LA FESTA DELLE FIDANZATE

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San Valentino non perdona!
Bob Odenkirk ha una storia curiosa: buona carriera alle spalle come sceneggiatore – anche il mitico “Saturday night live” nel suo carniere - e inventore-conduttore di programmi, poi con la serie “Breaking Bad”, dove interpreta l’avvocato azzeccagarbugli e fanfarone, nonché, come si suol dire, rotto a tutto, “sfonda alla grande” e il suo personaggio è di quelli che si fanno ricordare. Pago del successo ma non domo si produce in un prequel che racconta l’educazione sentimentale del nostro avvocato: “Better call Saul”, due serie già diffuse, abbastanza divertenti, e terza già annunciata. 

Netflix ora si presenta con un film ambizioso, prodotto da lui stesso e targato 2017, “La festa delle fidanzate”, su uno scrittore disoccupato, esperto in bigliettini d’auguri sanvalentiniani che, invischiato in un complotto omicida, per uscirne vivo deve creare il biglietto augurale perfetto. Incompreso, un po’ cialtrone ma senza la sua solita verve comico-grottesca, il personaggio di Bob Odenkirk si aggira fra malavitosi e bigliettini rosa portando a spasso per settanta minuti una faccia costantemente funerea con un’espressione che non cambia mai. 

Un film che – sulla carta, forse – vorrebbe essere un “grottesco” ma non lo è. La storia, in realtà un po’ futile, non scatta e non si capisce se la confezione voglia essere patinata ad uso dei critici o sia semplicemente e volontariamente trasandata. Insomma se non un infortunio certo una battuta d’arresto nella storia dell’avvocato cialtrone che ci aveva fatto – e che si spera ci farà – sinceramente divertire.

DERAILED - ATTRAZIONE LETALE

 

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Uno di quei thriller – come si diceva una volta – “fatti a mestiere”. Con i buoni un po’ ingenui e fresconi che si fanno irretire dalla prima prospettiva di un’appetitosa avventuretta e i cattivi che più cattivi non si può.
Clive Owen è un buon padre di famiglia tutto casa e ufficio. Ma sul treno che quotidianamente lo conduce al lavoro incontra la fascinosa Jennifer Aniston e prima o poi è destinato a cedere al suo fascino, peraltro dispensato con il doveroso ritegno. Raggiungono un’alcova provvisoria, da squallido romanzetto borghese, ma nel momento culminante dell’amplesso irrompe il violento, cattivissimo Vincent Cassell che, dopo aver malmenato l’uomo e stuprato la donna, sottopone il primo a una serie di progressivi e crescenti ricatti monetari. 

Lui ci prova a sottrarvisi ma non vuol creare fastidi alla compagna d’avventure e poi il cattivo è scatenato e senza scrupoli e, nonostante Owen sia quel pezzo d’uomo che sappiamo, non può sfuggire alle ripetute minacce con relativi pestaggi. Poi il rovesciamento inaspettato, che evitiamo di raccontare per non deludere i pochi che non avessero visto questo film del 2005. E che volessero vederlo. 
Ne vale la pena, perché il film è ben costruito, dosa ma non risparmia emozioni, è sufficientemente violento, la Aniston “se la tira” ma funziona, Owen è un po’ fuori parte e Cassel è più che bravo, come al solito.

DRUNKEN MASTER II

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Nella Cina che fu, in anni di dominio inglese, mentre i poveri danno l’assalto a un treno sovraccarico, un medico, accompagnato da suo figlio e da un servo, si trova coinvolto in una rissa attorno a un pacco misterioso che in realtà cela un antico sigillo. Dopodichè dei pacchi misteriosi, degli antichi sigilli e dei medici cinesi non ce ne importa più niente perché il nostro interesse, o meglio la nostra spasmodica attenzione, viene totalizzato dalle acrobazie del figliolo che interpreta le arti marziali come fossero un gioco terribile e delizioso insieme. 

Quel figliolo scatenato, per chi non lo avesse capito, è Jackie Chan in una delle sue grandi interpretazioni d’annata, coadiuvato stavolta dall’estro comico della fanciulla che gli fa da madre e da una schiera di agguerriti combattenti che gli si catapultano contro. Il film, “The legend od Drunken Master” (1994) , in realtà sequel del film del 1978 che aveva rivelato le virtù comico-atletiche e lo stile caratteristici che lo renderanno famoso; Jackie, è formalmente corretto, con tante comparse e tanti ambienti ben ricostruiti, ma è sostanzialmente una pedana per i lanci acrobatici dell’atleta comico di Hong Kong, qui in stato di grazia, ancora non ammaccato come da qualche anno a questa parte. Jakie Chan che affronta schiere di nemici con la sua solita ironia, fingendosi terrorizzato e inseguito mentre l’ammazzasette è proprio lui. Che dire di più? Un godimento di due orette, irrepetibile quanto soddisfacente.
Le arti marziali sancirono la loro affermazione ufficiale nel cinema con la meteora Bruce Lee che cancellò tutta una tradizione di sfide a mani nude e ad armi pari, a cazzotti o al colpi di pistola introducendo la curiosa strana liturgia del kung-fu. Da allora quel modo rigoroso e insieme scenografico di combattere ha influenzato anche indirettamente tutte le sfide cinematografiche e addirittura tutto il cinema d’azione: inutile fare citazioni.

