DOVE ERAVAMO RIMASTI

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Titolo italiano cretino per un film che certo cretino non è, firmato da Jonathan Demme e con una Merryl Streep visibilmente entusiasta di cantare di nuovo.
Commenti inopportuni a parte veniamo al film: una madre “degenere”, evidentemente rovinata dal Sessantotto, ha abbandonato da anni la prole per inseguire il suo sogno – forse un po’ tardivo – di fare la cantante rock. In uno di quel disgraziati connubi fra l’osteria e il pub della provincia americana la donna delizia il suo sparuto pubblico di disincantati spettatori assieme a un compagno di chitarra che è - o diventerà - anche un compagno di vita. Un tentativo, tardivo quanto fallito, di riconquistare i figli e di capirne l’attuale situazione. La presa di coscienza della realtà, poi la finale riconquista della figliolanza nella reciproca accettazione delle diversità sviluppatesi dagli anni del distacco. 
Il film, inframmezzato dalle esibizioni della Streep, è delicato e ricco di notazioni psicologicamente acute; Merryl – manco a dirlo – è straordinaria e ritrova, dopo qualche evasione discutibile in anni recenti – il suo spessore di grande insostituibile attrice.

BLUE JASMINE

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Autore singolare, Woody Allen, anche dopo essersi lasciato alle spalle i Settanta ed ora gli Ottanta continua a girare in media un film all’anno ma ne azzecca uno ogni tre. Non gli si può negare un raro talento nell’abbozzare storie “aperte” e nello scrivere brillanti dialoghi. “Blue Jasmine” (2013) appartiene alla categorie dei film azzeccati. 

La storia alterna i due tempi della vita della protagonista, quello in cui è la ricca consorte di un finanziere imbroglione e quello in cui in totale povertà deve farsi ospitare dalla sorella adottiva. Due tempi che sono anche due mondi: quello dell’alta borghesia spendereccia e quello proletario. Nel tentativo di salvarsi dalla depressione post-sinistro (fallimento e suicidio del consorte) nonchè di riconquistare il livello sociale in cui è precedentemente vissuta, la protagonista cerca di trovare una soluzione per sfuggire alla propria angoscia, o meglio alla sua psicosi. Tentativo destinato al fallimento. 

Il film racconta questa doppia storia con l’estro dell’Allen dei giorni buoni, puntando soprattutto sulla validità degli interpreti, fra cui prende il volo Cate Blanchett col suo straordinario vibratile disperato personaggio giustamente premiato con l’Oscar. Non dimenticheremo questa donna fragile e dignitosa, nevrotica ma aperta alla speranza. Un ritratto così vero e impietoso da urtare la nostra placida sensibilità di spettatori.

AFFARE FATTO

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Ricetta per fare un commedia cinematografica, meglio se americana. Primo: scegliere un attore accreditato per il genere, Vince Vaughn va benissimo. Secondo: abbinargli un paio di figuri a fargli da soci, uno anziano e uno giovane, quello anziano scafato e rompicoglioni, quello giovane immaturo e coglione. Fatto. Che il soggetto tratti della rivalità in affari fra una bionda manager, con una grossa società alle spalle, e i tre “sola” senza arte né parte che ci provano. 

Difficoltà ad ogni passo, ben seminate fra la nativa America e la Germania dell’industria, da Amburgo sino alla capitale Berlino, sentina di affari ma anche di altre delizie, fra cui il sesso. Qualche sequenza di nudo non guasta, un bagno turco con una serie di tette al vento e un vasto assortimento di amplessi, sia normali che trasgressivi. C’è poi la trovata del sexy-party per appendici maschili al vento. Cosa pretendete di più da un creatore di commedie? 

Sarà pure una ricetta perfetta ma il risultato e appena mangiabile e francamente indigeribile. Ah, le belle commedie di una volta, con quei bisticci amorosi in punta di penna fra attori e attrici che ci sapevano fare!...

BOJACK HORSEMAN

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Un cavallo chiamato uomo
Parafrasando e rovesciando il titolo di un famoso film, “Un uomo chiamato cavallo”, la serie cartoon, prodotta e distribuita da Netflix, giunta alla terza stagione con una quarta in lavorazione, chiosa le avventure hollywoodiane di un divo di sit-com in procinto di diventare un ex-divo e insieme lo strano mondo che gli gira intorno: manager tuttofare, produttori esecutivi che rubano idee, ex-divi che assumono ghost writer per eternare o reinventare le proprie squallide memorie, divi bambini che a distanza di anni diventano spenti ma intraprendenti adulti. E così via. I

l tutto raccontato da Will Arnett, collaudato attore canadese, coadiuvato da Aaron Paul, protagonista giovane della celeberrima “Breaking Bad”, e interpretato da “animaloidi” e “umanoidi” mischiati insieme con molta fantasia e una grafica furbescamente elementare.

