DESIGNATED SURVIVOR

 

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Sopravvissuto alla strage che ha distrutto il massimo consesso politico degli Stati Uniti d’America - Presidente compreso - un funzionario messo in salamoia nel caso di devastante sinistro, considerato quanto mai improbabile ma secondo una consuetudine nata durante la guerra fredda, Tom Kirkman diventa ipso facto il capo politico della potenza mondiale numero uno. Ma lui è un semplice funzionario e neanche tanto accetto alle alte sfere che erano in procinto di esonerarlo dal suo compito all’interno del gabinetto presidenziale per trasferirlo altrove. Diventato Presidente il sopravvissuto deve affrontare compiti immani. Li affronterà con molto rispetto per i musulmani, sbrigativamente imputati di genocidio dai soliti militari guerrafondai, ma con molto autorità nei confronti di governatori secessionisti. 

Sono arrivato alla quarta puntata e vado avanti perché la serie è ben fatta e costruita, intrigante quanto basta, con Kiefer Sutherland protagonista, veterano dei tanti ottimi cicli di “24”, che qui ha abbandonato i panni dell’indomito Jack Bauer, quindi non è più in versione D’Artagnan. La serie, “fresca di giornata”, cioè targata 2016, attraversa i temi del momento e li svolge nel modo più “politically correct”, seguendo i dettami della pubblica opinione più corriva: lotta all’integralismo, alla corruzione, alle fobie dei militari, agli intrighi dei politici bugiardi, ai tranelli dei funzionari troppo intraprendenti, sapiente cocktail multietnico declinato più a favore degli arabi che della negritudine. Un Presidente compassionevole ma rigoroso, tollerante ma decisionista, cioè “al bacio”. 

Un cast - come al solito in produzioni del genere - ben scelto e calibrato: Kiefer rinuncia alle prodezze da Jack Bauer per mostrarci il volto basito e preoccupato di un Presidente suo malgrado, conscio delle sue responsabilità. Riuscirà a sconfiggere i nemici interni ed esterni? E’ quanto vedremo.

BABYSITTING

 

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Altro sottogenere che al cinema ha una storia lunga: non parliamo dei classici quanto del rigurgito di commediole che rappresentano il conflitto seminserio fra improvvisati babysitter maschili e bambini terribili, una costante anche nella programmazione degli ultimi anni. Ma questo “Babysitting” (2014) di Nicolas Benamou e Philippe Lacheau (che ne è anche il protagonista), redatto secondo il solito umorismo francese, li spiazza tutti. 

Un umorismo francese modernizzato, declinato in sintonia con lo spirito giovanile, ma ben lontano dai giovanilismi smaccati e allappanti del cinema americano. Storiella semplice e un po’ risaputa, più che una storiella uno spunto: tre giovani occupati presso un’industria con ruoli molto subalterni. Uno di essi si presta a far da babysitter d’emergenza nella splendida abitazione del suo principale, rinunciando alla prevista festicciola per il suo compleanno, ma gli altri due amici lo raggiungono nella casa del magnate e improvvisano per lui una sorta di “rave” che si fa sempre più sfrenato. Alla “notte brava” si unisce anche l’enfant terribile, il ragazzino messo a dormire che si è risvegliato anzitempo, che con gli improvvisati amici vive buona parte dell’avventura, compreso uno sfrenato intermezzo al Luna Park. Finale in gloria. Tutti e tre in galera per i danni arrecati alla magione e all’ordine pubblico, ma bimbo riconciliato con i genitori nonché con i nuovi indimenticabili sodali. 
Il film è costruito attorno a un pretesto: i due genitori, convocati dalla polizia nella loro casa “distrutta” assistono alla ripresa casalinga fatta da uno dei partecipanti che ha immortalato dilettantisticamente l’inverosimile e inverecondo crescendo della grande kermesse. 

