SHIMMER LAKE

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C’è un giochetto adottato da qualche sequenza comica o da qualche comunicato commerciale: come se la proiezione girasse alla rovescia le azioni vanno a ritroso, dalla conclusione alla partenza. Oren Uziel, regista-autore di questo singolare “Shimmer Lake” (2017) eleva il giochetto divertente alla dignità di formula narrativa.
Il film è diviso a blocchi temporali: si va dal più recente al più remoto. Sbigottiti da una porzione di storia di cui non capiamo il senso né individuiamo i personaggi, recuperiamo poi il momento procedente e così, per blocchi successivi, risaliamo sino al primo. E nel gioco assistiamo a una continua rivoluzione dei personaggi e dei “valori” che ci appaiono in continua trasformazione. 
Tutto bello, se il gioco non scoprisse un po’ la corda e creasse qualche motivo, forse involontario, di confusione. Navighiamo senza bussola, in un continuo rovesciamento delle responsabilità, sino a scoprire che il più “positivo” dei personaggi tanto positivo non è. Un espediente? O semplicemente un modo furbo per accreditare come singolare un film che, quanto a regia, costruzione della storia, attori e personaggi, non fa certo gridare al miracolo!

RED RIDING TRILOGY

  

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Una serie antologica del 2009, tratta dai romanzi dello scrittore inglese David Peace. Mi correggo: non una serie ma una “trilogia”, definizione alquanto bislacca per tre film che hanno in comune i personaggi e la sigla Yorkshire che individua una regione a nord dell’Inghilterra particolarmente grigia e triste con atmosfere cupe e talora inquietanti e, a quanto pare, caratterizzata dall’estrema corruzione in seno alle forze di polizia. Tre film, personaggi che si rimandano dal 1974 al 1983, tre registi diversi e stili quasi opposti. 

Si comincia con la sofisticatissima storia del giovane giornalista che ingenuamente cerca di “far luce” quando tutti i poteri, polizieschi ed economici, vogliono che sia fatto buio. Naturalmente non può che finir male per il giornalista. 

A far luce ci riprova, nel secondo film, un Commissario spedito in piena giungla: stavolta lo stile è meno pretenzioso e la vicenda non è dissimile da quella di un qualunque thriller. Stessa fine del giornalista per il Commissario onesto e sprovveduto. 

Il terzo film ci spiazza veramente: è una sorta di versione riveduta e corretta dei primi due, con rimandi alle storie e ai personaggi. Stessa negativa conclusione. 

A parte le raffinatezze formali, qua e là più o meno accentuate, si tratta in fondo, riguardo alle atmosfere deprimenti e ai “finali” decisamente negativi, di tre “noir made in UK”. Un’esperienza singolare: tre romanzi trascritti con gli stessi interpreti ma con stili e declinazioni molto differenti fra loro. Al primo la palma di una ricerca di cinema più raffinata o se si vuole sofisticata.

THE SAINT

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Cadono i miti come cadono le foglie in questo incipiente autunno. Crollato in buona parte il mito dell’irresistibile spione 007, un po’ svenduti quelli di Batman e Spiderman è la volta del Santo, il ladro gentiluomo un po’ scopiazzato da Arsenio Lupin con in più un fondo umanitario e caritatevole alla Robin Hood. E’ il personaggio creato da Leslie Charteris nel 1928, che fece la fortuna di Roger Moore e forse fu per lui il trampolino di lancio verso il più valido e sicuramente il più simpatico dei James Bond. 

C’era già stato nel 1997 un film poco riuscito con Val Kilmer, altrettanto poco riuscito il nuovo remake, pilota di una progettata serie tv, anche se tenta di riannodarsi alle origini del personaggio mostrandone, attraverso contenuti flashback, la nascita e “formazione” (chiamiamola così). 

Due gravi difetti fra i tanti: primo, l’inane tentativo di riassumere la vicenda di Simon Templar, diluita all’origine in molti romanzi e altrettanti telefilm, in un unico film, quasi uno spasmodico e inutile riassunto. Secondo: a parte un rapido cenno alle finalità altruistiche delle sue imprese, il tutto viene ricondotto alle dimensioni di un normale e scontato film d’azione, abbastanza confuso e ripetitivo. Quanto al carisma del protagonista e degli altri personaggi, lasciamo perdere. 

Unico effimero d’interesse il rapidissimo cammeo del vecchio Roger Moore, ormai appannato ma non privo di quella sua sottile carica auto-ironica.

