HUMANDROID

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Lunga la storia della lenta conquista di un’intelligenza autonoma, unita a una coscienza morale, da parte di individui meccanici creati dall’uomo - calcolatori, robot, androidi, automi ecc. - in parole povere: intelligenze artificiali contro intelligenze umane, macchina contro uomo. Più che di una lotta si tratta di un lento avvicinamento fra creatori e creature, i primi sempre più stolidi, i secondi sempre più avvertiti e irrequieti. Possiamo far partire la vicenda cinematografica di questo dissidio perlomeno da Stanley Kubrich e con la sua “2001. Odissea nello spazio”. Ma poi ci sono i “Robocop” – dove peraltro il rapporto uomo-automa è rovesciato -, e poi quel trepido film che è “AI. Intelligenza artificiale” di Spielberg, e chi più ne ha più ne metta. Perché non arretrare addirittura sino alla preistoria, con Meliès o con il Fritz Lang di “Metropolis”? 

“Humandroid” (2015) ci proietta nel solito mondo futuribile – stavolta situato a Johannesburg - dove un coraggioso quanto improvvido giovane inventore mette a punto la scheda per dare sentimenti e autocoscienza a un robot, residuato di un esercito di robot poliziotti creati per combattere l'alto tasso di criminalità della città. Il tutto in un mondo postapocalittico dove convivono brillanti tecnocrati e uomini retrocessi allo stadio di trogloditi. La storia un po’ pasticciata, come del resto si conviene a questo tipo di problematiche, procede talvolta speditamente talvolta a singhiozzo e Chappie, il robot fornito di apposita scheda che gli permette di possedere un'intelligenza artificiale senziente, compie in fretta la sua educazione sentimentale dando agli umani varie lezioni di umanità. 

Un po’ troppo fragoroso e con un eccesso di battaglie furibonde a base di sparatorie, il film conta non tanto sulla presenza centellinata e superflua di divi come Hugh Jackman o Sigourney Weaver, quanto su quella del robot Chappie – o di chi lo interpreta coadiuvato dal computer – nonché dei due rapper stralunati Yolandi e Ninja.

IL DRAGO DEL LAGO DI FUOCO

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Una fiaba, una lunga, articolata, un po’ cervellotica fiaba di quelle costruite come una serie di peripezie attorno a un giovane personaggio, nata con i fratelli Grimm o forse prima ancora e prolungatasi sin oltre sino la saga di “Harry Potter”, ma altrettanto fornita di accessori magici: la leggenda di San Giorgio trascritta in termini fiabeschi, con il grande drago sputafuoco in attesa di essere rifornito – mediante periodica estrazione a sorte - di tenere commestibili fanciulle e Galen, giovane apprendista stregone, che cerca di neutralizzarne i malefici poteri per porre fine all’eccidio di verginelle. 

Un film prodotto dalla Disney nel 1981, in un’epoca per noi un po’ remota in cui si potevano ancora infliggere ai minori storie sanguinolente e un po’ orrifiche, ben lontane dall’attuale polically correct o buonismo che dir si voglia, secondo l’accezione preferita. Un film che precorre il genere fantasy anticipandone tutti gli elementi meno uno, dato che non si è entrati in pieno nell’era digitale con i relativi effetti, e quindi il mondo fantastico viene rievocato sostanzialmente solo a base di apparati scenografici, modellini ed effetti spesso costruiti con sapienza artigianale. Anche se - forse per la prima volta – qui si fa uso del sistema go-motion creato da Geoge Lucas. 

Forse proprio per questa... “limitatezza digitale” la fantasia può ancora prendere le distanze dalla meccanica e straordinaria molteplicità d’invenzione che apparenta i nuovi film ad altrettanti videogiochi. Scenografie fantastiche ma identificabili roccia per roccia, lago per lago. Lotte, duelli e competizioni violente ma con uso limitatissimo di superpoteri, niente balzi e voli facilitati dal computer. Ragion per cui, rivisto oggi, le invenzioni di allora non sono sufficienti a eliminare un modesto tasso di noia.