Sulla scia delle più celebri e popolari serie d’animazione dedicate a una certa satira (da “I Simpson” a “I Griffin”) la serie Netflix situa stavolta le sue invenzioni in un universo hollywoodiano (ma una Hollywood tarpata dalla D) con allusioni talvolta un po’ da addetti ai lavori. Ha successo e si può capire il perché. 

A me, dopo l’iniziale sconcerto per questi protagonisti umano-animali, a cominciare dal protagonista Bojack Uomo-Cavallo, ha divertito e sto consumando voracemente la seconda stagione.

I DON'T FEEL AT HOME IN THIS WORLD ANYMORE

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Anche senza leggere le sigle – a proposito vi siete accorti che ora ogni film è preceduto da almeno tre sigle ? – ci si accorge subito che certi film hanno un’aura di freschezza e di improvvisazione, magari un po’ approssimata, che le grosse produzioni di serie A non hanno. Ai film cosiddetti indipendenti è consentito non dico sperimentare ma almeno saggiare volti nuovi, trovare ambiti diversi, raccontare in maniera più distesa, ricca di svolte non necessarie, prendersi pause e respiri. 

E il caso di questo film fresco di giornata (2017), dal titolo chilometrico che narra di Ruth, assistente infermiera un po’ depressa, ragazza solitaria, trasandata solitaria e zitella in ispirito che vive sola nutrendosi di romanzi fantasy e birra, che reagisce a un furto casalingo trovando un’impensabile solidarietà nel giovane vicino di casa, proprio l’individuo che le infesta i pochi metri di giardino con le cacche del suo cane. 

Opera prima dell’attore Macon Blair - che lo ha anche scritto - il film alterna toni da black comedy ad altri un po’ paradossali , un po’ thriller e un po’ commedia. Attori giovani e competenti e comprimari bravi e anche simpatici,. Il budget basso evidentemente aiuta a far camminare la fantasia, e non solo negli USA. 

Ma ci vogliono anche idee e “saperci fare”. Come in questo caso.

IL GRANDE MATCH

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Sia Sylvester Stallone che Robert De Niro oltre alle origini italiane hanno in comune un illustre passato pugilistico, come attori s’intende. Stallone con il fortunatissimo ciclo dei “Rocky”, De Niro con quel “Toro Scatenato” che gli procurò l’Oscar. E della saga dei “Rocky” questo “Il grande match” (2013) rappresenta una sorta di postilla: l’ammaccatissimo Stallone disputa un ultimo disperato incontro con l’anziano De Niro, ancora indomabile. 

Henry "Razor" Sharp e Billy "The Kid" McDonnen sono due pugili rivali di Pittsburgh, ormai in pensione. Entrambi, imbattuti e all'apice delle loro carriere, si sono affrontati due volte, vincendo un incontro a testa. E questa è l’ultima sfida fra due rivali, in pugilato come in amore: perché fra i due c’è la presenza di Kim Basinger che ama il primo ma che al secondo ha regalato un figlio. Insomma un bel groviglio sentimental-sportivo con i due colossi malconci ma non domi, litigiosi ma in fondo legati a doppio filo nello sport come nella vita. 

Scritto con garbo e con altrettanto garbo diretto da Peter Segal il film, zeppo di citazioni (dall’allenamento di Rocky alle smorfie di Jack La Motta) e con Alan Arkin che cesella da par suo il ruolo del vecchio allenatore, è anche una prova di forza per i due stagionati attori: Sylvester Stallone ripete il suo personaggio, scritto in modo saggiamente commisurato alle sue capacità e ai suoi limiti, e Robert De Niro, come sempre meraviglioso gigione, che costruisce il suo con il solito risvolto autoironico, sequenza dopo sequenza. Un film per una vasta audience ma che fa l’occhietto al “come eravamo”.

CORPO D'ELITE

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La squadra speciale, vestita con le regolamentari tute nere, fa irruzione per neutralizzare una bomba atomica e... viene falciata dai terroristi: tutti morti! Sono i primi tre minuti di film: ma si tratta di una falsa pista per lo spettatore. La squadra speciale – quella che deve prendere il posto della precedente, destinata al recupero della bomba rapita - verrà formata, a cura del fascistoide Ministro degli Interni, riunendo assieme gli elementi più disparati, nonché rappresentativi delle varie realtà regionali spagnole. Chi sono questi aspiranti eroi da strapazzo? Fra loro alcuni spiantati nonchè un inflessibile ausiliario del traffico addetto alle multe. Insieme si formeranno (?), litigheranno, disputeranno e alla fine, dopo una serie di peripezie che non stiamo neanche a raccontare, tutto finisce in gloria. 

