QUARANTENA

 Guarda su Netflix

Remake di un film spagnolo dell’anno prima, “Quarantine” (2008) declina all’ennesima potenza il criterio della cinepresa protagonista. Ci sono due principali ruoli a cui può assolvere una cinepresa: essere testimone, cioè assumere una posizione “al di fuori” della situazione che sta riprendendo, o essere “personaggio”, cioè prendere parte all’azione e porsi al suo interno. 

In “Quarantine” la telecamera in questione, amministrata da una pimpante telecronista, è impegnata in un banale servizio televisivo su una giornata accanto ai Vigili del fuoco, ma finirà impigliata nel contesto in cui sta muovendosi divenendo fatalmente partecipe di quanto sta accadendo, anzi ne è travolta, insieme alla cronista che dovrebbe guidarne l’azione: registra quanto accade in modo provvisorio, improvvisato, sgrammaticato, per seguire lo svolgersi drammatico degli avvenimenti, ne coinvolta. L’azione si fa vieppiù drammatica: la squadra dei Vigili è stata convocata in un certo stabile per controllare le esuberanze aggressive di una vecchia coinquilina, ma assisterà allo scatenarsi di un epidemia di rabbia che contagia via via tutti i condomini. Telecamera e giovane cronista sono entrambe prigioniere, fra un popolo di disperati progressivamente contagiati dalla malattia che si trasforma in epidemia contagiosa per cui viene impedito a tutti – telecamera compresa – di abbandonare lo stabile. Dopo un frivolo inizio “à la manière de” l’azione precipita, il dramma assume toni drammatici, disumani. E la telecamera impazzisce, unica testimone di un dramma nell’attimo stesso in cui si sta svolgendo. 

 Un film singolare, potente, inconsueto, direi un esperimento unico e forse difficilmente ripetibile: La “camera a mano”, in costante movimento, alla ricerca della messa a fuoco, con rapidi e sommari spostamenti d’attenzione, testimonia tutto senza soluzione di continuità. L’assunto del regista è di essere estremamente realistico nella forma come nei contenuti, come in un rigoroso quanto impossibile documento di cinema-verité. Resta l’equivoco di una telecamera protagonista che deve sempre e comunque muoversi e aggiornarsi, anche quando l’azione potrebbe non richiederlo e che quindi talvolta esaspera un po’ gratuitamente i propri movimenti. 

Fra gli interpreti – tutti veri più che bravissimi – domina la brava Jennifer Carpenter che avevano conosciuto come colonna portante delle serie Dexter.

SANTA CLARITA DIET

Guarda su Netflix

Ho visto solo le prime tre puntate della nuova serie Netflix “Santa Clarita Diet”, cioè la dieta di Santa Clarita, che gioca con l’horror ma abbandonando il grottesco per schierarsi decisamente sul fronte della commedia. 

Una coppia di sposi con figlia adolescente che fanno gli agenti immobiliari, volutamente analoga alle coppie piccoloborghesi tanto amate dalla tv statunitense. Solita caccia al cliente, solita competizione con gli agguerriti colleghi. Il nuovo è dato dalla predilezione della donna, Sheila, per la carne umana, di cui è inguaribile buongustaia, fabbisogno alimentare che cerca di procurarsi in modo disinvolto, senza creare grossi disagi alla famiglia. In poche parole la donna è una zombie che addenta la preda di turno senza troppi scrupoli e la consuma sul posto, “nature”, creando qualche inconveniente per l’igiene di casa e qualche disagio ai propri familiari: lo splatter non perdona! 

Lo spunto è sorretto dalla verve di Drew Barrymore, che abbiamo lasciato giovinetta da fiaba e troviamo attempatella e malridotta – gli anni passano per tutti - ma sempre con quegli occhietti birichini, ormai affrancatosi da quel cognome che ha costituito per lei un ingombrante passaporto per la notorietà: come si fa a buttarsi via se ti chiami Barrymore, figlia di attrice e soprattutto pronipote dei tre “mostri sacri” dello spettacolo americano? E invece sì, spero che la serie vada avanti bene, so che ha già ricevuto critiche positive, non ultimo elemento di curiosità la presenza della giovane attrice australiana Liv Hewson, che abbiamo già visto pimpante e irresistibile nella miniserie grottesca “Dramaworld”.

