L'ONDA

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In un liceo tedesco neanche tanto male – scolaresca ben educata e abbastanza tranquilla – un insegnante, che è anche l’istruttore di palla-nuoto, riunisce un gruppo di ragazzi per una settimana a tema. Il tema è l’autocrazia. L’insegnante, molto motivato, vuole dimostrare alla sua classe come nascono le strutture sociali autoritarie e impegna i ragazzi in un lavoro in comune e inizia una sorta di lenta “educazione sentimentale” cominciando con lo spiegare cosa è un gruppo: la scelta democratica di un nome poi la creazione di un logo, l’adozione della camicia bianca come segno distintivo, un saluto caratteristico, in breve l’orgoglio di appartenenza a un gruppo ben individuato. Progressivamente questo senso di appartenenza si fa più forte e si trasforma nella volontà di distinguersi dagli altri, di consolidare la propria identità, magari stampigliando e seminando il proprio logo in ogni sito possibile. Dal senso esclusivo di appartenenza si sviluppa via via l’insofferenza verso gli altri, poi l’insofferenza diventa intolleranza, sino a sfociare in violenza. E il buon professore, che all’inizio della settimana di era dimostrato solo una volonteroso animatore, assume lentamente e inconsapevolmente, ad onta delle sue scarse volontà e capacità leaderistiche, le caratteristiche e la funzione del capo autoritario, del dittatore. Il tutto riassunto nel corso di una assurda settimana, anche se in realtà si tratta di un processo più lungo qui costretto in sette giorni a fini didascalici. 

Non c’è bisogno che spieghi l’evidente metafora, condotta attraverso il gioco sottile di un plagio che in buona parte è anche un “autoplagio”. Il gioco travolge chi lo ha condotto ma chi è involontariamente cade nella trappola, Un processo che si è svolge senza colpe e senza responsabilità. Il film è sapiente, punta soprattutto sui dialoghi e sulla parola, senza episodi cruenti, e per questo il gioco appare più perverso. In qualche senso potremmo definirlo il corrispettivo de “L’attimo fuggente”, con un docente che, sia pure a fin di bene, plagia i suoi allievi. Evidentemente le giovani generazioni tedesche vogliono riflettere ancora sul passato ma in modo diverso, penetrando nei meandri di quella lunga involontaria – incolpevole? - seduzione che ha visto la nascita del nazismo.
Mai declamatorio né banalmente retorico ma decisamente pedagogico, narrato in modo piano, senza lenocini formali, il film ha una storia piuttosto lunga e complessa: nasce da un gioco di ruolo condotto sperimentalmente in una scuola californiana nel 1967, poi diventa un romanzo a firma del tedesco Todd Strasser e da ultimo questo film del 2008 diretto da Dennis Gansel. Tutti convincenti gli attori, a cominciare da Jurgen Vogel, il professore-allenatore.

IL NASCONDIGLIO DEL DIAVOLO - THE CAVE

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Preambolo inutile per presentarci un gruppo di cercatori di tesori che incappa in un vecchio monastero sui Carpazi, in Romania, vi penetra, si dà da fare, fa crollare un pavimento e scompare nell’abisso sottostante. Dopodiché si passa all’azione successiva che con il preambolo c’entra molto poco. Una squadra di ricercatori, messi sull’avviso da alcuni ritrovamenti, si assume il compito di esplorare la cavità sotterranea che sembra collegare la grotta al mare, si arma di bombole e accessori, esplora e rimane prigioniera nel vastissimo e articolato sistema di grotte sottomarine, le esplora in lungo e in largo per trovare una via d’uscita alternativa, s’insinua fra roccia e roccia, compie mirabolanti imprese subacquee offrendoci un’orgia di immagini azzurre. 