STAR TREK - THE ANIMATED SERIES

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Prima dell’allunaggio e delle esplorazioni spaziali, Gene Roddenberry, creatore di Star Trek, è stato l’autentico precursore della fantasia interplanetaria e intergalattica, riuscendo a spingere la sua Enterprise con relativa squadra oltre i confini dello spazio “per arrivare là dove nessun uomo è mai giunto prima”. Le sue storie, declinate in una serie interminabili di episodi e di stagioni, ci hanno introdotto alla geografia spaziale più sfrenata, facendoci accettare come amici, ma anche come nemici, esseri diversi, a volte repellenti. 
Resta insuperabile il primo ciclo (1966-69), consegnato alla mitologia televisiva, con l’eterogenea cosmopolitica squadra ai comandi del capitano Kirk, che contemplava una donna di colore, un russo, un asiatico e infine un vulcaniano un po’ meticcio (madre terrestre) dalle orecchie a punta e dall’imperturbabilità a tutta prova, il signor Spock. Fu tale il successo che si decise – operazione non del tutto nuova – di far seguire alla serie “live” una serie a disegni animati, doppiata dagli stessi attori. 

Ed ecco “Star Trek, animated series”: piccole storie della durata di 24 minuti, dove l’astronave Enterprise e il suo equipaggio vivono avventure in parte tratte dalla serie ma nella maggior parte nuove di zecca, stagliate su background fantastici, con assoluta economia di disegni e di tavole, e giocate con effetti d’animazione abbastanza semplici ed elementari, colori puri, senza ombre o sfumature, somiglianze puramente indicative e stilizzate. Ed è questo il fascino di queste storie – che abbiamo la possibilità di rivedere grazie a Netflix –: la loro semplicità da striscia fumettistica non sofisticata, narrata con il minimo di effetti, storie curiose, a lieto fine, dove i nostri personaggi conservano il loro carattere e lo declinano in forma semplificata ma ottimale. 

Un divertimento per grandi e piccini, lontano dagli stereotipi sofisticati, disneyani e non.

IL MONDO DEI REPLICANTI

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Surrogati. Una parola che in me evoca i caffè di cicoria che i miei genitori consumavano negli anni del secondo conflitto mondiale. Ma qui la parola viene usata per identificare degli pseudo-robot in forma di “doppi” meccanici, strettamente collegati al cervello del principale e di cui il possessore può servirsi per farsi sostituire degnamente in ogni funzione vitale, insomma dei robot doppioni, belli come divi del cinema, giovani e funzionali, al massimo e oltre delle capacità umane. L’esistenza di questi sostituti funzionali provoca la giusta indignazione di chi non vorrebbe rinunciare alla proprio identità umana “numero uno”, comprese le rughe di vecchiaia, i malanni di salute e le magagne varie. 

Questo lo spunto che sceneggiatore e regista sviluppano in modo abbastanza maldestro nonostante il budget a disposizione. Un surrogato di Bruce Willis, levigato e ringiovanito quale nessun chirurgo plastico sarebbe stato in grado di fare, viene distrutto in uno scontro e il principale – un Bruce Willis notevolmente stagionato, stile Vodafone – rinuncia a crearsene un altro alla ricerca dell’umanità perduta. Sino scontrarsi con l’inventore dei surrogati che, in un rigurgito tardivo di pentimento per la sua invenzione, vorrebbe distruggerla insieme a tutta la pletora di surrogati che ormai gremiscono il mondo. Ma questo lo scopriremo via via. 