HELLRAISER: NON CI SONO LIMITI

Guarda su Netflix

Mostri mostri e ancora mostri. “Hellraiser” (1987), uno dei film-cult per gli appassionati dell’horror, nonché capostipite di serie (con otto sequel all’attivo), accanto ai tre “La casa” di Sam Raimi, ai nove “Nightmare” con Freddy Krueger e pochi altri. 

Una “scatola magica” scatena strani sortilegi a chi la manovra e fa apparire mostri al cui confronto Alien e company sono una compagnia di allegri bontemponi: sprizzano saette luminose, fra grossi ratti che occupano le soffitte e uncini volanti che straziano le carni del malcapitato parcellizzandone il corpo, per cui alla vittima smembrata non resta che sia attingere sangue da nuove vittime per ricostruirsi alla meno peggio. Tre ulteriori mostri presiedono all’intero processo, tra cui quello, diventato “icona” della serie, con il volto crivellato di aculei, tipo agopuntura giapponese estremizzata. E poi altri mostri fuori serie, lucertoloni con varie teste, draghi eccetera, il tutto immerso in un denso sanguinolento repellente appiccicoso liquido, che sbrodola per ogni dove. 

Contrasta con tanta perizia artigianale usata per i trucchi la quasi casuale selezione degli attori, alcuni dei quali - per non dire quasi tutti - sembrano scelti fra gli occasionali avventori del bar in fondo alla strada o del negozio di calzature lì vicino per quanto sono improbabili e approssimati. Evidentemente il regista Clive Barker ha dovuto fare di necessità virtù creando un film con pochi stentati mezzi, che peraltro gli han fatto aguzzare l’ingegno. 

Che dire di più? Splatter, orrore, paura, mucillagini umane, effetti speciali caserecci ma efficaci per due ore di svago, un po’ di voltastomaco per i temperamenti delicati, ma otto sequel testimoniano l’efficacia della formula.

THE WOMAN IN BLACK

Guarda su Netflix

Harry Potter fa il suo ingresso ufficiale nell’età adulta con questo film del 2012 che lo vede non solo protagonista ma gestore unico della vicenda, eccezion fatta per le apparizioni spettrali, centellinate ma “da urlo”, che il nostro incontra nella casa maledetta. Il tutto ritratto secondo la collaudata tradizione del cinema inglese e in particolare della Hammer, produttrice storica degli orrori made in Britain.
Esaurite queste considerazioni iniziali veniamo alla storia, tratta da un romanzo gotico di Susan Hill. Kipps è un giovane avvocato, moglie defunta e figlioletto amatissimo, che riceve dal suo burbero principale l’incarico di vagliare le carte di un’ereditiera scomparsa. E capita in questo paese ai confini del mondo, in una casa isolata dalle maree che periodicamente invadono la strada di collegamento con il mondo - si fa per dire – civile, dato che il paese è pieno di gente che ostile che imputa alla casa maledetta la morte prematura e periodica dei propri figli. E nella casa , un vecchia casa arredata con un gusto scenografico sapiente, quale solo gli inglesi sanno usare quando si tratti di resuscitare ambientazioni e atmosfere del passato - il giovane incontra o si scontra con strane presenze, centellinate dal regista ma sottolineate con inquadrature ed effetti sonori sconvolgenti e adrenalinici. 

Storia lugubre e tristissima e finale ancor più triste. Ma il film, pur soggiacendo alle regole dell’horror, è ben fatto e il nostro Harry Potter, al secolo Daniel Radcliffe – condannato ancora una volta ad aver a che fare con magie e strane presenze - se la cava con dignità. Dimenticavo di citare l’allucinante sequenza introduttiva con il suicidio cumulativo delle tre fanciullone stile Kubrick.

SONO LA BELLA CREATURA CHE VIVE IN QUESTA CASA

 Guarda su Netflix

In pittura ci sono le “nature morte”: sensazioni, emozione, una vera e propria visione della vita, calate e celate nella raffigurazione di pochi oggetti inanimati posti con studiata casualità su un tavolo. Nature morte come quelle carnali e rubiconde dei fiamminghi o algide ed essenziali come quelle di Morandi. 