OZARK

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Le serie tv – sia straniere che nostrane - amano le location un po’ particolari, un’isola, una comunità di provincia, una terra isolata, i margini di una scogliera, i ponti e così via. Non è tanto – o non solo – per comodità ma anche per disporre di una situazione logistica d’effetto, meno generica di vie di città ormai tutte analoghe perchè omologate.
Da Chicago, Marty e famiglia si spostano sulle rive di un lago che dà il titolo alla serie, Ozark, in un villaggio vacanze in Missouri. Là Marty ha un compito particolare: riuscire a “ripulire” una grossa somma di denari di cui è debitore a un grosso boss – tanto per cambiare – del cartelli della droga messicani. E Marty ci riuscirà – o forse no - al termine di dieci puntate della prima serie, mettendo in campo tutti gli espedienti di un provetto finanziere e collocatore di denari. Il paese – che tanto pacifico non è – ne riuscirà sconvolto. 
La serie – stando a questa prima stagione – non è affatto male, forse qualche volta un po’ difficile da capire nei suoi risvolti finanziari, ma sufficientemente ricca di personaggi e situazioni. Da notare la presenza di una Laura Linney un po’ ammaccata. E’ in arrivo la seconda Stagione in 10 episodi.

REGINA DEL SUD

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Intorno agli anni Quaranta-Cinquanta gli americani stabilirono le regole di un nuovo genere cinematografico, il film di gangster o poliziesco, che cantava le gesta di gang spuntate come funghi attorno all’equivoco traffico di alcool negli anni ruggenti del proibizionismo: personaggi un po’ double-face, disegnati nelle loro dimensioni eroiche, anche se si trattava di esseri spregevoli destinati a una brutta fine in obbedienza al Codice Hays, e poi le facce patibolari dei gregari, la “pupa” del gangster, e quel clima torbido di una nemesi incombente che tingeva di tristezza ogni avventura. Somigliava parzialmente al noir francese ma ne differiva sotto diversi aspetti.
Da una decina di anni o forse meno il genere si è aggiornato anzi possiamo dire che ne sia sorto uno nuovo. Loschi trafficanti sudamericani, cartelli in luogo di gang, e il traffico della droga in luogo di quello dell’alcool, droghe più o meno diluite e adulterate, come negli anni passati si usava fare col whisky, e poi accoliti dalle facce patibolari scelti prevalentemente fra ispanici, e pupe assortite per il capo. Ma pupe generiche con meno personalità, spesso prostitute schiavizzate, senza i vecchi rituali del dono di gioielli e pelliccette. Il genere – pronube Netflix – batte in violenza il precedente, dove la crudeltà era, tutto sommato, descritta in toni un po’ asettici, solo sventagliate di mitra e colpi di pistola. Qui la violenza deborda, si trasforma in sadismo e i morti si sprecano. 

Su questo schema, mescolato in un pastiche fra finzione e verità, sono state costruite le serie “Narcos” sulla vita e le avventure di Pablo Escobar, ed ora è la volta – con una maggior commistione fra realismo e finzione - de “La regina del Sud”, di cui abbiamo visto i tredici affascinanti episodi della prima stagione, tratto dal quattordicesimo romanzo dello spagnolo Arturo Pérez-Reverte. Teresa Mendoza, destinata a divenire la Regina del titolo, la conosciamo ancora alle prime armi della sua carriera di donna rotta a tutto, d’astuzia volpina, di eccezionale forza d’animo, dolce e spietata, decisa a salire la vetta in un traffico internazionale di droga seminato di morti e assassini. Il racconto è severo, crudo ma non compiaciuto. 

Gli interpreti tutti attendibili, i toni quelli di un racconto realistico che rivela aspetti sconosciuti di un terribile commercio. E al centro lei, Alice Braga, che gestisce il suo personaggio con bravura e intensa verità. Accanto al lei un altro personaggio femminile potente, Camila (Veronica Falcon) in lotta contro il marito per il controllo del cartello. E i comprimari, i secondi personaggi e le seconde storie: un racconto disteso e implacabile per chi ami i sapori forti, ma ben amministrati, senza i sapori fasulli e sofisticati della nostrana nouvelle cousine.

LA NOTTE NON ASPETTA

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L’assassino è il maggiordomo: era la consueta prevedibile conclusione dei vecchi onesti “gialli” inglesi sulla scia di Agatha Christie, una consolatoria soddisfazione per la nostra intelligenza di lettori e detective in erba. Poi anche i “gialli” si sono complicati, a cominciare dai classici americani, hard boiler e non, e il bene e il male hanno cominciato a confondersi. Il gioco si è fatto più complesso ma la soluzione sempre quella: il più inoffensivo e insospettabile dei buoni era il cattivo. Il sano manicheismo del giallo stile inglese cedeva il passo a un sano scetticismo prendendo le distanze dei buoni troppo buoni. Ma l’attuale deriva del thriller è ben lontana da ambedue gli assunti. Bene e male sono ormai indivisibili, sia i difensori della giustizia che i delinquenti dichiarati condividono lo stesso culto della violenza, che può giungere sino alla sopraffazione sadica. 