Sappiamo che il film ha attraversato molte vicissitudini creative, e si vede. Non bastano i mezzi e le abilità tecniche per sfruttarli al meglio, non basta la presenza magnetica di Bruce, non affievolita dalla sua attuale ricerca spasmodica della fibra, non bastano esemplari incidenti automobilistici e inseguimenti acrobatici. Ci vuole alla base una solida sceneggiatura e una chiarezza di svolgimento che qui non c’è. Il film rotola fra diverse tentazioni: film post-apocalittico, fantascienza, thriller? Peccato, perché preso sequenza per sequenza, sarebbe godibile!

BLACK MIRROR - TERZA STAGIONE

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Il mondo di domani in una serie inglese di episodi nei quali il domani assume il volto di un universo informatico denso di insidie, nell'incedere e progredire delle nuove tecnologie, l'assuefazione ad esse ed i loro effetti collaterali. 

Terza stagione, numero uno, “Caduta libera”: armata di insostituibili smartphone la gente si giudica e si autogiudica in base al punteggio del proprio aggeggio. Per cui il comportamento e l’accettazione sociale dipendono dalle stelline che riusciamo a totalizzare e incamerare dai nostri simili, quelli che incontriamo per la strada o nel nostro edulcorato ambiente. Ne deriva un mondo fasullo, pieno di valutazioni false e di valori deformati e deformanti, come quello che con molto acume ci dipinge questo episodio. Fino a quando la malaugurata o beneaugurata funzione cede di fronte all’inaspettato e l’olimpo di sorrisi precipita. 

Ancor più “terribile” il terzo episodio, “Zitto e balla”, dove ognuno dei protagonisti è ricattato da una voce anonima, recapitata tramite l’immancabile smartphone, che minaccia di mettere in rete dei video privatissimi da cui dipende l’onorabilità e la vita dei malcapitati. Per evitare il sinistro gli sventurati dovranno compiere, su ordinazione e istruzioni fornite via via, azioni delinquenziali che, oltre tutto, li coinvolgeranno assieme. Una condanna terribile da cui è impossibile sottrarsi. Il breve film, come il precedente, ha il sapore di un divertimento amaro ed è sorretto da una realizzazione ineccepibile. 

Questi “black mirror”, giunti alla terza stagione, promettono di essere un prodotto per palati fini, molto meno evasivi di quanto potrebbero sembrare. Dopo la serie d’esordio dedicata soprattutto ad esperimenti formali, questa terza si rivela come un’avvincente lettura metaforica ma non elusiva del mondo in ci viviamo.

THE HUNGER GAMES

  
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Altro recupero del genere apocalittico che proliferò negli anni Ottanta-Novanta e che resiste ancora, da “Fuga da New York” a “Io sono leggenda”, alla serie post-atomica di “Mad Max”, per limitarci solo a pochi titoli. Una sorta di sottogenere è quella dedicata ai “giochi estremi” in cui alcuni contendenti si disputano un trionfo che ha come corrispettivo la morte. Chi fa della sociologia a buon mercato potrebbe leggervi la paura della dissoluzione di un mondo e di una civiltà, terrore che resiste, magari “sotto traccia” a determinare le nostre inquietudini giornaliere. 

Considerazioni a parte “The Hunger Games”, grosso successo di appena quattro anni fa (2012), tratto da un romanzo di fantascienza di Suzanne Collins, ci presenta un mondo post-atomico – qui individuato attraverso delle fogge e dei costumi bizzarri che sono un pot porri di reminiscenze e di anticipazioni – dove l’umanità sopravvissuta deve offrire a un Dio innominato e sconosciuto l’obolo annuale di un eccidio fra cacciatori-cacciati scelti fra i rappresentanti giovani dei vari distretti. Competizione spietata fatta di uccisioni selvagge e minutamente controllata, tramite gli strumenti di una raffinata civiltà tecnologica, da pochi demiurghi altrettanto e più spietati, che mutano le regole a loro capriccio e moltiplicano i pericoli a loro beneplacito. Vinceranno naturalmente i due giovani protagonisti ma vincono ancor di più i creatori e reggitori di quella cinica civiltà dello spettacolo che fa di questa caccia all’ultimo sangue un grande show per svagare e sottomettere il popolo. 