Sembra facile fare un film comico. Facile trovare lo spunto: la parodia dei film sulle squadre speciali e le loro epiche imprese e, per cominciare, la formazione della strampalata squadra composta da “idioti”, almeno all’apparenza. Ma trovare uno spunto non basta, lo spunto va sviluppato e soprattutto – trattandosi di un film comico – imbottito di gag. Diciamo subito che questo film ci riesce mettendo insieme un’operetta demenziale, sinceramente divertente. 

Non osiamo pensare a cosa avverrebbe se il soggetto venisse adattato dai cineasti nostrani, come adesso sembra essere di moda: un accozzaglia di regionalismi “grevi” con i soliti prevedibili attori e relativa sguaiataggini. Gli spagnoli navigano sicuri evitando i pericoli e “la comica” procede spedita con fantasmagorica esplosione finale di fuochi d’artificio.

AMORE, CUCINA E CURRY

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Sfornato dalla sapiente cucina di Steven Spielberg, questo “Amore, cucina e curry” (2014) parla d’integrazione, di profughi indiani, di cucina molecolare, di stelle Michelin e d’amore. 

Un piccolo film firmato dalla sapiente regia di Lasse Hallstrom, che racconta con garbo una piccola storia: una famiglia di ristoratori indiani emigra in Francia e approda, pronubi i freni della loro macchina che inaspettatamente vanno in tilt, in un certo paese, dove il patriarca ha la buona-cattiva idea d’impiantare il proprio ristorante etnico proprio di fronte al locale raffinato gestito da una zitella gelosa della propria stella Michelin. Ma il giovane rampollo indiano è un prodigio ai fornelli e la stessa cocciuta antagonista - che poi sarebbe Helen Mirren – dopo aver tentato d’umiliarlo, dovrà riconoscere la sua bravura e lo arruolerà per lanciarlo nel mondo dell’alta gastronomia. Il giovane va a Parigi, sfonda nel mondo della cucina molecolare, fatta di inganni e non solo gastronomici, poi ci ripensa, torna al paesello per ritrovare l’amore, le soddisfazioni, una famiglia affettuosa e una cucina senza trucchi. Grande “embrassons nous” e finale in gloria. 

A volte scontato e prevedibile, a volte ingenuo, il filmetto va avanti spedito e si va vedere con amabilità. Un po’ buonista e alquanto improbabile è una fiaba culinaria ben costruita e diretta, adatta alle famiglie. La Mirren fa quanto le suggerisce il copione ed è più che in grado di cavarsela con classe. Tutti simpatici gli altri interpreti, e ogni ingrediente è usato correttamente, come si addice a una cucina ben avviata.

SANTA CLARITA DIET

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Ho visto solo le prime tre puntate della nuova serie Netflix “Santa Clarita Diet”, cioè la dieta di Santa Clarita, che gioca con l’horror ma abbandonando il grottesco per schierarsi decisamente sul fronte della commedia. 

Una coppia di sposi con figlia adolescente che fanno gli agenti immobiliari, volutamente analoga alle coppie piccoloborghesi tanto amate dalla tv statunitense. Solita caccia al cliente, solita competizione con gli agguerriti colleghi. Il nuovo è dato dalla predilezione della donna, Sheila, per la carne umana, di cui è inguaribile buongustaia, fabbisogno alimentare che cerca di procurarsi in modo disinvolto, senza creare grossi disagi alla famiglia. In poche parole la donna è una zombie che addenta la preda di turno senza troppi scrupoli e la consuma sul posto, “nature”, creando qualche inconveniente per l’igiene di casa e qualche disagio ai propri familiari: lo splatter non perdona! 

Lo spunto è sorretto dalla verve di Drew Barrymore, che abbiamo lasciato giovinetta da fiaba e troviamo attempatella e malridotta – gli anni passano per tutti - ma sempre con quegli occhietti birichini, ormai affrancatosi da quel cognome che ha costituito per lei un ingombrante passaporto per la notorietà: come si fa a buttarsi via se ti chiami Barrymore, figlia di attrice e soprattutto pronipote dei tre “mostri sacri” dello spettacolo americano? E invece sì, spero che la serie vada avanti bene, so che ha già ricevuto critiche positive, non ultimo elemento di curiosità la presenza della giovane attrice australiana Liv Hewson, che abbiamo già visto pimpante e irresistibile nella miniserie grottesca “Dramaworld”.