Questa lunga premessa per parlare di un thriller non tanto vecchiotto (2008) dove un Keanu Reeves, poliziotto senza scrupoli che si è autonominato giustiziere, usa gli stessi metodi dei suoi avversari e dove alla fin fine, quel suo capo pacioccone, sempre pronto a sostenerlo e a prenderne le difese, - interpretato da Forest Whitaker, bravissimo come sempre - si rivelerà il più spietato e disonesto della partita. Insomma siamo intrisi di violenza e la spregiudicatezza – che è rinuncia dei cosiddetti valori – regna sovrana. Una visione pessimistica della realtà, o magari soltanto realistica.

SEQUESTRO

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Un bambino ferito e smarrito che cammina solitario lungo una via di campagna viene raccolto da una macchina di passaggio e condotto in ospedale. Non parla, è completamente atono. Individuata la madre, un’avvocatessa di successo, questa rivela agli inquirenti che suo figlio è sordomuto dalla nascita. Ma chi ha tentato di rapirlo all’ingresso della sua scuola? Il bimbo aiuta a ricostruirne l’identikit e nell’archivio delle foto individua il suo rapitore, un pregiudicato che vive d’espedienti. Dunque tutto risolto? E invece no, perché l’avventura incomincia solo ora. 

Ma perchè raccontare oltre di questo film spagnolo che Netflix propone con i soli sottotitoli italiani? Il seguito è imprevedibile. Sulla mendace indicazione del bambino, inventata per nascondere uno squallido caso di bullismo, il “cattivo” della situazione monta una truffa estremamente elaborata di cui sino al finale non conosceremo la soluzione. Ma non vi aspettate un film dalle tensioni esasperate e dalle suggestioni spettacolari, un misto fra il thriller e il film d’azione all’americana!

Il film ha la sua forza proprio puntando su una narrazione distesa, con un interesse e una tensione che nascono dalle cose e non da artifici di sceneggiatura. Rigoroso e fluido nelle riprese, puntuale e attento nella scelta e nella resa degli interpreti, “Boy Missing” è la riprova di come si possa far cinema, e buon cinema, senza bisogno di ricorrere a soluzioni già preconfezionate in partenza. E senza ricorrere agli espedienti del thriller o alle stampelle del divismo, sia pure casereccio, come da noi in Italia. Film di genere? Buon cinema innanzi tutto!

THE WHISTLEBLOWER

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Quando vedo la scritta “tratto da una storia vera” precedere un film rimango sempre un po’ perplesso: cosa significa? Che il film intende essere “verosimile” rinunciando a trasferire nelle tassative regole del racconto un momento della realtà? Oppure che la vicenda trae spunto da un fatto realmente accaduto? O che il film vuol rispecchiare nei modi, nei luoghi e nei personaggi una vicenda reale, diventando quasi il suo “doppio cinematografico”? Discorsi complessi che ci porterebbero molto lontano. 

“Whistleblower” – cioè il “soffiatore di fischietto”, colui che denuncia pubblicamente trame che debbono rimanere coperte - segue l’ultima delle tre ipotesi di lavoro: è per metà la storia di una serie di violenze perpetrate ai danni di giovanissime ragazze bosniache, una vera e proprio tratta delle schiave, descritta a iosa con un’insistita serie di brutalità e sevizie iterate più del necessario, e per metà l’avventura della poliziotta americana giunta in Serbia ed Erzegovina con un incarico che dovrebbe servirle a risolvere alcune esigenze finanziarie ma che, impegnata a ricostruire certi fatti, scopre come nel traffico di esseri umani e nello sfruttamento della prostituzione, anche minorile, siano pesantemente coinvolti come aguzzini gli stessi membri delle forze di pace dell'ONU, portando in luce pericolose connivenze che avrebbero dovuto restare accuratamente coperte. 

Diretto da Larysa Kondracki, questo film del 2010 tenta di farsi “specchio” di una “storia vera” – la vicenda di Kathryn Bolkovac - utilizzando i luoghi dove si è svolto il fatto e più ancora attraverso l’uso di una fotografia contrastata, brutale, che vorrebbe simulare una “presa diretta” ma che fa l’occhiolino allo spettatore avvertito. Intento nobile nonché un po’ indigesto – in Italia il film non è stato distribuito sul grande schermo -, ma l’eccesso programmatico di insistita violenza nuoce in realtà proprio al realismo del film e alla sua compattezza. 