Il film, meno originale di quanto pretenderebbe di essere, è ben condotto e ben interpretato - ma questa nel cinema statunitense è la regola – costruito con l’aiuto di sapienti effetti digitali a potenziare e rendere coinvolgente e alienante insieme il background. Ma direi che, nonostante tutto, ci tocca emotivamente meno di altri. Da notare la giovane protagonista Jennifer Lawrence, il conduttore del macro-spettacolo di morte Stanley Tucci, mentre Woody Harrelson si difende sempre alla grande anche in ruoli che lo sottovalutano. Nel ruolo ormai topico del patriarca, di film in film con connotazioni positive o negative, l’immancabile Donald Sutherland.

STRANGER THINGS

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Dopo sgradevoli vicissitudini personali che ne hanno spezzato la carriera e alcune successive deludenti prove, torna al lavoro Winona Rider, singolare attrice più volte candidata agli Oscar e di cui ricordiamo memorabili interpretazioni, dagli esordi da adolescente alle indimenticabili presenze in “Edward mani di forbice” (1990, “La seduzione del male” (1996), ecc. Logorata dagli anni ma più dagli infortuni è il fiore all’occhiello di questa breve serie in otto episodi che affronta le avventure, fra metapsichiche e fantascientifiche, di una bambina scampata alle torture della solita CIA o cricca similare, cioè ad una congrega consacrata a compiere spericolati esperimenti per allargare gli orizzonti mentali dei fanciulli che producono la proliferazione di fenomeni abnormi, collocati in un’altra dimensione del mondo reale, cioè in un "sottosopra" popolato da mostruose creature. 

Autentici protagonisti della serie un gruppo di bambini – sul tipo di quelli che salvano E.T. - intenti a strappare la piccola sopravissuta alle grinfie dei cattivi. Cattivi violenti e spregiudicati, veri e propri mostri tipo “Alien” e una bambina che ha sviluppato strani poteri di cui è padrona e schiava, il tutto nel clima di paranoia degli anni della guerra fredda, con i suoi laboratori segreti e le sue recinzioni.

Creata da due giovani fratelli, Matt e Ross Duffer, la serie attinge a piene mani a quanto il cinema ha prodotto nel genere ed è debitrice delle atmosfere e degli incubi di Stephen King ma anche ai film di John Carpenter, Steven Spielberg, Gorge Lucas, Rob Reiner. Non per nulla è stata definita dagli stessi autori come “una lettera d’amore ai classici degli anni ottanta che hanno affascinato una generazione». A questi classici la serie è debitrice ma è anche cucinata secondo le odierne formule dei serial tv che ad una logica narrativa di tipo consequenziale hanno sostituito una costruzione parcellizzata, per frammenti narrativi, in grado di distribuire i plot lungo l’arco di un episodio e poi dell’intera storia, senza la necessità cogente che i conti tornino sempre, ammettendo nel racconto ambiguità e anomalie. 

Brillante la scelta dei tre ragazzini che formano il gruppetto e degli altri interpreti fra cui spicca la stupefacente Millie Bobby Brown, due occhi non facili da dimenticare.

INCEPTION

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Sogno o son desto?
Solo una mente disastrata – nella fattispecie quella di Cristopher Nolan sceneggiatore e regista del pluripremiato “Inception” – può aver creato una storia ingarbugliata e cervellotica come questa, che assembla e distrugge materiali sufficienti per almeno quattro o cinque film diversi.

Tentiamo di tradurre: un certo signore esperto nel penetrare negli altrui subconsci per "estrarre" segreti dalle menti delle persone mentre queste stanno dormendo e in grado di approfittare degli stati di sonno altrui, per insufflarci particolari idee e tensioni, cade vittima di un potente magnate giapponese che, avendo provato a suo danno le capacità dell’uomo, lo assume con ricatto per tentare di “deviare” le spinte programmatiche del giovane rampollo del suo concorrente.