Ecco, questo film dal titolo chilometrico, “Sono la bella creatura che abita in questa casa”, può essere definito una “natura morta”, e non perché pretende di essere catalogato fra gli horror ma perché molto ambiziosamente vuol ridurre ai minimi termini, essenziali e scheletrici, un intero racconto cinematografico. In breve: Lilly entra in una vecchia casa per assistere un’anziana scrittrice agli estremi della vita, si aggira fra pareti e vani scanditi da superficie vetuste ma essenziali, agli antipodi del gotico e del barocco, e fra queste pareti morandiane, grigie e decolorate come lo è anche un po’ se stessa, coltiva la propria inquietudine, nell’attesa, sempre inevasa, di incontrare o almeno scorgere la bella fanciulla che l’ha preceduta di un secolo e di cui forse intravedrà solo l’ombra. Sino a quando la morte coglierà la scrittrice che l’ha ospitata e sè stessa. Raccontata così sembra una storia drammatica ma il film non lo è. Per un’ora e mezza vediamo aggirarsi la ragazza nella casa vuota, fra pareti lineari, con una ricerca spasmodica della “bella inquadratura”, bella ma povera, come un Mondrian incolore, con la macchina da presa quasi sempre immobile. 

Un esercizio di stile – un po’ sterile? – che pretende molto dallo spettatore. Eppure non si può dire che non lo coinvolga in questa continua e "sospesa” tensione. Dimenticavo di dire che Ruth Wilson è l’interprete solitaria di tutto il film, con i soli interventi veloci di Paula Prentiss, che ricordavo giovane e bella, e qui fa la vecchia scrittrice, e Bob Balaban.

DEAD SILENCE

Guarda su Netflix

Non ci sarebbe molto da dire su questo horror di serie B, stilato secondo le regole del “genere” ma con una certa compiacenza per lo splatter - cimiteri, tombe, morti assortiti eccetera – se non costituisse la vera e propria sagra dei “pupazzi maledetti” dagli occhi semoventi e dalla mascella mobile, insomma quelli che un tempo usavano i ventriloqui. 

Quello dei “pupazzi malefici” o delle “bambole assassine” è un vero e proprio sottogenere dell’horror, basti pensare alla terribile dinastia dei Chucky, che ha fruttato almeno sei film, e a tutte quelle rappresentazioni di pupazzi e bambolotti che, nella loro artificiale innocenza, celano un’aurea maligna e perversa e istinti da killer. In maniera bislacca e decisamente terrificante questi film si rifanno a un tema antico, quello dell’icona, del feticcio, che può facilmente caricarsi di potenza magica e vivere di vita propria. Ma anche al tema del burattino o della marionetta a cui il burattinaio – palese o ascoso – può infondere un’anima e una personalità. Come in certi riti animalisti, quasi “per effetto diabolico”, si assiste alla degenerazione malefica del fantoccio, la materia che si carica di energia vitale, tema non molto dissimile da quello più moderno e aggiornato del robot che ingaggia una lotta con il suo creatore, varcando i limiti da lui assegnatigli. 

Nel film in oggetto assistiamo a una vera e propria sagra del fantoccio, del pupazzo ai quali un’orrida e defunta burattinaia affida la propria vendetta e il proprio odio.

THE SKELETON KEY

Guarda su Netflix

C’è una specie di codice, o se volete di manuale, per gli aspiranti registi di horror: case maledette probabilmente stile ottocento e neo-gotiche, pertugi segreti in fondo a soffitte inabitate, spifferi che fanno ondeggiare sedie da giardino, cigolii assortiti e porte che sbattono, dettagli di piedi che percorrono corridoi o di mani che sfiorano usci, vecchie foto che sbucano da sotto qualche libro ammuffito, il tutto di notte e fra implacabili temporali.
Ma ci sono horror si serie B e horror di serie A. Tutto sta come declinare queste suggestioni, come confezionarle, usando o talora abusando della credulità dello spettatore. Stavolta è il cast a fare la differenza: non i soliti volti di sconosciuti, scritturati per imprese che, se non garantiscono la gloria, forniscono una buona prestazione lavorativa, ma volti importanti, legati ad attori di solida reputazione. La ragazza è Kate Hudson, doppia figlia d’arte (mamma Goldie Hawn e papà Kurt Russell), qui convincente nel primo ruolo complesso della sua giovane carriera, dopo una serie di commediole in cui tentava invano di fare il verso a mammà. Poi c’è la veterana Gena Rowlands che gli anni, più che il trucco, hanno reso adatta a far da megera indemoniata, e John Hurt, che riesce a imporre la sua presenza nonostante il suo copione preveda solo un tentativo di battuta a gola serrata. Più pleonastico Peter Sarsgaard qui decisamente a disagio. 