“Babysitting” è un film pregevole e per più motivi; primo, perché la descrizione della sarabanda è esemplare, con uno stile di ripresa falsamente improvvisato ma senza lenocini e compiacimenti da Cine-club; secondo, perchè i giovani protagonisti, bambino compreso, sono bravi e simpatici; terzo, perché una volta tanto in film del genere vengono evitate pruderie e conclusioni “politically correct”, cioè ipocritamente moraleggianti - la notte a cui partecipa il bimbo è chiaramente trasgressiva-; quarto, perché la coppia dei genitori, fra cui si esibisce la signora Savoia, è altrettanto simpatica e non prevedibile. Ma il film non è una semplice sommatoria di questi motivi, è una sbrigliata commedia tutta da vedere. 

So che del film è stato realizzato un sequel. Non oso pensare cosa ne abbia fatto il remake nostrano apparso – e pensiamo scomparso – pochi mesi fa.

IL CACCIATORE DI DONNE

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Il killer – in italiano: l’assassino seriale – è di gran moda. Non c’è film-tv o tele-serie degni di rispetto che non spiattelli le avventure di un assassino che prende gusto al suo lavoro, ovviamente sino a quando un poliziotto, pertinace quanto sbertulato dai superiori, riesca a metterlo spalle al muro. Dopodiché, spesso ma non necessariamente, inizia la diatriba per capire se il nostro killer lo faccia per gusto o per malattia. Una fortunata serie televisiva – “Dexter” – ha addirittura cantato le avventure di un killer che unisce il piacere d’ammazzare il prossimo all’amore sviscerato per la giustizia. 

A questo punto, incappando nel “Cacciatore di donne” (2013), avevo avuto la prima impressione che si trattasse dell’ennesima storia di killer. Nella fattispecie di un killer che si divertiva a spassarsela con fanciulle in fiore per poi farne animali da cacciare nella gelida Alaska, fra stentate betulle e ostili panorami. E invece no, si trattava – mi assicurava la didascalia iniziale - di una storia vera, con tanto di foto, prima dei credit finali, delle autentiche disgraziatissime protagoniste: un killer esagerato che aveva sterminato un’infinità di ragazze prima di essere individuato e messo fuori combattimento. 

Nel nostro film il poliziotto bravo quanto incompreso ha la faccia ormai spenta di Nicholas Cage mentre l’assassino è interpretato altrettanto di malavoglia da John Cusack, Ma c’è una ragazzina molto brava, Vanessa Hudgens, che riabilita il tutto e la regia - opera prima dell’esordiente neozelandese Scott Walker - racconta la storia con efficace nervosismo, stile fluido e una camera gagliardamente mobile. 

Insomma da vedere? Fate voi!

CHICKEN PARK

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In America è di moda abbinare alla classifica per i film più belli - gli Oscar - quella per i film più brutti e per le interpretazioni più disastrate dell’anno – Razzie Awards - : ognuno si diverte come può. Con un gusto che ha del sadico Netflix ha messo in cartellone quello che ha la fama di essere il film italiano più brutto di tutti i tempi, “Chicken Park” interpretato e firmato da Jerry Calà con l’ausilio e il supporto di Galliano Juso.
Fama scroccata, diciamo noi dove averlo diligentemente visionato. C’è o c’era in giro molto di peggio. Il film è il classico esempio del film all’italiana, furbo quanto povero, un’ingenua parodia di “Jurassic Park” realizzata con grandi teste e zampe in cartapesta di polli-gigante e con l’uso di immagini in sovrimpressione con personaggi resi piccolini accanto a polli grandi come dinosauri, effetti ottici che ricordano quelli del vecchio King-Kong del 1933 e sono altrettanto approssimati, con giungle e parchi ritagliati a Santo Domingo con il benevolo appoggio delle autorità locali, dove la fantasia e l’arte d’arrangiarsi cinematografica – specialità tutta nostrana di cui ho fatto uso più volte anch’io - suppliscono ai mezzi e alla carenza del budget. Una critica o un complimento? L’una e l’altro. 

Perché il filmetto, ad onta di alcuni inutili e insistite variazioni pseudo-erotiche, è un raro esempio di tentativo demenziale, zeppo di allusioni e citazioni parodistiche (dal “Jurassic Park” di Stevens alla “Rosa purpurea” di Woody Allen, alla televisiva “Famiglia Addams”), con una serie di gag che talvolta funzionano. Il limite è dato anche dall’approssimazione volonterosa degli interpreti nonché dalla fragilità di Jerry Calà, simpatica presenza in tanti filmetti ma incapace di sostenere un personaggio – comico? – per un intero film. 