Ma la tensione non cresce e invece cresce la noia. E allora che fa questo film girato fra Romania e Messico? Rinuncia alla denominazione di thriller per assumere quella di horror. Nelle interminabili quanto monotone grotte sottomarine i nostri eroi incappano in una serie di strani mostri, un mix fra orridi vampiri e creature tipo “Alien”, che minacciano i nostri eroi a ogni pie’ sospinto. Crescono i pericoli, gli agguati di questi alieni sottomarini e la ricerca di una via d’uscita si fa spasmodica. Solo dopo due ore riusciremo a “riveder le stelle” - per dirla col Poeta – e leggere l’agognata parola fine. 

Insomma un pastiche fra tentazioni archeologiche presto deluse, spedizioni subacquee, agguati di mostri alieni. E tutto questo senza riuscire ad evitare una sostanziale noia. Gli attori, oltre a nuotare con bombole o senza, fanno quello che possono.

RIFLESSI DI PAURA

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Sfuggito alle insidie terroristiche della fortunata serie “24”, Kiefer Sutherland incappa in un lavoro che sembrerebbe prospettarsi di tutto comodo: il guardiano notturno di un grande palazzo semicombusto che ospitava un elegante “grande magazzino” e ora popolato da manichini divenuti sagome terrificanti (dieci allo scenografo che ha creato quest’incubo di rara efficacia, realizzato a mestiere in Romania, utilizzando l’incompiuto palazzo dell’Accademia delle Scienze di Bucarest). 

Mai fidarsi dei lavori comodi, perché gli specchi di cui è gremito il mastodontico rudere, si trasformano per Kiefer in spaventosi tranelli, raddoppiando le presenze di chi vi si specchia e creando dei “doppioni” assassini. Non solo, ma dalla sede dell’emporio la minaccia si trasferisce, sempre per mezzo degli specchi, anche nell’abitazione della famigliola del guardiano minacciando moglie e figlioletti di morti atroce quanto sofisticate. L’incubo spunta all’improvviso e si affaccia lentamente durante le visite notturne del custode, per poi deflagrare in un’esplosione terrificante di risa, pianti, apparizioni, effetti ed effettacci. Non per nulla parliamo di horror, un horror che – come da copione - non ci risparmia facce orripilanti, corpi ustionati e tutto il prevedibile o imprevedibile armamentario. La storia s’ingarbuglia: una vecchietta, prelevata dal suo rifugio nascosto, dovrebbe metter fine alla ridda e invece ne provoca la deflagrazione finale. E il povero Kiefer sfugge in extremis alla distruzione definitiva con relativi crolli a catena. O forse non vi sfugge?
Cosa dire sul film? Un horror è un horror e c’è poco da prevedere o eccepire. In questo caso è anche un horror del 2008 copiato da un precedente sudcoreano del 2003, scusate se è poco. Sutherland figlio fa quello che può per guadagnarsi il cachet, e così la bella Paula Patton che interpreta sua moglie.

NO GOOD DEED

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Idris Elba, il nerboruto attore afro-britannico, in temporanea vacanza dalla serie “Luther”, riempie con la sua presenza questo ennesimo film della “camera chiusa”. E cioè: un violento assassino, evaso dal cellulare che lo riparta in carcere dopo l’udienza per la concessione della libertà provvisoria, negatagli da un giudice avveduto si rifugia nottetempo nella villetta di una gentile signora con due figlioletti a carico – una bambina e un poppante -. La donna pecca d’ingenuità e lo accoglie credendolo un innocuo reduce da un incidente, ma cresce la tensione, il delinquente si libera da una donna invadente e ingombrante venuta a consolare l’amica in parziale crisi matrimoniale, e quando l’ospite si accorge del fatale errore commesso è ormai troppo tardi. E l’evaso impazza da bravo psicopatico. 

Due ore di tensione, ma di quella vera, di prima qualità, anche se lo spunto non è proprio originale. Vi sarà anche un risvolto finale che non denunciamo. Stereotipi un po’ abusati ma meccanismi collaudatissimi, la cui scrittura sembra ricalcare fedelmente i classici del genere, da “Panic Room” di David Fincher a “24 Ore” di Luis Madoki, nei quali la trama di una vendetta domestica si risolve nel prevedibile meccanismo di una trappola per topi. Come thriller niente da eccepire, la presenza di Idris è magnetica, la suspense ben dosata, Taraji P.Henson non sarà una gran bellezza ma si difende bene, e i due bimbi sballottati nei vari tentativi con i quali la donna tenta di sottrarsi al suo persecutore aggiungono – come facilmente prevedibile - tensione alla tensione.

