammatico e severo di tante inchieste seriose e circostanziate, come quel pretenzioso film documentario del 2003 sullo stesso argomento. 

E’ a nostro parere il caso di questo “Scandalo Enron” che, trascrivendo la storia autobiografica di Brian Cruver, narra le avventure di un giovane con curriculum brillante e ricco di titoli di studio promosso – o caduto - fra le grinfie di una delle più floride e agguerrite imprese d’America. Arriva spaurito, viene travolto nella bolgia degli impiegati, si rende conto dell’andazzo finchè, sposando la filosofia aziendale, capisce che occorre buttarsi all’arrembaggio seguendo le disposizione impartite dai superiori e messe in atto dai colleghi più smaliziati. Tutto a gonfie vele, curve di crescita che volano in alto, successi trimestrali celebrati con orgette e così via. 
Dovrebbe essere la parte più leggera del film, con questo giovane irretito e conquistato dalla smania del successo che cede all’offerta di cambiare vita nella corsa al più sfacciato benessere e consumismo, e invece è la più triste, forse malgrado le stesse intenzioni della regista, e si fa specchio non certo distorto della filosofia truffaldina che funge da modello e incarna lo stile delle grandi società USA, dove il fatturato la fa da padrone, obnubilando arricchimenti selvaggi, conti gonfiati, statistiche falsate, bonus stratosferici eccetera. Poi il film ci racconta la progressiva irresistibile caduta della grande azienda e la rovina dello stuolo dei suoi impiegati, la disoccupazione – generalmente di corta durata, beati loro! – e l’eclisse dei magnati che se la cavano comunque. 

Il tutto narrato con mano impietosa ma leggera, senza sovraccaricare lo spettatore di dati e considerazioni socio-filosofiche ma descrivendo una realtà con spiritoso acume e celando dietro l’apologo uno sguardo impietoso ma non troppo.