Alla casistica horror di cui sopra si unisce il cerimoniale vodoo con relativo tuffo nella più accreditata magia nera e un illogico finale – ma è lecito parlare di logica in un horror? – in cui due stregoni si calano non tanto docilmente in altrui corpi per assicurarsi a loro spese la sopravvivenza. 

Insomma un bel pasticcio, ma un pasticcio di buon livello che assicura i dovuti brividi, peraltro non eccessivi né imprevedibili.

RED LIGHTS

Guarda su Netflix

Diventata un’acida professoressa che vuole demolire le truffe e i truffatori nel campo del paranormale, Sigourney Weaver, batte il paese alla ricerca di falsi medium, veggenti fasulli e autentici ciarlatani. Un compito egregio per l’ex-eroina della saga di “Alien”. Gli è compagno d’avventure il giovane cervellone Cillian Murphy che si presta a farle da assistente e un po’ da lacchè. Tutto bene e alla grande, finchè il duo s’imbatte in un chiaroveggente cieco di grande fama che, al di là delle sue performances da baraccone, forse tanto fasullo non dovrebbe essere. Tanto è vero che nella dura contesa è la studiosa a lasciarci le penne. Dopo la sua morte c’è tutto un crescendo di conturbanti fenomeni che si fanno incandescenti quando la lotta si riduce a due, fra il l’orbo veggente – che forse potrebbe rivelarsi un abile impostore o forse no - e il giovane adepto, dotato di poteri paranormali a sua insaputa. 

Il film che era partito bene con la caccia alle truffe da parte dell’anzianotta Weaver perde rapidamente i colpi trasformandosi nell’ennesimo scontro parapsicologico con immancabili addentellati psicotici e decisi sconfinamenti nell’horror. Avventura strampalata, scritta e diretta nel 2012 dal regista catalano Rodrigo Cortes e coprodotta fra Catalogna e USA, che coinvolge due miti del cinema, Sigourney Weaver - ma, tutto sommato, se la cava dignitosamente - e Robert De Niro, che fa il sensitivo un po’ zombie, con gli occhi spenti grazie a due lenti e la stanca rassegnazione dell’attore che fu. 

Un film che non stupisce più di tanto e non coinvolge mai. Ma non manca chi ha definito “Red lights” un gran film che “stacca di netto la massa di thriller movie a buon mercato”. Bonta sua!

NASCOSTO NEL BUIO

Guarda su Netflix

Per la serie “recuperi” Netflix ci offre questo Robert De Niro d’annata (2005), strano pasticcio a metà fra il thriller e l’horror. De Niro è un angosciato papà che procura una nuova casa alla figlioletta che ha subito un forte trauma per la morte della madre suicidatasi. La casa è stata scelta a puntino da uno scenografo di film horror per disastrare ulteriormente la già fragile bambina: una villa enorme, misteriosa, gotica, al limite di un boscaglia con annessa grotta e laghetti, insomma una casa da incubo. E come prevedibile la bambina peggiora, sgranando i suoi occhi alla ricerca di un amico misterioso quanto inesistente che allevi le sue angosce. Ma i sintomi di morte e di sciagura non si arrestano: che la piccola sia ormai inguaribile, vittima di una psicosi che sta trasformandola in una creatura del male? E siamo a due terzi del film, occorre sbrigarsi. Ed ecco il cambio di rotta con relativa terribile “spiegazione”! Vi lasciamo volutamente nel buio: e se quell’ottimo papà non fosse quel bonaccione addormentato che abbiamo conosciuto finora? Il film è coinvolgente, la suspense non manca e la bimba – la piccola Dakota Fanning – non la dimenticheremo tanto facilmente. 