Interpretazione incisiva da parte della brava Rachel Weisz, pleonastiche le presenze di Vanessa Redgrave e di Monica Bellucci

BANGKOK DANGEROUS - IL CODICE DELL'ASSASSINO

 

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Con una lunga carriera e una serie di buone occasioni, Nicholas Cage, dell’illustre schiatta dei Coppola, non ci ha mai entusiasmato troppo come attore. Il suo volto scavato e drammatico per antonomasia, caratterizzato da due occhi costantemente sbarrati, è stato utilizzato nelle due versioni ammissibili: agnello sacrificale alla mercè dei cattivi, e supercattivo nemico dei buoni.

In quest’ultima versione lo ritroviamo, assassino su commissione, adottare il rigido manuale del perfetto killer. Collaudata macchina per uccidere sino a quando non compie due errori dettati da un paio di inammissibili rigurgiti di umanità: un delicato sentimento nei confronti di una giovane thailandese sordomuta e un atteggiamento paternalistico verso il giovane che lo aiuta a compiere i misfatti. Male, malissimo, perchè queste due infrazioni al codice lo condurranno alla rovina. 

Curiosamente il volto impassibile e scarsamente espressivo di Nicholas stavolta funziona, proprio perché a disposizione di un personaggio impassibile per definizione, e il film funziona altrettanto bene, con una storia risaputa ma scandita in modo sufficientemente originale. Bangkok, i suoi angoli celebrati dal turismo, il suo caos orientale, i volti della sua gente costituiscono un contesto nuovo per una storia che forse nuova non è.
Insomma un film d’azione scritto a metà fra il film all’americana e quello alla Hong Kong, a cui non c’è granchè da rimproverare.

SHOOTER

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Una specialità della CIA deviata, almeno di quella immortalata dal cinema: prendere un soldato superesperto, incaricarlo di una missione di salvataggio spericolata, addossargli un delitto non suo ed eliminarlo per codificare l’attribuzione. Un procedimento che, almeno secondo alcuni, fu seguito anche per l’assassinio di Jack Kennedy cui fece seguito la velocissima eliminazione del - presunto ? – assassino Osvald.

La serie “Shooter” parte così. E il povero Bob Lee Swagger, ex-cecchino della marina statunitense, si trova addosso una terribile imputazione avendo avuto il torto di essere rimasto in vita nonostante un piano preciso per eliminarlo e attribuirgli una colpa non sua. Riuscirà a sventare la terribile accusa e a smascherare coloro che hanno ordito il piano diabolico? E’ quello che ci accingiamo di vedere nelle successive puntate della serie, che è partita bene, con un “buono” con famiglia, solido e onesto, e un bieco drappello di “cattivi” che si celano dietro le più alte cariche dello Stato.

 Alle spalle della serie c’è il romanzo di Stephen Hunter, “Una pallottola per il presidente”, ma anche un film omonimo del 2007 con Mark Wahlberg, che ora figura fra i produttori della serie. 

Terza e quarta puntata: ho l’impressione che la vicenda venga un po’ stiracchiata per farla durare, ricorrendo all’evocazione di un precedente complotto che si svolge in Afghanistan coinvolgente gli stessi personaggi con un gioco per qualche verso analogo: qui che lunghi flashback una storia in parallelo, anche se in tempi diversi. Quinta puntata: la vicenda riparte più speditamente e con più sicurezza.

BITTERSWEET LIFE

 

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Evocare Shakespeare o la tragedia greca per questo dramma cinematografico made in Corea del Sud, certo quanto di più lontano ci sia da un semplice film d’azione anche se il potenziale bellico che vi viene impiegato è rilevante. Sarebbe piaciuta a Sergio Leone l’avventura solitaria di questo vendicatore, ma qui narrata senza il menomo ricorso all’humour che caratterizzava l’inventore del “western italiano”.

Ma andiamo per ordine, Sun-woo, manager di un lussuoso albergo, è il braccio destro del boss malavitoso Kang, un giovane scherano fedelissimo agli ordini di un bieco e brutale magnate che si fida così tanto di lui da imporgli un incarico di fiducia: sorvegliare la sua giovanissima amante, sospettata di tradirlo, durante i tre giorni della sua assenza. Tizio prende contatto con la fanciulla, che è una suonatrice di violoncello, esegue il suo compito di sorveglianza, ne scopre un amoretto, informa il principale e viene dal lui incaricato di fare giustizia. Ma non la fa, trasgredendo così all'ordine del suo boss e per questa disobbedienza dovrà pagare con la vita. Per la sua imperdonabile disobbedienza i “bravi” del capo lo riducono in fin di vita e lo seppelliscono vivo. Dalla bara di fango Tizio risusciterà trasformandosi in un angelo vendicatore. 