No, carissimi spettatori, ho visto molto di peggio. Non stracciamoci le vesti per un divertimento dove le ideuzze e le gag sovrastano la disponibilità economica, dove s’inventa e si racconta un po’ a braccia. Il surreale e il demenziale è così raro nei nostri film seriosi – seriosi compresi quelli comici – che possiamo anche accontentarci.

IMPIEGATI... MALE!

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Il mondo degli impiegati, gioia e delizia dei narratori per parole o per immagini, dalle “Miserie di Monsù Travet” di Vittorio Bersezio e film di Mario Soldati, 1945, a “Policarpo ufficiale di scrittura” (1959) ancora di Soldati ma tratto da Gandolin, a “Impiegati” (1985) di Pupi Avanti, eccetera. Impiegati pubblici col cartellino o la scheda magnetica da aggirare o da evadere, e impiegati privati con il loro bravo computer davanti al naso, impiegati soddisfatti o irrequieti. 

Si fa disponibile ora, grazie a Netflix, questo piccolo film ironico (“Office Space” di Mike Judge, 1999) sugli impiegati di un grande cartello americano, quotidianamente dediti a un lavoro del quale sfugge loro l’importanza o la necessità, vessati dal timore di possibili licenziamenti o soggetti al controllo di esperti beoti che possano giudicare desueto o inutile il loro specifico settore. Critiche in parte usuali e un po’ scontate, come nelle opere citate o in molte altre e come in tante vignette umoristiche, oppure critiche originali, sfornate dal repertorio impiegatizio USA al quale il nostro compartimento impiegatizio sempre più somiglia o è destinato a somigliare. Il film le raccoglie tutte e le amministra con garbo. 

Una storiella curiosa. L’impiegato renitente alla routine che, grazie ai sortilegi di un ipnotista, riesce a dare un calcio alle regole imposte dal solito capoufficio cretino e che, grazie a questo atteggiamento sanamente menefreghistico, anziché ricevere l’ostracismo dei competenti che esaminano le mansioni, riceve inaspettati elogi e promozioni. E poi il sodalizio truffaldino fra tre giovani impiegati al fine di frodare la loro macroscopica ditta con un espediente contabile-digitale (“chi di spada ferisce di spada perisce” sarebbe il caso di dire) con relativo pentimento finale e salvezza dal disastro grazie a un provvidenziale incendio. Ma ci sono altre sequenze gustose, come quella prima dei titoli di testa, con le auto incolonnate in un ingorgo da traffico urbano. 

Insomma un filmetto leggero che in America, inizialmente bocciato al botteghino, sembra sia diventato un cult, grazie soprattutto ai DVD. Un gruppo di interpreti simpatici e la presenza di Jennifer Anniston in versione originale.

MOLTO FORTE, INCREDIBILMENTE VICINO

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La tragedia dell’11 settembre 2001 è stata evocata direttamente o indirettamente da molte “commemorazioni” cinematografiche, a cominciare da “World Trade Center” (2006) di Oliver Stone. A questa certo non auspicata teoria si aggiunge anche questo “Molto forte incredibilmente vicino” (2011) diretto da Stephen Daldry e tratto dal romanzo di Jonathan Safran Foer, che ne tratta solo indirettamente e in modo traslato. 

Una famigliola felice, un rapporto tenerissimo e privilegiato fra un ragazzo di nove anni e suo padre, che perirà nella sciagura. Ciò produce ovviamente un forte trauma nel ragazzo che da un lato cova il rimorso di non aver risposto alla sua estrema telefonata dalla torre in dissoluzione, all’altro vuole perpetuarne il ricordo scovando il destinatario di una chiavetta che suo padre ha nascosto dentro un vaso. La ricerca sarà lunga e capziosa attraverso una New York lacerata nel morale e negli affetti e si concluderà ma non in modo miracolistico, perché quella chiave è solo il lascito di un altro padre ad un figlio ignorato, capitata per sbaglio nelle mani del suo genitore.