Sembra facile, ma bisogna stabilire una sorta di coincidenza fra i sogni del malcapitato e quelli della squadra di disturbatori, ognuno dei quali, in modo autonomo ma coordinato, possa penetrare in quelli della vittima. L’operazione viene messa in atto durante un viaggio aereo e le varie avventure sognate avranno precisi punti di coincidenza, quali gli scontri, le difficoltà, eccetera. A monte e a valle della storia c’è poi il problema di come fare a distinguere le storie sognate da quelle vissute, in breve il sogno dalla realtà. L’espediente utile è quello di afferrarsi ad un micro-oggetto reale – tipo la trottolina che è la incombente metafora di tutto il film – che possa indicarci lo spartiacque. 

Detta così sembra quasi facile. Ma dentro questa storia ce ne sono poi altre: come la tenera storia d’amore fra il protagonista e la moglie defunta – suicida per non aver saputo distinguere i due piani – e reincontrata solo nel sogno. Fatto sta che il film alterna una serie di avventure sognate e concomitanti: veri e propri film nel film, film d’azione dei quali – per dirla alla romana – “nun ce ne po’ fregà de meno”, proprio perché li sappiamo sognati. Tanto materiale disperso in un procedere cervellotico, frantumato come ogni sogno che si rispetti ma privo di una qualsiasi logica, neppure di quella della fantasia. 

Un turbinio di mezzi, di effetti speciali, di location mirabolanti colte in sei diversi paesi, con un cast stellare a disposizione (da Di Caprio alla Cotillard, a Ellen Page, alla illustre comparsata di Michael Caine) che evidentemente è riuscitio a stordire critici e spettatori se il film ha una lista di palmarès che somiglia a un elenco telefonico. 
A me ha provocato un prepotente invito al sonno, quello vero stavolta.

SUPER 8

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Alcuni ragazzini, orfani di madre o membri di famiglie disastrate, si riuniscono per girare un filmetto super otto nei pressi di una stazione onde sfruttare il “fotogenico” passaggio dei treni. E assistono allo scontro fra un convoglio ed un’auto che si trasforma in una catastrofe biblica. C’è sotto un mistero, perché interviene l’esercito che fa fuori un sopravvissuto al disastro, fa sparire il contenuto dei vagoni, isola la cittadina per bloccare ogni fuga di notizie ed eliminare “coloro che potrebbero aver visto”. Aver visto che cosa? E si sviluppa una vicenda che assomiglia – e un po’ fa il verso – a tante storie di Spielberg, con alieni in forma di mostri (cattivi?), ragazzini più forti e intelligenti degli adulti, misteriose battaglie urbane e fughe in bicicletta.

Questo film del 2011 unisce il talento produttivo di Spielberg e l’esperienza fanta-realistica di J.J.Abrams, il creatore di “Lost” e altre serie tv, nonché il regista degli ultimi “Star Trek” e “Guerre stellari”. E catapulta lo spettatore in due ore di azione, paura e suspense, sia pure contenute in un ambito un po’ prevedibile. Spielberg – sul suo versante non impegnato, quello per intenderci, dei dinosauri redivivi – sa come ammannire una storia e non deludere lo spettatore, anche in un’operetta a quattro mani come questa che si conclude – e non potrebbe essere altrimenti – con il rituale abbandono del pianeta da parte dell’alieno (buono?) e la vittoria finale dei piccoli. La cosa più singolare e divertente del film sono i titoli di coda, nel corso dei quali viene simulato il filmetto super-otto, in cui i bambini raccontano a modo loro, seguendo gli stilemi del film dell’orrore, una storia di mostri, zombie, e sciagure assai simile all’originale, quasi una metafora.