Di qui la carneficina, impartita con tecniche aggiornatissime, a base di pistole e mitragliatori, ma con spirito antico, come un assurdo rito purificatorio. La violenta carneficina a base di mitra, distruzioni e morti a catena assume i contorni del rito alla samurai e mi ricorda la sacralità della terribile vendetta impartita dal patriarca nella “Fontana della vergine” di Ingmar Bergman. Questa aura antica, questo eccidio è appunto da tragedia greca. 

Un film singolare, diretto dal sudcoreano Kim Jee-woon e arricchito dalla prestazione del giovane Lee Bieyong-Heon, girato con un cura quasi eccessiva, scandito fra moderne architetture ortogonali, ma legato e un costume barbaro che è di difficile comprensione, un po’ cedevole di fronte a qualche belluria non strettamente necessaria o forse un po’ estranea al modo di sentire del pubblico nostrano, come il finale un po’ a matrioska, “A Bittersweet Life” è un inno alla magnificenza estetica del cinema di Kim Jee-woon.

IMPERIUM

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Harry Potter contro i neonazisti.

Daniel Radcliffe, alla seconda o terza sortita da adulto fuori dal personaggio Harry Potter che lo ha tenuto impegnato sin dalla più tenera infanzia, è un giovane agente dell’antiterrorismo della FBI, un po’ ridicolizzato da quel fisico gracile e dai grandi occhialoni da vista. Sino a quando un’agente scaltra e dall’occhio lungo (Toni Collette) lo introduce come infiltrato nel mondo dell’estrema destra fascista, razzista e neonazista. 

Un mondo che, stando alla rappresentazione che ne fa in questo “Imperium” il regista Daniel Ragussis, qui alla sua opera prima, è vasto e differenziato, dagli estremisti ai movimenti razzisti tipo Ku Klux Klan, agli illusi in relativa buona fede, ai facinorosi di ogni risma. E Daniel, trasformandosi quanto basta, riesce a penetrare in quel mondo esplorandone la fauna, le diverse cellule terroristiche, ed entrando addirittura in contatto con il capo carismatico, paladino nei medium di una nuova America che, alla fine, si rivelerà solo un cialtrone mettendo in crisi la credibilità dell’agente. Ma Harry Potter non si arrende e alla fine si riscatterà sventando un micidiale attentato e impedendo l’esplosione di un micidiale ordigno, salva così un’innocua famigliola e provoca l’arresto dei principali responsabili. Tutto bene quindi e il piccolo eroe può tornare alla sua scrivania fra gli applausi dei commilitoni.
Il film, ispirato alle memorie dell’agente FBI Michael German, che trascorse venti mesi tra il 1992 e il 1993 sotto copertura in un gruppo di neonazisti, ci immerge in un mondo inesplorato,di cui ci fa conoscere le varie facce, gli illusi in buona fede, i facinorosi, i nostalgici, i delinquenti, i cialtroni. Una disamina accurata che s’intreccia a un racconto saldo, “teso, coinvolgente ed inquietante”, come lo ha definito il “Los Angeles Times”. 

Ci resta il dubbio – per nostra personale ignoranza - su quali siano o siano state le concrete dimensioni del fenomeno, che qui ci appare sovrastimato, tanto da rivaleggiare con il terrorismo islamista. Quanto a Daniel Ratcliffe, in un ruolo difficile quanto impervio, se la cava in modo egregio.

DERAILED - ATTRAZIONE LETALE

 

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Uno di quei thriller – come si diceva una volta – “fatti a mestiere”. Con i buoni un po’ ingenui e fresconi che si fanno irretire dalla prima prospettiva di un’appetitosa avventuretta e i cattivi che più cattivi non si può.
Clive Owen è un buon padre di famiglia tutto casa e ufficio. Ma sul treno che quotidianamente lo conduce al lavoro incontra la fascinosa Jennifer Aniston e prima o poi è destinato a cedere al suo fascino, peraltro dispensato con il doveroso ritegno. Raggiungono un’alcova provvisoria, da squallido romanzetto borghese, ma nel momento culminante dell’amplesso irrompe il violento, cattivissimo Vincent Cassell che, dopo aver malmenato l’uomo e stuprato la donna, sottopone il primo a una serie di progressivi e crescenti ricatti monetari. 

Lui ci prova a sottrarvisi ma non vuol creare fastidi alla compagna d’avventure e poi il cattivo è scatenato e senza scrupoli e, nonostante Owen sia quel pezzo d’uomo che sappiamo, non può sfuggire alle ripetute minacce con relativi pestaggi. Poi il rovesciamento inaspettato, che evitiamo di raccontare per non deludere i pochi che non avessero visto questo film del 2005. E che volessero vederlo. 
Ne vale la pena, perché il film è ben costruito, dosa ma non risparmia emozioni, è sufficientemente violento, la Aniston “se la tira” ma funziona, Owen è un po’ fuori parte e Cassel è più che bravo, come al solito.