A questo universo “marziale” Jackie Chan ha aggiunto sin dal suo apparire la decisa variazione comica. Non l’atleta marziale che offende e distrugge l’avversario ma qualcuno che si difende in modo furbesco tentando di sottrarglisi e in questa sua buffa difesa sprigiona energia, invenzione, acrobatismo. Unendosi talora in sodalizio con attori occidentali, unendo Hong Kong a Hollywood, Jackie Chan ha inventato un genere. I suoi scontri sono invenzioni, balletti, giochi dove la violenza si nasconde dietro lo sberleffo.

IL DRAGO DEL LAGO DI FUOCO

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Una fiaba, una lunga, articolata, un po’ cervellotica fiaba di quelle costruite come una serie di peripezie attorno a un giovane personaggio, nata con i fratelli Grimm o forse prima ancora e prolungatasi sin oltre sino la saga di “Harry Potter”, ma altrettanto fornita di accessori magici: la leggenda di San Giorgio trascritta in termini fiabeschi, con il grande drago sputafuoco in attesa di essere rifornito – mediante periodica estrazione a sorte - di tenere commestibili fanciulle e Galen, giovane apprendista stregone, che cerca di neutralizzarne i malefici poteri per porre fine all’eccidio di verginelle. 

Un film prodotto dalla Disney nel 1981, in un’epoca per noi un po’ remota in cui si potevano ancora infliggere ai minori storie sanguinolente e un po’ orrifiche, ben lontane dall’attuale polically correct o buonismo che dir si voglia, secondo l’accezione preferita. Un film che precorre il genere fantasy anticipandone tutti gli elementi meno uno, dato che non si è entrati in pieno nell’era digitale con i relativi effetti, e quindi il mondo fantastico viene rievocato sostanzialmente solo a base di apparati scenografici, modellini ed effetti spesso costruiti con sapienza artigianale. Anche se - forse per la prima volta – qui si fa uso del sistema go-motion creato da Geoge Lucas. 

Forse proprio per questa... “limitatezza digitale” la fantasia può ancora prendere le distanze dalla meccanica e straordinaria molteplicità d’invenzione che apparenta i nuovi film ad altrettanti videogiochi. Scenografie fantastiche ma identificabili roccia per roccia, lago per lago. Lotte, duelli e competizioni violente ma con uso limitatissimo di superpoteri, niente balzi e voli facilitati dal computer. Ragion per cui, rivisto oggi, le invenzioni di allora non sono sufficienti a eliminare un modesto tasso di noia.

THE WOMAN IN BLACK

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Harry Potter fa il suo ingresso ufficiale nell’età adulta con questo film del 2012 che lo vede non solo protagonista ma gestore unico della vicenda, eccezion fatta per le apparizioni spettrali, centellinate ma “da urlo”, che il nostro incontra nella casa maledetta. Il tutto ritratto secondo la collaudata tradizione del cinema inglese e in particolare della Hammer, produttrice storica degli orrori made in Britain.
Esaurite queste considerazioni iniziali veniamo alla storia, tratta da un romanzo gotico di Susan Hill. Kipps è un giovane avvocato, moglie defunta e figlioletto amatissimo, che riceve dal suo burbero principale l’incarico di vagliare le carte di un’ereditiera scomparsa. E capita in questo paese ai confini del mondo, in una casa isolata dalle maree che periodicamente invadono la strada di collegamento con il mondo - si fa per dire – civile, dato che il paese è pieno di gente che ostile che imputa alla casa maledetta la morte prematura e periodica dei propri figli. E nella casa , un vecchia casa arredata con un gusto scenografico sapiente, quale solo gli inglesi sanno usare quando si tratti di resuscitare ambientazioni e atmosfere del passato - il giovane incontra o si scontra con strane presenze, centellinate dal regista ma sottolineate con inquadrature ed effetti sonori sconvolgenti e adrenalinici. 

Storia lugubre e tristissima e finale ancor più triste. Ma il film, pur soggiacendo alle regole dell’horror, è ben fatto e il nostro Harry Potter, al secolo Daniel Radcliffe – condannato ancora una volta ad aver a che fare con magie e strane presenze - se la cava con dignità. Dimenticavo di citare l’allucinante sequenza introduttiva con il suicidio cumulativo delle tre fanciullone stile Kubrick.