THE PRESENCE

 

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“Die praesenz”  rischia di essere il film più film o meno film che abbia visto da qualche anno a questa parte. Immaginate tre ragazzi che vivono per otto giorni in un castello che si ritiene abitato da misteriose presenze e che cercano di documentare la loro “orribile” vacanza con riprese “fai da te”, realizzate con una piccola telecamera adoperata a turno da uno dei tre, che di notte viene piazzata su un supporto perchè possa continuare a registrare quanto accada. Ma la telecamera fa quello che può, nei limiti del suo obbiettivo, senza alcun impiego di luci se non una modesta torcia, e le immagini peccano per scarsissima definizione, perdono tutto il croma quando tentano di leggere il buio, sono soggette a frequenti interferenze, scrosci, interruzioni e quant’altro. 

L’intento – lo si è detto – sarebbe quello di documentare “la presenza” di un’entità, di un fantasma, di un poltergeist, chiamatelo come volete. Ma finisce per documentare unicamente la loro paura, il crescere di una suggestione che diventa psicosi e che, come oggettive pezze d’appoggio, non ha che una serie di tonfi, di grida, di frastuoni crescenti o al massimo qualche porta che sbatte. E il timore diventa terrore, la paura diventa psicosi. La telecamera impazzisce anch’essa e documenta, ma solo a tratti, il volto della ragazza diventato la prova di un incubo. Alla fine una didascalia ci informerà che, assieme al contenuto della telecamera, nel castello è stato rinvenuto il cadavere di uno dei tre mentre la ragazza è stata ritrovata mentre girava impazzita nella brughiera. 

Sconcertanti e irritanti le immagini povere e disturbate della telecamera che ci inseguono e perseguitano per un’ora e ventidue, coinvolgendoci nel gioco. Assente ogni commento musicale e dialogo ridotto a monconi di battute. Un film o una burla? A suo modo un film. Ne è autore e regista Daniele Greco, che ha intrapreso un giro per la Germania, sponsorizzato da Facebook, per reperire i soldi necessari per l’ambiziosa operazione.

MAKKHI

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Da che parte cominciare per recensire questo film indiano prodotto nel 2012 e campione d’incassi? Impresa ardua: film fantasy? Certo!, perché racconta una fiaba, presentata come tale anche nelle battute che ascoltiamo mentre sfilano i titoli di testa, con la bimba che prega suo padre di raccontarle una favola. E sarà la storia di un amore spezzato da un protervo magnate che uccide il rivale in amore. Ma lo spirito del defunto s’incarna in una mosca dispettosa che esigerà la sua vendetta perseguitando implacabile il suo assassino. Un film d’animazione?, anche, perchè la mosca che ne è la protagonista si mescola in modo singolare alle riprese con attori in carne ed ossa. Una commedia?, evidentemente, perchè il tono grottesco del film non raggiunge mai toni lugubri o drammatici. Un film d’effetti speciali?, senza dubbio, perché la tecnica digitale, ricca di risorse e di soluzioni strabilianti, ne è la maggiore responsabile. Un film targato Bollywood? Come negarlo? Per la scelta degli interpreti, per la collocazione, per le connotazioni scenografiche. Ma anche per quel modo singolare di narrare, dove canto e pantomima entrano a pieno diritto, specie in quella storia d’amore – prima che il giovane ucciso trasmigri nell’insetto – leggera e poetica, sorridente e vaporosa. Un kolossal? Come negarlo: Basta informarsi sulla vicenda complessa e pasticciata della sua lunga gestazione, l’impegno finanziario, le varie versioni e i sequel e così via. Ma soprattutto un film indiano per i suoi temi. La vendetta in primo luogo, ma anche la trasmigrazione, la metempsicosi, l’induismo, la presenza dei morti, i riti sciamanici eccetera. 