LA FESTA DELLE FIDANZATE

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San Valentino non perdona!
Bob Odenkirk ha una storia curiosa: buona carriera alle spalle come sceneggiatore – anche il mitico “Saturday night live” nel suo carniere - e inventore-conduttore di programmi, poi con la serie “Breaking Bad”, dove interpreta l’avvocato azzeccagarbugli e fanfarone, nonché, come si suol dire, rotto a tutto, “sfonda alla grande” e il suo personaggio è di quelli che si fanno ricordare. Pago del successo ma non domo si produce in un prequel che racconta l’educazione sentimentale del nostro avvocato: “Better call Saul”, due serie già diffuse, abbastanza divertenti, e terza già annunciata. 

Netflix ora si presenta con un film ambizioso, prodotto da lui stesso e targato 2017, “La festa delle fidanzate”, su uno scrittore disoccupato, esperto in bigliettini d’auguri sanvalentiniani che, invischiato in un complotto omicida, per uscirne vivo deve creare il biglietto augurale perfetto. Incompreso, un po’ cialtrone ma senza la sua solita verve comico-grottesca, il personaggio di Bob Odenkirk si aggira fra malavitosi e bigliettini rosa portando a spasso per settanta minuti una faccia costantemente funerea con un’espressione che non cambia mai. 

Un film che – sulla carta, forse – vorrebbe essere un “grottesco” ma non lo è. La storia, in realtà un po’ futile, non scatta e non si capisce se la confezione voglia essere patinata ad uso dei critici o sia semplicemente e volontariamente trasandata. Insomma se non un infortunio certo una battuta d’arresto nella storia dell’avvocato cialtrone che ci aveva fatto – e che si spera ci farà – sinceramente divertire.

DRUNKEN MASTER II

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Nella Cina che fu, in anni di dominio inglese, mentre i poveri danno l’assalto a un treno sovraccarico, un medico, accompagnato da suo figlio e da un servo, si trova coinvolto in una rissa attorno a un pacco misterioso che in realtà cela un antico sigillo. Dopodichè dei pacchi misteriosi, degli antichi sigilli e dei medici cinesi non ce ne importa più niente perché il nostro interesse, o meglio la nostra spasmodica attenzione, viene totalizzato dalle acrobazie del figliolo che interpreta le arti marziali come fossero un gioco terribile e delizioso insieme. 

Quel figliolo scatenato, per chi non lo avesse capito, è Jackie Chan in una delle sue grandi interpretazioni d’annata, coadiuvato stavolta dall’estro comico della fanciulla che gli fa da madre e da una schiera di agguerriti combattenti che gli si catapultano contro. Il film, “The legend od Drunken Master” (1994) , in realtà sequel del film del 1978 che aveva rivelato le virtù comico-atletiche e lo stile caratteristici che lo renderanno famoso; Jackie, è formalmente corretto, con tante comparse e tanti ambienti ben ricostruiti, ma è sostanzialmente una pedana per i lanci acrobatici dell’atleta comico di Hong Kong, qui in stato di grazia, ancora non ammaccato come da qualche anno a questa parte. Jakie Chan che affronta schiere di nemici con la sua solita ironia, fingendosi terrorizzato e inseguito mentre l’ammazzasette è proprio lui. Che dire di più? Un godimento di due orette, irrepetibile quanto soddisfacente.
Le arti marziali sancirono la loro affermazione ufficiale nel cinema con la meteora Bruce Lee che cancellò tutta una tradizione di sfide a mani nude e ad armi pari, a cazzotti o al colpi di pistola introducendo la curiosa strana liturgia del kung-fu. Da allora quel modo rigoroso e insieme scenografico di combattere ha influenzato anche indirettamente tutte le sfide cinematografiche e addirittura tutto il cinema d’azione: inutile fare citazioni.

A questo universo “marziale” Jackie Chan ha aggiunto sin dal suo apparire la decisa variazione comica. Non l’atleta marziale che offende e distrugge l’avversario ma qualcuno che si difende in modo furbesco tentando di sottrarglisi e in questa sua buffa difesa sprigiona energia, invenzione, acrobatismo. Unendosi talora in sodalizio con attori occidentali, unendo Hong Kong a Hollywood, Jackie Chan ha inventato un genere. I suoi scontri sono invenzioni, balletti, giochi dove la violenza si nasconde dietro lo sberleffo.