PREMONITION

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Il vasto carniere di Netflix mi consente il recupero di un film del 2007, che in realtà sembra più un episodio del vecchio “Ai confini della realtà” o del nuovo “Black Mirror”. Ma come si diceva una volta, “i maiali sono stati messi all’ingrasso”, in altre parole uno spunto in grado di sostenere i soliti quaranta minuti è stato dilatato per raggiungere impunemente l’entità e la solidità di un normale lungometraggio.

Lo spunto è costituito da una serie di premonizioni che cadono sulla testa di un gentile madre di famiglia, con marito e due figliolette a carico affettivo. Un lugubre sceriffo viene ad annunciare alla donna la morte del marito a seguito di un pauroso incidente stradale. Disperazione. Ma al successivo risveglio mattutino la donna trova che suo marito è vivo e vegeto. Successivo risveglio mattutino e ci troviamo in piena veglia funebre. E così via, avanti e indietro fra previsione della realtà e realtà effettuale (ma quali delle due realtà è veramente ... reale?) finché i fili s’intrecciano e la donna si trova ad essere partecipe o forse causa della sciagura. 

Il film si regge tutto sulla carica “presenzialista” di Sandra Bullock che si è fatta scrivere un film su misura dove giocare la sua carica drammatica. Brava e carismatica senza dubbio, anche se rischia di voler fare ad ogni costo l’asso piglia tutto riducendo a zero o quasi i comprimari. Ridotto a 45 minuti il film sarebbe perfetto, ma allora avremmo avuto solo un episodio per una delle serie di cui si è detto.

FAUDA

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Il panorama delle produzioni seriali sta ampliando l’orizzonte produttivo più di quanto abbia fatto il cinema. E in questo la filosofia di Netflix sta ottenendo notevoli risultati. Valgano per tutti le serie di fabbricazione brasiliana di “Narcos” che, oltre a rivelare attori autoctoni, hanno introdotto e promosso un nuovo modo di narrare, ispirato alla realtà ma non ridotto tout court a “storiella” secondo le regole dell’affabulazione tv. Ma è anche il caso di realizzazioni made in Israele che non a caso, come “Homeland”, “Hostages” e altri, sono state puntualmente “rifatte” dalla tv statunitense. 

Ed ora questo “Fauda” – il termine arabo significa caos - che dei purtroppo incombenti e onnipresenti conflitti israelo-palestinesi fa materia di severo, allucinante racconto televisivo. Ed è un racconto concitato, aspro, violento, con personaggi inediti e attori antidivi per eccellenza. Gli uomini delle squadre speciali del Mossad e i terroristi arabi di Hamas si confondono in modo quasi indistinguibile per l’odio reciproco e la mancanza di scrupoli che entrambi condividono e per le azioni violente quanto immotivate che in fondo si assomigliano: valgano a macabra esempio l’eccidio perpetrato durante il matrimonio arabo e le successiva rappresaglia terroristica messa in atto dalla moglie della vittima. 

La serie mette sotto accusa con severità entrambi i fronti. Altro suo merito innegabile è il realismo delle location e degli ambienti, promosso anche dall’uso frequente della lingua araba. Insomma le serie tv ci aiutano ogni giorno di più a prendere le distanze da un vecchio standard romanzesco quanto retorico di narrare in generale l’azione e in particolare i conflitti etnici, un tempo con attori “ariani” truccati da asiatici, indiani o altro, ed oggi mettendo a frutto - ahimè! - il terribile insegnamento della cronaca. Che è sempre meno “cinematografica” ed entusiasmante. Non uso il termine “realismo” perché una rappresentazione cinematografica o televisiva è sempre “racconto”, quindi “mediazione”.

L'UOMO NELL'OMBRA

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Scrittore Fantasma, in inglese “Ghost writer”, che il distributore italiano traduce nel più equivoco “L’uomo nell’ombra” (2010). Traendo materia da un romanzo di Robert Harris, Polanski si riaccosta in certo senso a quell’atmosfera di conturbante e indefinibile mistero che era al centro del suo film più fortunato, “Rosemary’s baby”. Un giovane ma già esperto “scrittore fantasma” viene incaricato di redigere la biografia di Adam Lang, navigato uomo politico. Si accosta al suo lavoro con la curiosità dello zelante ricercatore ma scopre via via strani indizi che sembrano condurlo verso la scoperta di un verità scomoda. Verità che, in definitiva, gli verrà impedito di rivelare, come avviene per il novanta per cento delle verità scomode. 