IMPIEGATO DEL MESE

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E’ una delle più belle e malefiche invenzioni della cosiddetta società dei consumi, made in Usa e modicamente importata soprattutto nelle filiali europee delle imprese statunitensi: ogni mese l’impiegato che si è dato più da fare meritandosi la riconoscenza dei superiori viene gratificato con un bella foto a colori affissa in mostra all’ingresso o nella hall di istituzioni commerciali. E ricomincia la gara per meritarsi simile onore, probabilmente corredato da gratifiche, nel mese che segue. Come succede ai secchioni e ai primi della classe, l’impiegato del mese, quasi sempre viscido e lecchino, viene vezzeggiato dai superiori e disprezzato dai colleghi, con tutte le prevedibili situazioni quotidiane, facilmente immaginabili anche se lo sceneggiatore non vola alto. 

La lunga introduzione per commentare un film che forse non ne avrebbe bisogno. Quando ci si basa su una storia prevedibile con finale ultraprevedibile, si allineano tipi buffi, cioè le cosiddette macchiette, si esibiscono come protagonisti un volonteroso belloccio e una bella fanciulla possibilmente bionda il film è già fatto, ma può venirne fuori sia una commedia divertente e sufficientemente comica che una commedia decisamente scema e già vista infinite volte. 

“L’impiegato del mese” si ferma a mezza strada ottenendo la sufficienza: in fondo diverte “qb”– come dicono i bugiardini delle medicine – cioè “quanto basta”.

IL DIVO

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Sono incappato nel più brutto film visto da molti anni a questa parte, “Il divo”.
Una lunga passerella pseudopolitica per quegli attenti lettori di quotidiani che da un titolo sanno risalire a dei fatti che qui non vengono raccontati ma solo brevemente illustrati da lambiccate inquadrature pletoriche e pretenziosamente “artistiche”. 

Fra tanti volti di politici siglati da apposite didascalie, degni di figurare in un “album Panini”, si aggira, mummia vivente, una squallida imitazione del compianto Oreste Lionello, già arguto imitatore di Andreotti. La nuova performance di Toni Servillo non raggiunge gli scarsi e deprecabili livelli dell’attuale Bagaglino. 

La chiave polemica di tutto il film è validamente riassunta nei tre minuti nei quali uno uno Scalari, interpretato – stavolta validamente - dal bravo Giulio Borsetti, intervista Andreotti sulle eccessive casuali coincidenze della sua storia politica. Quei pochi minuti sono un valido “cortometraggio” che rendono superfluo ed ermetico il lungo logorroico trascinarsi di inquadrature cupe, notturne, funeree, che forse aspirerebbero al grottesco, nelle quali si aggira la macchietta-mummia-mostro del sedicente Andreotti.
C’è poi uno sbaglio di fondo: il “cattivo” non deve essere necessariamente “brutto”. Il cosiddetto potere “diabolico” di Andreotti non risiede certo – o meglio risiedeva - in una diabolico orripilanza fisico-psicologica ma, al contrario, in un mellifluo potere di seduzione. Chi l’ha detto che il pifferaio di Hamelin deve essere un mostro? Chi ha accostato almeno uno volta il senatore sa quanto l’uomo potesse essere “ammaliatore”: forse in questo risiedeva la sua pericolosità. 

Dunque un film, brutto, sbagliato, insopportabile, noioso, inutile, politicamente sbagliato quanto “politically correct”. Consigliamo a Sorrentino una cura intensiva di Oliver Stone, o qualche endovena di Francesco Rosi. Cura da estendersi all’inclita critica. 

P.S. Rileggo questa mia minirecensione scritta di getto nel lontano 2008, dopo aver visto "Il divo" e prima che Sorrentino divenisse uno dei padri della patria. Non volli e non voglio infierire occupandomi dei successivi "capolavori", ma come diceva quel tale film attendo che un bambino innocente, passando dalle sue parte, possa ammettere “Il re è nudo!!!”

PREMONITION

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Il vasto carniere di Netflix mi consente il recupero di un film del 2007, che in realtà sembra più un episodio del vecchio “Ai confini della realtà” o del nuovo “Black Mirror”. Ma come si diceva una volta, “i maiali sono stati messi all’ingrasso”, in altre parole uno spunto in grado di sostenere i soliti quaranta minuti è stato dilatato per raggiungere impunemente l’entità e la solidità di un normale lungometraggio.

Lo spunto è costituito da una serie di premonizioni che cadono sulla testa di un gentile madre di famiglia, con marito e due figliolette a carico affettivo. Un lugubre sceriffo viene ad annunciare alla donna la morte del marito a seguito di un pauroso incidente stradale. Disperazione. Ma al successivo risveglio mattutino la donna trova che suo marito è vivo e vegeto. Successivo risveglio mattutino e ci troviamo in piena veglia funebre. E così via, avanti e indietro fra previsione della realtà e realtà effettuale (ma quali delle due realtà è veramente ... reale?) finché i fili s’intrecciano e la donna si trova ad essere partecipe o forse causa della sciagura. 