IMPIEGATO DEL MESE

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E’ una delle più belle e malefiche invenzioni della cosiddetta società dei consumi, made in Usa e modicamente importata soprattutto nelle filiali europee delle imprese statunitensi: ogni mese l’impiegato che si è dato più da fare meritandosi la riconoscenza dei superiori viene gratificato con un bella foto a colori affissa in mostra all’ingresso o nella hall di istituzioni commerciali. E ricomincia la gara per meritarsi simile onore, probabilmente corredato da gratifiche, nel mese che segue. Come succede ai secchioni e ai primi della classe, l’impiegato del mese, quasi sempre viscido e lecchino, viene vezzeggiato dai superiori e disprezzato dai colleghi, con tutte le prevedibili situazioni quotidiane, facilmente immaginabili anche se lo sceneggiatore non vola alto. 

La lunga introduzione per commentare un film che forse non ne avrebbe bisogno. Quando ci si basa su una storia prevedibile con finale ultraprevedibile, si allineano tipi buffi, cioè le cosiddette macchiette, si esibiscono come protagonisti un volonteroso belloccio e una bella fanciulla possibilmente bionda il film è già fatto, ma può venirne fuori sia una commedia divertente e sufficientemente comica che una commedia decisamente scema e già vista infinite volte. 

“L’impiegato del mese” si ferma a mezza strada ottenendo la sufficienza: in fondo diverte “qb”– come dicono i bugiardini delle medicine – cioè “quanto basta”.

THE TRUTH ABOUT LOVE

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Vorrei affermare, o meglio ribadire, la piena legittimità del film cretino. Non è necessario che tutti i film – come tutti i dischi, tutti i libri, tutte le serie tv o tutti i giochi di società – debbono essere intelligenti o perlomeno innocui o placidamente evasivi. No, ha pieno diritto di esistere anche un film cretino. Ma stavolta si esagera.

Voglio parlare di “The trouth about love” (2005) che sarebbe come dire “La verità sull’amore”. Un’offesa all’amore ridotta a uno stolido affare di corna. Ma corna tranquille, amplificate nei discorsi, intrecciate a giochetti erotici da ex casa chiusa. Lo spunto: per troppa precipitazione un tizio invia un cosiddetto “San Valentino” alla moglie del suo migliore amico. Di qui si scatena un gioco delle coppie degno della peggior pochade francese di fine secolo, ma quelle almeno facevano ridere. Amante e moglie a fare a gara per riconquistare gli ardori scemati di un avocato con la faccia da cretino, sorelle il cui unico legame affettivo è parlare delle prestazioni dei rispettivi maschi, ma alla fine va tutto a posto e la protagonista potrà raggiungere l’amato inconfesso che, perse le speranze, sta per prendere il volo. 

Raccontato così potrebbe addirittura sembrare divertente, ma in realtà non lo è, nonostante l’intraprendente protagonista, Jennifer Love Hewitt, celebrata divetta della canzone e della tv, sia onnipresente e ne faccia di tutti i colori. E non lo è anche per la scelta degli altri interpreti che, pur prodigandosi in cachinni, risultano pochi centimetri al di sopra dello squallore. Insomma un campionario pressoché completo delle gag che un tempo - ma oggi ancor di più - sembrano caratterizzare la commedia americana dell’ultima generazione, ma offerte a livello minimo. E’ questo l’andazzo di quella che una volta si chiamava la “sophisticated comedy”?

CUCKOO

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Figlia probabilmente degli sketch radiofonici la situation comedy (sit-com) è stato ed è uno dei generi portanti della televisione popolare americana: situazioni giornaliere e genericamente verosimili ricreate in un ambiente unico, di solito il soggiorno di una casa borghese, con pochissimi accessori, una scala che porta a un misterioso e invisibile secondo piano, una seconda stanza, uno striminzito giardinetto. E al centro le vicissitudini di una famigliola, genitori, figliolanza assortita: piccola peste, giovinetto/a birichino/a, mamma chioccia e papà sfaticato o sognatore e qualche vicino di casa, solitamente impiccione, come elementi fissi. Nel corso degli anni sono fiorite numerosissime sit-com più o meno inamidate o ossidate, con un po’ di esterni e qualche trasferta. Riprese in “quasi diretta”, spesso arricchite da risate fuori campo prodotte da un pubblico pilota e appositamente rinforzate. Attori scelti fra quelli più inclini a districarsi fra suggerimenti auricolari, tic, grimaces e cachinni. Fra gli esempi più attuali della rivisitazione della sit-com classica possiamo citare le varie stagioni di “Modern family”, con quella famiglia assortita e variegata di cui si celebrano le quotidiane avventure o, passando a un prototipo a cartoons, le avventure di quella impagabile famiglia che sono i “Simpson”. 