Robert De Niro fa il De Niro, puntuale, preciso come un orologio ma evidentemente superiore al ruolo assegnatogli, ormai evidentemente rassegnato a interpretare personaggi che non gli offrono granchè. Le altre figure sono tutte di contorto. Rimarchevole il cammeo di Amy Irving, ex-signora Spielberg. Per una sera d’estate un film così – già campione di incassi, specie negli Usa – può andare più che bene, è come un soffio di aria refrigerata, e non ci importa se abbia rubacchiato qua e là spunti, pretesti e immagini da almeno altri dieci film.

THE WARD

Guarda su Netflix

Difficile da collocare un regista come John Carpenter. Regista “di genere” o artista? Un po’ l’uno e l’altro, non ci sono - o non c’erano - strette suddivisioni di casta per generazione di registi USA degli Anni Cinquanta-Sessanta. Carpenter firmò alcune pellicole autoprodotte o quasi con pochi pochissimi soldi, che puntavano tutto sulla sua abilità di raccontare storie improbabili e di cui era autore, regista, montatore nonché musicista: i proto-horror di “Halloween” (1978) e “Fog” (1980), a cui seguirono il film post-atomico “1997: Fuga da New York” (1981) che fu il suo saggio d’ingresso nel grande cinema, quello con tanti soldi a disposizione. Seguirono altre pietre miliari del “genere”, come “Christine, la macchina infernale” (1983), ecc. 

Scomparso o quasi per qualche anno, è risorto nel 2010 con questo horror abbastanza singolare, dove si può respirare la tensione morbosa del “genere” ma tutt’altro che decifrata in modo sbrigativo, come nei film di serie B. Un ambiente – un ospedale psichiatrico? – che raccoglie ragazze con seri problemi comportamentali, una protagonista bella e indomita che tenta ripetutamente la fuga, il tutto risolto con la sorpresa di un finale a base di imprevedibili e arzigogolate spiegazioni psicanalitiche che ci guarderemo bene dal raccontare. In qualche modo un classico dell’horror con pochi ambienti – sostanzialmente uno – e pochi personaggi, in primo luogo la bionda e affascinante Amber Heard, abbastanza brava, che porta su di sé tutto il peso del racconto. Bravo Carpenter che sa come si costruisce un horror, senza bisogno di strafare ma senza rinunciare agli immancabili “effetti” che lo spettatore si attende, compresa l’immancabile apparizione orripilante come da copione. 

John Carpenter, che ha profondamente influenzato il cinema dei Tarantino, dei Rodriguez, dei Guillelmo Del Toro, è un esempio e un simbolo per il cinema indipendente e quella “di genere”, un cinema “povero”, minimalista nella fotografia e nell’illuminazione. Ma questo suo ultimo parto, pur se pregevole sotto molti aspetti, non sembra aver raggiunto il risultato sperato per il suo rilancio.

CREEP

Guarda su Netflix

Uno dei meriti non indifferenti del catalogo Netflix è quello di proporre, oltre a serie tv e film esemplari, dei materiali cinematografici che raramente avremmo la possibilità di vedere in altri circuiti, se non “fuori concorso” in qualche rassegna minore. “Creep” è uno di questi, tutti ripreso “in soggettiva” - si diceva una volta - cioè con la cinepresa guidata da un operatore che segue dal vivo una porzione di realtà registrandola senza lenocini formali, almeno apparenti. Ci narra, o meglio ci fa assistere a una giornata di ripresa commissionata ad un operatore da uno sconosciuto committente. E per la prima mezz’ora abbondante l’operatore ingaggiato esegue l’incarico di questo singolare individuo che, a un passo dalla morte per tumore, vuole fissare le ultime immagini patetiche e sorridenti di se stesso come messaggio al figlio nascituro che non potrà mai conoscere. Davanti all’occhio della telecamera il nostro Josif improvvisa e si confessa (una sconvolgente prova d’attore) e dell’operatore si fa amico, sino a confessare e fargli rivelare le più intime debolezze. E’ di gran lunga la cosa più bella del film questa giornata di riprese “improvvisate” fra la villetta di montagna e la campagna sassosa, la cascatella a forma di cuore, le corse e le rincorse. 