La pellicola cammina sulle spalle di questo personaggio coraggioso, animato da un’inquietudine profonda - o chiamiamola ansia di scoprire - spinto sulle tracce di una vita celebrata dalla pubblica fama ma tutt’altro che esemplare e degna di rispetto, dato che sulla testa del personaggio sembrano pendere addirittura un’accusa per crimini di guerra e torture. E insieme è la scoperta dell’imprevedibile “nido di vipere” e di corresponsabili che circonda il suo celebrato ma equivoco politico. Cosa spinge questo personaggio timido e inquieto, che Ewan Mac Gregor interpreta con eccezionale bravura, a non accontentarsi delle facili verità, violando l’immagine ufficiale officiata dalla stampa benevola? 

Il film, costruito con quella padronanza del mezzo che a Polanski è doveroso riconoscere, avvolge lo spettatore in spire lente, che crescono piano piano, tuffando il nostro “eroe” in un’atmosfera malsana che il mare livido e le spiagge aride dell’isola di Martha’s Vineyard nel Massachussetts, in cui la storia è ambientata, non riescono a dissipare. Un buon film premiato da numerosi Premi internazionali.

AMERICAN ODYSSEY

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Il mondo arabo dell'Islam fa irruzione – e non da oggi – anche in molte serie televisive sino a diventarne di fatto protagonista. Segno dei tempi - direbbe un filosofo -, della centralità di quel mondo affermatasi in modo drammatico e divenuto l’incubo del nostro presente. Ricordiamo le stagioni di “Homeland”, ottima serie USA ricavata da una serie israeliana.  

E’ la volta di un’altra ottima serie, “American odissey”, che getta uno sguardo acuto quanto impietoso sulle connivenze fra il mondo degli affari e quello del terrorismo, con un abbrivio che potrebbe piacere a Oliver Stone: una squadra speciale adibita alla cattura di un importante terrorista scopre alcuni file in un computer i quali suggeriscono che una grande società statunitense stia finanziando i jihadisti e li rifornisca di armi. Ma i poteri militari, messi sull’avviso della incresciosa scoperta, decidono di eliminare la squadra speciale per evitare la divulgazione di una cospirazione internazionale che ne coinvolge i più alti vertici. Alla brutale rappresaglia sfugge una soldatessa, unica sopravvissuta della sua squadra. Diverrà la protagonista di una fuga spericolata attraverso l’Africa per sfuggire alla morte e avvertire “i buoni”. Si uniscono alla spasmodica odissea alla scoperta della verità un ragazzo arabo, un giovane rivoluzionario, un avvocato integerrimo, una bambina che non crede alla morte di sua madre e così via. 

I filoni si intersecano con molta sapienza e, pur nella complessità dei collegamenti, non diventano mai speciosi e incomprensibili, rivelandoci ancora una volta come gli sceneggiatori americani siano la vera forza portante della serialità. I personaggi sono tanti e tutti molto validi, disegnati con vigore. Insomma una serie emozionante, avvincente, tutta da seguire. Purtroppo la prima stagione non ha avuto seguito, “pare” per lo scarso successo: "Come tutti temevate, siamo stati cancellati", ha scritto a suo tempo Peter Horton, creatore della serie. Ispirarsi alla realtà va bene ma quando è troppo è troppo.

THE RIVER KING

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Vedi il panorama nevoso, volti poco o per nulla noti, e pensi che il film sia svedese o danese o su di lì, anche perché Netflix ti ha dimostrato che quei paesi, oltre ad aver dato i natali a due “mostri” del cinema quali Carl Theodor Dreyer ed Ingmar Bergman, sanno anche fornirci prodotti seriali niente male, tanto da essere diligentemente copiati dai furbi statunitensi.

Tutto sbagliato: il film di cui parliamo (“The River King”, 2005) è canadese e i panorami nevosi che impongono brividi gelidi, specie a uno spettatore freddoloso come me, sono proprio i loro. Ma il freddo nordico non incide solo sui panorami nevosi e sui ghiacci infidi, che celano le acque di laghi e acquitrini, ma anche sull’andamento della storia che è altrettanto infreddolito dello spettatore. Senza usare altri eufemistici escomatages, la noia è noia e questa storia, tratta da un romanzo di Alice Hoffman, dovrebbe garantire la suspense ma ne è del tutto priva. Parla di un ragazzo, probabilmente evaso da una scuola esclusiva, e ritrovato cadavere sotto i ghiacci: nonnismo andato storto? Omicidio o suicidio? Il povero poliziotto ci perde la testa, cercando di spezzare le previste omertà, ci scommette pure il posto aggirandosi fra la fauna giovanile, ma anche adulta, che dovrebbe aiutarlo a far luce. Alla fine dell’estenuante ricerca – estenuante soprattutto per noi spettatori – che vede tirare in ballo anche inquietanti tracce di sapore soprannaturale e strani riti pseudo-esoterici, la verità viene fuori, ammannita dai previsti centellinati flashback. 