E veniamo a “Cuckoo”, serie inglese targata BBC, che è tutto questo e il contrario di tutto questo, di cui ho terminato ieri sera la seconda stagione, molto difforme dalla prima serie che puntava tutto su un personaggio principale poi sparito e dimenticato. Ancora una famiglia circondata da amici – pochi e un po’ infidi -, ancora una madre possessiva e un padre sognatore e sfaticato, con in più un deciso spirito trasgressivo e un pizzico di surreale che non guasta: un giovane ospite un po’ strampalato, “traviato” o “educato” da un guru, e poi un figlio sporcaccione e una figlia con problemi di adattamento sentimentale. 

Serie molto divertente, apprezzabile per la scrittura originale che mescola le solite piccole prevedibili avventure casalinghe, debitamente aggiornate, a un po’ di imprevedibile bizzarria, e per gli attori, esagerati come da copione, ma che colpiscono nel segno. Insomma a me ha francamente divertito. E vai con la terza stagione

HOLIDAY IN HANDCUFFS - UN FIDANZATO PER MAMMA E PAPA'

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Dopo essere incappato per scelta nel film natalizio il 25 scorso, rivedendo la prima versione del “Miracolo nella 34 strada”, ho iterato in ritardo il ricorso al “latte e miele” di prammatica vedendo su Netflix il filmetto per la tv, americano ma girato in Canada, “Holiday in Handcuffs” (“Un fidanzato per mamma e papà”, 2007). 

Un filmetto che ne ricorda un altro – i soggetti cinematografici sono come le note musicali, variabili all’infinito ma limitati di numero – quello del fidanzato finto affittato per far felici i parenti ansiosi. Stavolta si passa il segno: il fidanzato da esibire in famiglia viene addirittura rapito perché la ragazza possa mostrarlo ai suoi congiunti in quella sorta di rifugio montano isolato dal resto del mondo. Dopo aver tentato la fuga il sequestrato si arrenderà alla dolce violenza godendosi alla grande il calore di quella famiglia male assortita quanto strampalata, ma comunque “famiglia”. Se avete un briciolo di fantasia non farete fatica a intuire il finale. 

Attori tutti “in parte” e un po’ sopra le righe come si confà a un film-commedia del genere, gag amministrate con parsimonia, finale “politically correct”, con l’immancabile omosessuale accettato alla grande e il cambio di rotta delle figliole rispetto alle aspettative genitoriali. E scambio di doni sotto l’Albero. 

Ultima considerazione: qui come altrove e sempre più spesso, non viene mai chiarito perché il Natale – oltre ad essere la festa di famiglia per antonomasia – si chiami Natale: niente niente che prenda il nome dalla nascita di un Fanciullo in quel di Betlemme avvenuta circa duemila anni fa? Per usare un residuo di cultura manzoniana: Natale, chi era costui ?

IO, LEI E I SUOI BAMBINI

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Abbiamo recensito qualche giorno fa “Babysitting”, un’originale commedia francese dove il rapporto fra il solito enfant terribile e l’adulto o gli adulti imbranati viene trattato in modo piuttosto originale e in parte imprevedibile. 

Con questo film – “Io, lei e i suoi bambini”, 2005 - rientriamo a pieno nel manuale: bambini terribili la cui principale attività è mettere in fuga i pretendenti della madre, adulto maldestro che per una strana sintonia viene alla fine, ma solo alla fine, apprezzato dai fanciulli che ne sanciscono l’ingresso in famiglia. E nel frattempo il lungo apprendistato: dell’adulto che, inizialmente avverso, apprende a stimare e ad amare i bambini, e dei bambini che, inizialmente decisi a distruggere l’intruso, imparano ad apprezzarlo. E c’è anche un passaggio intermedio in cui i bambini si dimostrano più adulti dell’adulto salvandolo da alcuni maldestri incidenti. 

Stavolta il manuale viene applicato a un film tutto di protagonisti di colore, con Ice Cube a far da capofila e da factotum, e si struttura nelle forme di un road movie dentro una vettura sfavillante che alla fine sarà diventata una carcassa ambulante. E nel corso del lungo trasferimento verso il Canada incontri strampalati ed episodietti esilaranti. Il film ha avuto anche un sequel nel 2007. 

Ice Cube, rapper e musicista di successo, lo avevamo visto in ruoli drammatici o d’azione pura (“Three kings” 1999 o “xXx2.The next level”, 2005), poi si è convertito alle commediole che in parte si autoproduce, con risultati piacevoli e convenzionali per “film per famiglia” di sicuro successo. Ci vogliono anche quelli!