Ma a metà inoltrata il film cambia registro. Una telefonata di una donna rivela all’operatore che il suo gentile committente è in realtà un individuo pericoloso, ha simulato una vita e una storia che non esiste. Sempre sotto l’occhio impassibile della telecamera, via via piazzata e abbandonata in vari angoli dell’abitazione, Aaron l’operatore diventa lui stesso un personaggio della storia cercando di sottrarsi a questa oscura quanto incomprensibile minaccia, anzi persecuzione. La storia avrà un esito sconvolgente che non riveliamo ma che comunque fa rientrare il film nel novero degli horror o dei thriller che dir si voglia. Peccato, perché l’impostazione poteva promettere anche di meglio. 

Comunque è assodato che questa e simili esperienze, provvidenzialmente offerte da Netflix, dilatino lo stesso concetto di cinema che ci siamo fatti sino ad oggi. Oltre ai macroscopici colossal e ai centoni di effetti virtuali, il cinema – anche grazie all’evoluzione della tecnologia – può prometterci e offrirci altro.

IL NASCONDIGLIO DEL DIAVOLO - THE CAVE

Guarda su Netflix

Preambolo inutile per presentarci un gruppo di cercatori di tesori che incappa in un vecchio monastero sui Carpazi, in Romania, vi penetra, si dà da fare, fa crollare un pavimento e scompare nell’abisso sottostante. Dopodiché si passa all’azione successiva che con il preambolo c’entra molto poco. Una squadra di ricercatori, messi sull’avviso da alcuni ritrovamenti, si assume il compito di esplorare la cavità sotterranea che sembra collegare la grotta al mare, si arma di bombole e accessori, esplora e rimane prigioniera nel vastissimo e articolato sistema di grotte sottomarine, le esplora in lungo e in largo per trovare una via d’uscita alternativa, s’insinua fra roccia e roccia, compie mirabolanti imprese subacquee offrendoci un’orgia di immagini azzurre. 

Ma la tensione non cresce e invece cresce la noia. E allora che fa questo film girato fra Romania e Messico? Rinuncia alla denominazione di thriller per assumere quella di horror. Nelle interminabili quanto monotone grotte sottomarine i nostri eroi incappano in una serie di strani mostri, un mix fra orridi vampiri e creature tipo “Alien”, che minacciano i nostri eroi a ogni pie’ sospinto. Crescono i pericoli, gli agguati di questi alieni sottomarini e la ricerca di una via d’uscita si fa spasmodica. Solo dopo due ore riusciremo a “riveder le stelle” - per dirla col Poeta – e leggere l’agognata parola fine. 

Insomma un pastiche fra tentazioni archeologiche presto deluse, spedizioni subacquee, agguati di mostri alieni. E tutto questo senza riuscire ad evitare una sostanziale noia. Gli attori, oltre a nuotare con bombole o senza, fanno quello che possono.

RIFLESSI DI PAURA

Guarda su Netflix

Sfuggito alle insidie terroristiche della fortunata serie “24”, Kiefer Sutherland incappa in un lavoro che sembrerebbe prospettarsi di tutto comodo: il guardiano notturno di un grande palazzo semicombusto che ospitava un elegante “grande magazzino” e ora popolato da manichini divenuti sagome terrificanti (dieci allo scenografo che ha creato quest’incubo di rara efficacia, realizzato a mestiere in Romania, utilizzando l’incompiuto palazzo dell’Accademia delle Scienze di Bucarest). 

Mai fidarsi dei lavori comodi, perché gli specchi di cui è gremito il mastodontico rudere, si trasformano per Kiefer in spaventosi tranelli, raddoppiando le presenze di chi vi si specchia e creando dei “doppioni” assassini. Non solo, ma dalla sede dell’emporio la minaccia si trasferisce, sempre per mezzo degli specchi, anche nell’abitazione della famigliola del guardiano minacciando moglie e figlioletti di morti atroce quanto sofisticate. L’incubo spunta all’improvviso e si affaccia lentamente durante le visite notturne del custode, per poi deflagrare in un’esplosione terrificante di risa, pianti, apparizioni, effetti ed effettacci. Non per nulla parliamo di horror, un horror che – come da copione - non ci risparmia facce orripilanti, corpi ustionati e tutto il prevedibile o imprevedibile armamentario. La storia s’ingarbuglia: una vecchietta, prelevata dal suo rifugio nascosto, dovrebbe metter fine alla ridda e invece ne provoca la deflagrazione finale. E il povero Kiefer sfugge in extremis alla distruzione definitiva con relativi crolli a catena. O forse non vi sfugge?
Cosa dire sul film? Un horror è un horror e c’è poco da prevedere o eccepire. In questo caso è anche un horror del 2008 copiato da un precedente sudcoreano del 2003, scusate se è poco. Sutherland figlio fa quello che può per guadagnarsi il cachet, e così la bella Paula Patton che interpreta sua moglie.