Un film godibile, senza le consuete amputazioni della parte canora e dei balletti operate dalle reti nostrane quando, solitamente in estate, si concedono il lusso di distribuirci i prodotti, più commestibili per noi, del ricco carniere targato Bollywood.

PAURA

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Altro film di recupero (diretto da James Foley, 1996) che forse non era nemmeno necessario recuperare: il solito ragazzetto all’apparenza simpatico e a modino, che circuisce la solita ingenua sedicenne, depistando i genitori, la seduce e finalmente, con l’aiuto di amici degeneri e violenti come e quanto lui, pone in stato d’assedio la dimora della ragazza, votato a distruggere e uccidere. Di qui il prevedibile panico da luogo chiuso e indifendibile, e finalmente la paura promessa dal titolo. 

Troppo lunga la preparazione prima di giungere al sospirato clou e non sempre convincenti i protagonisti giovani, qui alle prime armi ma destinati a una fulgida carriera: lui è Mark Wahlberg per la prima e credo ultima volta cattivissimo, lei la giovane Reese Whiterspoon, brava ma ancora lontana dai suoi vertici comici e drammatici, il papà è William Petersen, un belloccio piuttosto incolore e fuori parte. 

Rivisto a dieci anni di distanza il tutto appare piuttosto scontatello.

TRAPPOLA SULLE MONTAGNE ROCCIOSE

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Ideale sequel di “Under siege” (Trappola in alto mare) questo film del 1995, diretto da Geoff Murphy, è anche il secondo (e ultimo?) grande successo di Steven Seagal, e del precedente ripete la formula (un uomo solo, costretto in un luogo chiuso contro una banda di delinquenti). Stavolta il luogo è addirittura un treno che corre a gran velocità attraverso le Montagne Rocciose e la banda di terroristi che vi si è istallata è in grado di dirottare una spaventosa arma satellitare capace di sfruttare i fasci di particelle per provocare sismi artificiali, costruita dalla solita CIA pasticciona in dispregio delle disposizioni governative, per distruggere le roccaforti della civiltà, cioè per colpire Washington, al fine di provocare l'esplosione del reattore nucleare che i servizi segreti nascondono sotto il Pentagono. 

Azione dopo azione con la suspense a tirare il filo. Il vecchio riposante manicheismo stile western con i cattivi che sono veramente cattivi, senza crisi di coscienza e conflitti psicanalitici (anche se il supercattivo è uno psicopatico), e il buono che è un eroe senza macchia e senza paura, e qui il legnoso e massiccio Steven tenta di somigliare a Schwarzenegger, senza peraltro avere l’autoironia dell’ex culturista austriaco. I mitragliatori falciano vittime e non s’inceppano mai, gli scontri sono disperati e violenti ma fortunatamente non ancora ridotti a monotone e incolori competizioni da video-gioco, come avviene negli odierni film. Gli effetti sono numerosi ma non ancora digitali, quindi conservano una loro impossibile credibilità: "Inutile dire che il divertimento è inversamente proporzionale al tasso di credibilità delle azioni, che si susseguono a ritmo incalzante senza un attimo di respiro”. 

E’ bello e piacevole rivedere questi due “Under siege” che ci riportano a una stagione irrepetibile, forse ingiustamente snobbata.

DRAMAWORLD

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Forse è stato proprio “Alice nello specchio” a dare il via nella narrativa alla sequenza dei personaggi fantastici che colloquiano con la propria immagine, entrano nel proprio sogno e intraprendono un dialogo impossibile con una realtà parallela. Poi sono arrivati tutti gli altri, sino a Woody Allen con “La rosa purpurea del Cairo”, dove un personaggio fittizio compie il percorso inverso balzando in sala dallo schermo e diventa ”vero”, e a Robert Zemeckis con “Chi ha incastrato Roger Rabbitt” dove attori in carne ed ossa penetrano nel reame di Cartoonia. 