Ma la ricerca sarà servita al ragazzo per aprirsi a un mondo diverso e riscoprire l’affetto, forse tenuto in secondo piano, di una madre affettuosa che ha seguito di nascosto i passi della sua straziante ricerca. Ho trascurato la presenza di un nonno “apocrifo” e muto, che parla solo scrivendo biglietti, riconquistato alla famiglia. 

Un film tenero e gentile, nato evidentemente nel clima rievocativo della sciagura, ma senza i colpi bassi di una scoperta e programmatica commozione. Il ragazzo è bravo ed ha il merito di non essere stato scelto fra le faccine di prammatica, quelle fasullamente “belline” per far intenerire. I genitori sono due star – Tom Hanks e Sandra Bullock – evidentemente cooptati all’operazione, che riescono a dare smalto, pur con una limitata presenza, ai loro due personaggi. Lo pseudo nonno è Max von Sydow, molto vecchio ma ancora capaci d’imporsi anche senza parlare. C’è anche una breve “comparsata” – o cammeo che dir si voglia - di John Goodman.

HOMELAND SECURITY

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Una commedia che dovrebbe essere divertente e forse lo è, tutto sta ad accontentarsi. Commedia, ma con un fondo di tristezza nel vedere la promettente diva di “Harry ti presento Sally”, 1989, la spumeggiante Meg Ryan dal sorriso irresistibile, rinforzata dai siliconi e dal butulinico, gigioneggiare per mostrare una freschezza da quarantenne ben portante che ormai non è più. E accanto a lei un Banderas abbronzatissimo fare un po’ la parodia del bel Banderas del 1998, ormai più assimilabile all’impareggiabile fornaio-biscottiere del Mulino Bianco che all’irresistibile giovane Zorro. A chiudere il trio di una distribuzione un po’ abborracciata il giovane Colin Hanks che al padre ha carpito solo una certa somiglianza ma non certo la bravura. 

Ma il film è soprattutto a servizio della Ryan che folleggia, diventata una silfide dopo l’inizio in cui, grazie al morphing, era camuffata da grassona, ne fa di cotte e di crude, frequenta giovani ragazzi e ha una vita sociale molto intensa. Rinfantilita in quanto agli amori, ha un severo giudice nel morigerato figliolo che lavora per l’FBI, sulle tracce di un famigerato ladro d’arte che, guarda caso, diventa il boy-friend di sua madre. 

Nel scoppiettante finale, nella contaminazione fra action, thriller e risate, specialità dell’autore-regista Gorge Gallo (“Prima di mezzanotte”), il tentato furto viene sventato e il Banderas si rivela in extremis non il paventato ladrone ma l’agente in incognito della solita CIA con finale in gloria. 

Ci siamo divertiti? Forse no, ma poteva andar peggio.

PARANOID

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Cosa disfarci di noi stessi nel lavoro che svolgiamo giorno dopo giorno, cioè come disfarci del peso delle nostre paranoie private che finiscono fatalmente per condizionare il nostro operato e quindi il nostro rapporto con gli altri? E’ il tema sottinteso a questa nuova serie anglo-tedesca proposta da Netflix, almeno stando ai primi episodi. Siamo tutti un po’ paranoici, cioè ci trasciniamo dietro i nostri dilemmi, i nostri dubbi, la nostra insofferenza. anche quando dovremmo farci osservatori e giudici impassibili. 

Tre personaggi-guida, tre poliziotti - tanto per cambiare -. Lei è una quarantenne, mollata dal compagno dopo molti anni di convivenza, e quindi brutalmente esposta a bruciar gli ultimi anni di una giovinezza che le sta sfuggendo, lui è il giovane un po’ plagiato da una madre possessiva, che forse confida troppo in quest’avventura con una donna più anziana di lui. Il terzo è un anziano integerrimo poliziotto assalito da vere e proprie crisi di panico che cerca invano di nascondere. Tre personaggi che credono nel loro lavoro ma che ai quali il lavori non basta, sospesi fra impegno e angoscia. Un po’ paranoici. 