Ammiriamo la cura con cui il regista ha voluto tradurre in immagini rarefatte un romanzo che prometteva bene, quelle distese bianche, quei dialoghi scanditi dalla neve che cade, il volto della fanciulla dai capelli rossi, il nuoto coraggioso di chi se la sente di solcare le acque, ma il tutto non carbura. Sarà per la prossima volta.

IL MONDO DEI REPLICANTI

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Surrogati. Una parola che in me evoca i caffè di cicoria che i miei genitori consumavano negli anni del secondo conflitto mondiale. Ma qui la parola viene usata per identificare degli pseudo-robot in forma di “doppi” meccanici, strettamente collegati al cervello del principale e di cui il possessore può servirsi per farsi sostituire degnamente in ogni funzione vitale, insomma dei robot doppioni, belli come divi del cinema, giovani e funzionali, al massimo e oltre delle capacità umane. L’esistenza di questi sostituti funzionali provoca la giusta indignazione di chi non vorrebbe rinunciare alla proprio identità umana “numero uno”, comprese le rughe di vecchiaia, i malanni di salute e le magagne varie. 

Questo lo spunto che sceneggiatore e regista sviluppano in modo abbastanza maldestro nonostante il budget a disposizione. Un surrogato di Bruce Willis, levigato e ringiovanito quale nessun chirurgo plastico sarebbe stato in grado di fare, viene distrutto in uno scontro e il principale – un Bruce Willis notevolmente stagionato, stile Vodafone – rinuncia a crearsene un altro alla ricerca dell’umanità perduta. Sino scontrarsi con l’inventore dei surrogati che, in un rigurgito tardivo di pentimento per la sua invenzione, vorrebbe distruggerla insieme a tutta la pletora di surrogati che ormai gremiscono il mondo. Ma questo lo scopriremo via via. 

Sappiamo che il film ha attraversato molte vicissitudini creative, e si vede. Non bastano i mezzi e le abilità tecniche per sfruttarli al meglio, non basta la presenza magnetica di Bruce, non affievolita dalla sua attuale ricerca spasmodica della fibra, non bastano esemplari incidenti automobilistici e inseguimenti acrobatici. Ci vuole alla base una solida sceneggiatura e una chiarezza di svolgimento che qui non c’è. Il film rotola fra diverse tentazioni: film post-apocalittico, fantascienza, thriller? Peccato, perché preso sequenza per sequenza, sarebbe godibile!

HOSTAGES

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Lo spunto parte da una molla che il cinema ha più volte e utilmente usato: sequestro di innocenti e successivo ricatto perchè uno di essi compia un atto grave per salvare i congiunti. Era la base di partenza di un ottimo film del 1955 come “Ore disperate”, che ebbe anche un remake meno riuscito nel 1990, e riecheggia, opportunamente modificato o variato, in molte opere cinematografiche e televisive. “Hostages” ne è un po’ la sagra. 

Un’ottima serie prodotta e realizzata in Israele nel 2013 - e che ovviamente gli americani si sono affrettati a rifare a casa loro - congegnata in dieci abilissime puntate: una illustre chirurga, scelta per operare il Premier del paese, viene ricattata da una banda di personaggi di varia estrazione che tiene in ostaggio la sua famiglia: uccidere l’uomo politico nel corso della banale operazione o assistere alla morte dei propri congiunti, due figli e marito. Tutto qui ma la vicenda si complica: la rete dei sequestratori e dei loro mandanti è vasta e insondabile, i quattro figuri divergono per estrazione motivazioni e comportamenti, la chirurga mette in atto varie espedienti per procrastinare la decisione e così via... 

Ci asteniamo dal riassumere una vicenda che, puntata dopo puntata, si struttura e si complica: buona sceneggiatura, sobria e robusta realizzazione, valida prestazione attorale con una protagonista molti brava e credibile, colpi di scena ben dosati. Insomma una signora “serie”. Ma è destino ormai che le serie migliori europee o altro – vedasi “House of cards” della BBC – vengono ridotte a tambur battente in versioni americane più prevedibili e “abboccate”, redatte secondo i furbi standard che vanno per la maggiore. E’ la stessa iniqua sorte che noi italiani riserviamo alle commedie francesi, da noi “rivedute e corrotte”, per usare una vecchia battutaccia. Triste, molto triste. 

E’ doveroso un aggiornamento dopo aver conclusa la visione delle dieci puntate. La soluzione della vicenda, impostata nella nona puntata e risolta nella decima, si impantana per un eccesso di intrigo che dal piano politico scivola in quello privato, con un colpo di scena finale inatteso quanto calato dall’alto. Come diceva il personaggio di Billy Wilder, “Nessuno è perfetto”.