BABYSITTING

 

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Altro sottogenere che al cinema ha una storia lunga: non parliamo dei classici quanto del rigurgito di commediole che rappresentano il conflitto seminserio fra improvvisati babysitter maschili e bambini terribili, una costante anche nella programmazione degli ultimi anni. Ma questo “Babysitting” (2014) di Nicolas Benamou e Philippe Lacheau (che ne è anche il protagonista), redatto secondo il solito umorismo francese, li spiazza tutti. 

Un umorismo francese modernizzato, declinato in sintonia con lo spirito giovanile, ma ben lontano dai giovanilismi smaccati e allappanti del cinema americano. Storiella semplice e un po’ risaputa, più che una storiella uno spunto: tre giovani occupati presso un’industria con ruoli molto subalterni. Uno di essi si presta a far da babysitter d’emergenza nella splendida abitazione del suo principale, rinunciando alla prevista festicciola per il suo compleanno, ma gli altri due amici lo raggiungono nella casa del magnate e improvvisano per lui una sorta di “rave” che si fa sempre più sfrenato. Alla “notte brava” si unisce anche l’enfant terribile, il ragazzino messo a dormire che si è risvegliato anzitempo, che con gli improvvisati amici vive buona parte dell’avventura, compreso uno sfrenato intermezzo al Luna Park. Finale in gloria. Tutti e tre in galera per i danni arrecati alla magione e all’ordine pubblico, ma bimbo riconciliato con i genitori nonché con i nuovi indimenticabili sodali. 
Il film è costruito attorno a un pretesto: i due genitori, convocati dalla polizia nella loro casa “distrutta” assistono alla ripresa casalinga fatta da uno dei partecipanti che ha immortalato dilettantisticamente l’inverosimile e inverecondo crescendo della grande kermesse. 

“Babysitting” è un film pregevole e per più motivi; primo, perché la descrizione della sarabanda è esemplare, con uno stile di ripresa falsamente improvvisato ma senza lenocini e compiacimenti da Cine-club; secondo, perchè i giovani protagonisti, bambino compreso, sono bravi e simpatici; terzo, perché una volta tanto in film del genere vengono evitate pruderie e conclusioni “politically correct”, cioè ipocritamente moraleggianti - la notte a cui partecipa il bimbo è chiaramente trasgressiva-; quarto, perché la coppia dei genitori, fra cui si esibisce la signora Savoia, è altrettanto simpatica e non prevedibile. Ma il film non è una semplice sommatoria di questi motivi, è una sbrigliata commedia tutta da vedere. 

So che del film è stato realizzato un sequel. Non oso pensare cosa ne abbia fatto il remake nostrano apparso – e pensiamo scomparso – pochi mesi fa.

CHICKEN PARK

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In America è di moda abbinare alla classifica per i film più belli - gli Oscar - quella per i film più brutti e per le interpretazioni più disastrate dell’anno – Razzie Awards - : ognuno si diverte come può. Con un gusto che ha del sadico Netflix ha messo in cartellone quello che ha la fama di essere il film italiano più brutto di tutti i tempi, “Chicken Park” interpretato e firmato da Jerry Calà con l’ausilio e il supporto di Galliano Juso.
Fama scroccata, diciamo noi dove averlo diligentemente visionato. C’è o c’era in giro molto di peggio. Il film è il classico esempio del film all’italiana, furbo quanto povero, un’ingenua parodia di “Jurassic Park” realizzata con grandi teste e zampe in cartapesta di polli-gigante e con l’uso di immagini in sovrimpressione con personaggi resi piccolini accanto a polli grandi come dinosauri, effetti ottici che ricordano quelli del vecchio King-Kong del 1933 e sono altrettanto approssimati, con giungle e parchi ritagliati a Santo Domingo con il benevolo appoggio delle autorità locali, dove la fantasia e l’arte d’arrangiarsi cinematografica – specialità tutta nostrana di cui ho fatto uso più volte anch’io - suppliscono ai mezzi e alla carenza del budget. Una critica o un complimento? L’una e l’altro. 

Perché il filmetto, ad onta di alcuni inutili e insistite variazioni pseudo-erotiche, è un raro esempio di tentativo demenziale, zeppo di allusioni e citazioni parodistiche (dal “Jurassic Park” di Stevens alla “Rosa purpurea” di Woody Allen, alla televisiva “Famiglia Addams”), con una serie di gag che talvolta funzionano. Il limite è dato anche dall’approssimazione volonterosa degli interpreti nonché dalla fragilità di Jerry Calà, simpatica presenza in tanti filmetti ma incapace di sostenere un personaggio – comico? – per un intero film. 