Ora ci prova la tv con questa avventura strampalata, quasi uno scherzo, in cui un’adolescente bruttina e teledipendente, adibita a fare da sguattera nel bar di suo padre, viene risucchiata dal suo smartphone e trasportata nel dramma televisivo preferito. Ma non si limita a questo perché, appassionata com’è di serial, cerca di modificarne gli eventi, quantunque un altro personaggio secondario, il “facilitatore”, l’ammonisca a non interferire nella sceneggiatura se non secondo i canoni approvati dal genere televisivo. 

Ma il marchingegno messo in campo da “Dramaworld” non si esaurisce qui, perché se la ragazza è made in Usa, la fiction è made in Corea del Sud e sono coreani gli attori, anzi i divi, che la interpretano. Per cui il gioco si fa spericolato e puzza un poco di espediente coproduttivo - in cui c’è di mezzo anche la Cina - peraltro giustificato dalle piccole invenzioni con cui è via via seminato. 

Dieci episodi di venti minuti ciascuno, una situazione un po’ esilina (il “divo” è una specie di chef conteso fra aspirazioni gastronomiche e beghe familiari), un gioco un po’ criptico ma decisamente divertente fra lingua inglese e lingua coreana, una protagonista simpatica e un po’ buffa e molti camei con la partecipazione di noti attori asiatici.

MARSEILLE

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Dominata dalla mole artistica ma anche fisica di Gèrard Depardieu ha preso il volo la prima produzione francese di Netflix, una serie che tenta di tradurre con linguaggio europeo il taglio delle serie anglo-americane e di riallacciarsi a un tipo di tematica di successo (House of cards). Diciamo subito che la marca francese è ben evidente, sia nella costruzione, che alterna brevi frammenti a scene distese, sia nella fotografia e ambientazione che giocano molto sull’architettura vecchia-nuova di una città sostanzialmente inedita come Marsiglia, sia nel disegno dei personaggi, anche un po’ troppo “tipici” e prevedibili. 

 Il soggetto è basato sulla competizione elettorale che vede rivali il vecchio leone, disposto, per l’avvenire della città, a raddoppiare il suo mandato e il suo delfino divenuto un agguerrito rivale. Ma nel gioco entrano, come è ovvio, il crimine organizzato nei suoi intrecci con la politica, profittatori e faccendieri nonchè la nuova Francia, quella giovane e quella mista, figlia degli immigrati arabi e della cultura rap. Il tutto ambientato in una serie di scorci e location che rispecchiano un’urbanizzazione a volte degradata ma anche i siti moderni e ammiccanti della nuova Marsiglia, e una periferia che somiglia un po’ a quella ritratta da Luc Besson nei suoi film sulle banlieu ma frequentata da gaglioffi un po’ di maniera. Del resto anche altre figure non si sottraggono ai cliché e appaiono lontani dalle precise e incisive caratterizzazioni delle serie anglo-americane nonché di quelle del Nord-Europa. 

Ma la novità sta nel puntare su una vicenda unitaria e compatta che non si spezza in troppe seconde storie sfuggendo alle logiche più logore della serialità in progress. La storia pubblica e la storia privata sono strettamente connesse e interferiscono in maniera furba e gli autori non rifuggono addirittura dal far uso di una buona dose di “melo”. Da notare l’insistenza davvero eccessiva di scene erotiche, ammannite con inconsueta spregiudicatezza: il famoso aspirante sindaco è un assatanato di sesso, che usa anche e spesso per fini politici ma non solo. E la figliola del vecchio sindaco non è certo da meno. 

La critica è stata ingiustamente e apoditticamente feroce nei confronti di questa produzione che vuol essere sostanzialmente un serial popolare e di consumo ambientato e sostenuto – se possibile - da una storia tutt’altro che futile, raccontata con perizia e spregiudicatezza tutta francese. Critica che, pur con i rilievi negativi che abbiano seminato qua e là, non condividiamo assolutamente.