Il film si regge tutto sulla carica “presenzialista” di Sandra Bullock che si è fatta scrivere un film su misura dove giocare la sua carica drammatica. Brava e carismatica senza dubbio, anche se rischia di voler fare ad ogni costo l’asso piglia tutto riducendo a zero o quasi i comprimari. Ridotto a 45 minuti il film sarebbe perfetto, ma allora avremmo avuto solo un episodio per una delle serie di cui si è detto.

FAUDA

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Il panorama delle produzioni seriali sta ampliando l’orizzonte produttivo più di quanto abbia fatto il cinema. E in questo la filosofia di Netflix sta ottenendo notevoli risultati. Valgano per tutti le serie di fabbricazione brasiliana di “Narcos” che, oltre a rivelare attori autoctoni, hanno introdotto e promosso un nuovo modo di narrare, ispirato alla realtà ma non ridotto tout court a “storiella” secondo le regole dell’affabulazione tv. Ma è anche il caso di realizzazioni made in Israele che non a caso, come “Homeland”, “Hostages” e altri, sono state puntualmente “rifatte” dalla tv statunitense. 

Ed ora questo “Fauda” – il termine arabo significa caos - che dei purtroppo incombenti e onnipresenti conflitti israelo-palestinesi fa materia di severo, allucinante racconto televisivo. Ed è un racconto concitato, aspro, violento, con personaggi inediti e attori antidivi per eccellenza. Gli uomini delle squadre speciali del Mossad e i terroristi arabi di Hamas si confondono in modo quasi indistinguibile per l’odio reciproco e la mancanza di scrupoli che entrambi condividono e per le azioni violente quanto immotivate che in fondo si assomigliano: valgano a macabra esempio l’eccidio perpetrato durante il matrimonio arabo e le successiva rappresaglia terroristica messa in atto dalla moglie della vittima. 

La serie mette sotto accusa con severità entrambi i fronti. Altro suo merito innegabile è il realismo delle location e degli ambienti, promosso anche dall’uso frequente della lingua araba. Insomma le serie tv ci aiutano ogni giorno di più a prendere le distanze da un vecchio standard romanzesco quanto retorico di narrare in generale l’azione e in particolare i conflitti etnici, un tempo con attori “ariani” truccati da asiatici, indiani o altro, ed oggi mettendo a frutto - ahimè! - il terribile insegnamento della cronaca. Che è sempre meno “cinematografica” ed entusiasmante. Non uso il termine “realismo” perché una rappresentazione cinematografica o televisiva è sempre “racconto”, quindi “mediazione”.

L'UOMO NELL'OMBRA

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Scrittore Fantasma, in inglese “Ghost writer”, che il distributore italiano traduce nel più equivoco “L’uomo nell’ombra” (2010). Traendo materia da un romanzo di Robert Harris, Polanski si riaccosta in certo senso a quell’atmosfera di conturbante e indefinibile mistero che era al centro del suo film più fortunato, “Rosemary’s baby”. Un giovane ma già esperto “scrittore fantasma” viene incaricato di redigere la biografia di Adam Lang, navigato uomo politico. Si accosta al suo lavoro con la curiosità dello zelante ricercatore ma scopre via via strani indizi che sembrano condurlo verso la scoperta di un verità scomoda. Verità che, in definitiva, gli verrà impedito di rivelare, come avviene per il novanta per cento delle verità scomode. 

La pellicola cammina sulle spalle di questo personaggio coraggioso, animato da un’inquietudine profonda - o chiamiamola ansia di scoprire - spinto sulle tracce di una vita celebrata dalla pubblica fama ma tutt’altro che esemplare e degna di rispetto, dato che sulla testa del personaggio sembrano pendere addirittura un’accusa per crimini di guerra e torture. E insieme è la scoperta dell’imprevedibile “nido di vipere” e di corresponsabili che circonda il suo celebrato ma equivoco politico. Cosa spinge questo personaggio timido e inquieto, che Ewan Mac Gregor interpreta con eccezionale bravura, a non accontentarsi delle facili verità, violando l’immagine ufficiale officiata dalla stampa benevola? 

Il film, costruito con quella padronanza del mezzo che a Polanski è doveroso riconoscere, avvolge lo spettatore in spire lente, che crescono piano piano, tuffando il nostro “eroe” in un’atmosfera malsana che il mare livido e le spiagge aride dell’isola di Martha’s Vineyard nel Massachussetts, in cui la storia è ambientata, non riescono a dissipare. Un buon film premiato da numerosi Premi internazionali.