No, carissimi spettatori, ho visto molto di peggio. Non stracciamoci le vesti per un divertimento dove le ideuzze e le gag sovrastano la disponibilità economica, dove s’inventa e si racconta un po’ a braccia. Il surreale e il demenziale è così raro nei nostri film seriosi – seriosi compresi quelli comici – che possiamo anche accontentarci.

IMPIEGATI... MALE!

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Il mondo degli impiegati, gioia e delizia dei narratori per parole o per immagini, dalle “Miserie di Monsù Travet” di Vittorio Bersezio e film di Mario Soldati, 1945, a “Policarpo ufficiale di scrittura” (1959) ancora di Soldati ma tratto da Gandolin, a “Impiegati” (1985) di Pupi Avanti, eccetera. Impiegati pubblici col cartellino o la scheda magnetica da aggirare o da evadere, e impiegati privati con il loro bravo computer davanti al naso, impiegati soddisfatti o irrequieti. 

Si fa disponibile ora, grazie a Netflix, questo piccolo film ironico (“Office Space” di Mike Judge, 1999) sugli impiegati di un grande cartello americano, quotidianamente dediti a un lavoro del quale sfugge loro l’importanza o la necessità, vessati dal timore di possibili licenziamenti o soggetti al controllo di esperti beoti che possano giudicare desueto o inutile il loro specifico settore. Critiche in parte usuali e un po’ scontate, come nelle opere citate o in molte altre e come in tante vignette umoristiche, oppure critiche originali, sfornate dal repertorio impiegatizio USA al quale il nostro compartimento impiegatizio sempre più somiglia o è destinato a somigliare. Il film le raccoglie tutte e le amministra con garbo. 

Una storiella curiosa. L’impiegato renitente alla routine che, grazie ai sortilegi di un ipnotista, riesce a dare un calcio alle regole imposte dal solito capoufficio cretino e che, grazie a questo atteggiamento sanamente menefreghistico, anziché ricevere l’ostracismo dei competenti che esaminano le mansioni, riceve inaspettati elogi e promozioni. E poi il sodalizio truffaldino fra tre giovani impiegati al fine di frodare la loro macroscopica ditta con un espediente contabile-digitale (“chi di spada ferisce di spada perisce” sarebbe il caso di dire) con relativo pentimento finale e salvezza dal disastro grazie a un provvidenziale incendio. Ma ci sono altre sequenze gustose, come quella prima dei titoli di testa, con le auto incolonnate in un ingorgo da traffico urbano. 

Insomma un filmetto leggero che in America, inizialmente bocciato al botteghino, sembra sia diventato un cult, grazie soprattutto ai DVD. Un gruppo di interpreti simpatici e la presenza di Jennifer Anniston in versione originale.

HOMELAND SECURITY

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Una commedia che dovrebbe essere divertente e forse lo è, tutto sta ad accontentarsi. Commedia, ma con un fondo di tristezza nel vedere la promettente diva di “Harry ti presento Sally”, 1989, la spumeggiante Meg Ryan dal sorriso irresistibile, rinforzata dai siliconi e dal butulinico, gigioneggiare per mostrare una freschezza da quarantenne ben portante che ormai non è più. E accanto a lei un Banderas abbronzatissimo fare un po’ la parodia del bel Banderas del 1998, ormai più assimilabile all’impareggiabile fornaio-biscottiere del Mulino Bianco che all’irresistibile giovane Zorro. A chiudere il trio di una distribuzione un po’ abborracciata il giovane Colin Hanks che al padre ha carpito solo una certa somiglianza ma non certo la bravura. 

Ma il film è soprattutto a servizio della Ryan che folleggia, diventata una silfide dopo l’inizio in cui, grazie al morphing, era camuffata da grassona, ne fa di cotte e di crude, frequenta giovani ragazzi e ha una vita sociale molto intensa. Rinfantilita in quanto agli amori, ha un severo giudice nel morigerato figliolo che lavora per l’FBI, sulle tracce di un famigerato ladro d’arte che, guarda caso, diventa il boy-friend di sua madre. 

Nel scoppiettante finale, nella contaminazione fra action, thriller e risate, specialità dell’autore-regista Gorge Gallo (“Prima di mezzanotte”), il tentato furto viene sventato e il Banderas si rivela in extremis non il paventato ladrone ma l’agente in incognito della solita CIA con finale in gloria. 

Ci siamo divertiti? Forse no, ma poteva andar peggio.