THE PRESENCE

 

Guarda su Netflix

“Die praesenz”  rischia di essere il film più film o meno film che abbia visto da qualche anno a questa parte. Immaginate tre ragazzi che vivono per otto giorni in un castello che si ritiene abitato da misteriose presenze e che cercano di documentare la loro “orribile” vacanza con riprese “fai da te”, realizzate con una piccola telecamera adoperata a turno da uno dei tre, che di notte viene piazzata su un supporto perchè possa continuare a registrare quanto accada. Ma la telecamera fa quello che può, nei limiti del suo obbiettivo, senza alcun impiego di luci se non una modesta torcia, e le immagini peccano per scarsissima definizione, perdono tutto il croma quando tentano di leggere il buio, sono soggette a frequenti interferenze, scrosci, interruzioni e quant’altro. 

L’intento – lo si è detto – sarebbe quello di documentare “la presenza” di un’entità, di un fantasma, di un poltergeist, chiamatelo come volete. Ma finisce per documentare unicamente la loro paura, il crescere di una suggestione che diventa psicosi e che, come oggettive pezze d’appoggio, non ha che una serie di tonfi, di grida, di frastuoni crescenti o al massimo qualche porta che sbatte. E il timore diventa terrore, la paura diventa psicosi. La telecamera impazzisce anch’essa e documenta, ma solo a tratti, il volto della ragazza diventato la prova di un incubo. Alla fine una didascalia ci informerà che, assieme al contenuto della telecamera, nel castello è stato rinvenuto il cadavere di uno dei tre mentre la ragazza è stata ritrovata mentre girava impazzita nella brughiera. 

Sconcertanti e irritanti le immagini povere e disturbate della telecamera che ci inseguono e perseguitano per un’ora e ventidue, coinvolgendoci nel gioco. Assente ogni commento musicale e dialogo ridotto a monconi di battute. Un film o una burla? A suo modo un film. Ne è autore e regista Daniele Greco, che ha intrapreso un giro per la Germania, sponsorizzato da Facebook, per reperire i soldi necessari per l’ambiziosa operazione.

L'EVOCAZIONE

Guarda su Netflix

Se avete voglia di terrore, ma di quello doc, senza gli eccessivi spargimenti di sangue del filone “splatter” e senza le variazioni vagamente umoristiche di Wes Craven e Sam Raimi, questo film fa al caso vostro. La storia vera – così viene asserito – di una casa e di una famiglia infestata da presenze diaboliche e salvata dall’intervento di un coppia di esorcisti laici nonché esperti acchiappa-fantasmi, il tutto documentato da una serie di foto, relegate nei titoli di coda, che ci mostrano gli autentici luoghi del sinistro, le vittime della congiura diabolica e i veri protagonisti – Ed e Lorraine Warren, già implicati in altre vicende “soprannaturali” divenute poi film, come “Amityville Horror” e “The Haunting in Connecticut”, – ritagli stampa e altri documenti a suffragio dell’autenticità della vicenda. 

Che del resto è singolare, forse un po’ “deja vue”, ma di zeppa di terrificanti irruzioni: casa vetusta sulla sponda di un lago, con porte che si aprono e chiudono da sole, poltergeist, pavimenti che si sprofondano, cunicoli segreti che si nascondono sotto ogni asse del pavimento o anta d’armadio. Ma non basta: sagome che appaiono, fantasmi che fanno cucù, entità che s’impossessano della padrona di casa e la trasformano in una furia, bambini vessati dalle medesime entità in libera uscita. La stessa coppia dei ricercatori del paranormale, esorcisti laici, si trova a mal partito e rischia addirittura di perdere il controllo della situazione.

Questo “horror soprannaturale”, ambientato nel 1971 nel New England, e diretto da James Wan, australiano d’origine malese, che si richiama manifestamente al cinema horror degli anni Settanta, è stato accolto da un ottimo riscontro sia di critica che di pubblico.. Costato circa venti milioni di dollari, ne ha incassati più di trecento.