La storia è quella del solito assassino misterioso che i tre tentano invano di scoprire, una storia ben costruita, ambientata nella cittadina inglese di Woodmere. Narra del misterioso omicidio della Dottoressa Angela Benton avvenuto in un parco giochi per bambini dove la donna aveva portato a giocare il figlio Luke di 3 anni. L’elemento di novità è poi costituito da un “ghost detective”, cioè da un detective fantasma, che si diverte a interferire nelle ricerche dei nostri tre investigatori fornendo loro strani indizi. 

Seguiremo la vicenda, ma quello che per il momento ci ha colpiti è lo spazio riservato a queste tre paranoie portanti.

FIRELIGHT

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Ha quasi vent’anni questo gentile romantico film inglese, scritto e diretto da William Nicholson, sceneggiatore drammaturgo e romanziere nella sua unica prova di regista, che ha il suo punto di forza nell’interpretazione, carismatica quanto controllata, di Sophie Marceau.

Siamo nel I837: una giovinetta, per salvare il padre da una catastrofe economica, accetta di partorire un figlio a un ricco signore inglese. Come da accordi, la bimba le viene sottratta appena nata. Trascorrono sei anni e vediamo la giovane questuare un posto di governante presso la famiglia che le ha carpito la figlia e che ella è riuscita a rintracciare. La giovane donna riuscirà a conquistarsi la fiducia della bimba nonché l’amore dell’uomo che le ha carpito la fertilità per ottenere un erede, poichè un grave incidente ha costretto per molti anni sua moglie in un irreversibile coma. 

La vicenda – che sa un po’ della brontiana Jane Eyre e un po’ di Jane Austen - è raccontata con il classico nitore inglese, dal cast alla scenografia, ai costumi, e ci riporta a un’epoca ormai trascorsa in cui anche il cinema del grande schermo non trascurava il romanticismo, nonché i finali tristi quanto consolatori. Sophie Marceau illumina il film con la sua luce discreta quanto intensa – la luce del focolare come suggerisce il titolo - accanto a un efficace Stephen Dillane ed a perfetti caratteristi, come da tradizione britannica.

BLACK MIRROR - TERZA STAGIONE

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Il mondo di domani in una serie inglese di episodi nei quali il domani assume il volto di un universo informatico denso di insidie, nell'incedere e progredire delle nuove tecnologie, l'assuefazione ad esse ed i loro effetti collaterali. 

Terza stagione, numero uno, “Caduta libera”: armata di insostituibili smartphone la gente si giudica e si autogiudica in base al punteggio del proprio aggeggio. Per cui il comportamento e l’accettazione sociale dipendono dalle stelline che riusciamo a totalizzare e incamerare dai nostri simili, quelli che incontriamo per la strada o nel nostro edulcorato ambiente. Ne deriva un mondo fasullo, pieno di valutazioni false e di valori deformati e deformanti, come quello che con molto acume ci dipinge questo episodio. Fino a quando la malaugurata o beneaugurata funzione cede di fronte all’inaspettato e l’olimpo di sorrisi precipita. 

Ancor più “terribile” il terzo episodio, “Zitto e balla”, dove ognuno dei protagonisti è ricattato da una voce anonima, recapitata tramite l’immancabile smartphone, che minaccia di mettere in rete dei video privatissimi da cui dipende l’onorabilità e la vita dei malcapitati. Per evitare il sinistro gli sventurati dovranno compiere, su ordinazione e istruzioni fornite via via, azioni delinquenziali che, oltre tutto, li coinvolgeranno assieme. Una condanna terribile da cui è impossibile sottrarsi. Il breve film, come il precedente, ha il sapore di un divertimento amaro ed è sorretto da una realizzazione ineccepibile. 

Questi “black mirror”, giunti alla terza stagione, promettono di essere un prodotto per palati fini, molto meno evasivi di quanto potrebbero sembrare. Dopo la serie d’esordio dedicata soprattutto ad esperimenti formali, questa terza si rivela come un’avvincente lettura metaforica ma non elusiva del mondo in ci viviamo.